13 marzo 2007
Historias de los Albumnes
The Doors
The Doors el primer albúm de la banda grabado el mes de agosto de 1966 en Sunset Sound Studios #1 en Hollywood . Lanzado oficialmente en los Estados unidos el día 6 de enero de 1967. Con la fuerza de Light my fire en todo el país americano,Paul Rotchild, uno de los más destacados profesionales de Elektra Records solía decir que había creado un éxito en tan sólo una semana. Así que firmaron contrato con la disquera a finales de 1966 de esta forma The Doors inmediatamente entraron en estudio y en menos seis días con un fin de semana de plazo grabaron su primer disco .
Las canciones escogidas ya formaban parte del repertorio que la banda ya venía tocando en bares en California durante un año entero, alternándose entre composiciones de autoría propia a pesar de que sean todas compuestas por Jim Morrison y Robby Krieger, la banda completa llevaba el crédito en covers como Alabama Song de Kurt Weill y Bertold Brecht y Back Door Man de Willie Dixon). El sonido puede ser catalogado como un blues urbano y sombrío, mezclando influencias de la música negra y de elementos totalmente nuevos en el mundo de la música pop.Éxito masivo se transformó inmediatamente en disco de oro y muy elogiado por la crítica, el álbum se convirtío uno de los mayores clásicos de la historia del rock y colocó a Jim Morrison y la banda entre los mayores iconos pop del siglo.
Este era el primer disco en la carrera de la banda. Lo normal era que todo disco debut de cualquier grupo sea poco osado, en que los músicos aún estén buscando su propio camino, que sea una fase de innovación ó de inexperiencia,pero con The Doors era diferente,¿a que grupo se le ocurriría colocar canciones como "The End" en su debut musical? hasta The Beatles les tomó un tiempo para dejar el apelativo de menudos de los años 60.Luego evolucionaron cuando dejaron las musiquitas idiotas de amor("con todo respeto a los fanáticos de The Beatles") como el propio John Lennon se refería cuando hablaba en la primera etapa del grupo. Con The Doors eso no sucedió, ellos ya habían dado que hablar a medio mundo dejando de lado cualquier conformismo o lugar común melódico.
El disco fué un golpe revolucionario en el escenario rock de los 60's. Un crítico mencionó:"Gusto de los demasiados grupos porque entiendo lo que ellos dicen, pero con The Doors eso no fue así, quienes pueden entender lo que Jim está queriendo transmitir?" Pues eso, Jim y su banda eran demasiado adelantado para la época y el más importante,ellos volvían locas a las fanáticas. Ellos surgieron en el momento en que Estados unidos y el mundo ya habían perdido la inocencia.
La guerra de Vietnam era tema de cada día y The Doors eran oídos en el sudeste asiático por las tropas americanas cuarteladas en el fin del mundo.Según Oliver Stone "The Doors fueron la banda sonora de Vietnam" . Tal vez por eso la guerra haya sido intensa.The Doors hizo pensar lo que definitivamente está fuera de cogitación para los militares que quieren que sus soldados sean simples máquinas de matar. Entonces el grupo vino y rompió con todo, inclusive con la paz que reinaba. En suma a todo ello The Doors fueron definitivamente aquellos que destrozaban las puertas de lo prohibido y del marasmo musical a final de los años 60 que trajeron nuevos valores al aséptico mundo wasp de los Estados unidos. Todos divulgaban que la juventud estaba ahora haciendo el amor libre, tomando drogas inclusive los militares en Vietnam y que los valores de los padres se derrumbaron. The Doors creció rápido,habían quitado a The Beatles del trono de banda más importante de la historia del rock o jactando de que los Rollings Stones eran unos ridículos posando como adolescentes inmaduros.
Break On Through y End Of The Night: Mezcla de filosofía francesa, pizcas de
existencialismo, culto a la muerte, alucinaciones psicodélicas.El primero single de la banda,uno de los más revolucionarios y transgresores de la historia del rock americano...
Por eso hubo tanto alboroto en el país. Jim literalmente rompió con el escenario musical de la época y hizo algototalmente nuevo. Por eso intentar clasificar y encuadrar el grupo en alguna tendencia es tontería, simplemente son únicos, sin nadie parecido. Jim fué en esas canciones lo que John Lennon le gustaría haber sido, si tuviera una formación educativa más sólida, porque nadie mezcla tantas cosas diferentes y relevantes en un solo punto y todo sale bien. Tiene que
tener capacidad intelectual y eso Jimbo tenía de sobra.
Canciones como Light My Fire y The Crystal Ship fueron uno de los grandes éxitos de la carrera deThe Doors. Primero causó mucha sorpresa por parte de las radios americanas por la duración de la canción.Paul Rotchild hizo una mini versión aceptada por Jim para que las estaciones más comerciales pudieran tocar el éxito The Doors. Tiempo después vendieron los derechos de "Light My Fire",sin la aprobación de Jim para tocar como single en el lanzamiento de un nuevo coche, el Buick,en la película de Oliver Stone se aprecia esas imágenes cuando Jim le pide una explicación a Ray sobre ello y claro quedó enojado y detonó un televisor. El conjunto estaba haciéndo justamente aquello que Jim más odiaba,en fin.
Sin duda alguna este álbum es considerado una piedra angular de la música rockandrollera y número 43 entre los 500 mejores álbumnes según Rolling Stone,a pesar de los siguientes discos la banda nunca pudo alcanzar los picos creativos logrados con este álbum.Quizás la razón sea que durante esos años la conducta de Jim fue errática y autodestructiva en exceso,al final el abuso de alcohol y drogas lo acabarían convirtiendo en un tipo irreconocible.
Ficha Técnica:
Albúm: The Doors
Año:6 de Enero 1967
Disquera:Elektra Records
Duración:43:05
24 febrero 2007
Historia de los Albumnes
Strange Days
Lanzado a finales del primer semestre de 1967, Strange Days era la respuesta de la banda a las especulaciones de periodistas intrigados con el próximo paso de aquellos hijos de la playa
de Venice, Los Angeles, típicos chicos hippies californianos que habían incendiado el país con los hits “Break on through”, el más perfecto rock con un ritmo latino hasta hoy y Light “My Fire”, son simplemente el himno de toda una era.
En Strange Days, aún estaba allá, intacta, eternizada para toda la posteridad, la filosofía dramática y profunda, repleta de signos de la decadencia social, del caos, de los límites sensoriales y de la locura que impregnaba el buen trabajo de la banda en el auge de su carrera y que se perdieron un poco, al largo de sus años finales, debido, obviamente, al descontrol
de que fue víctima Jim Morrison a partir de 1968 hacia adelante, envuelto en escándalos, cogorzas y enrascadas mayores que toda la discografía de la banda. El disco empieza con "Strange Days" , una brillante y trivial incursión por la tierra de aquellos días insanos, poblada por las letras densas de Morrison que encontraron resonancia tanto en las lecturas de los jóvenes americanos perplejos con la guerra fría, con Vietnam y el rock como instrumento político,en cuanto en las miradas furtivas y ocultas de los latinoamericanos chafados por la máquina opresora de la dictadura militar por aquí sí, el tema, figurando un teclado espacial piloteado por Manzarek que realmente sugería una ida a otro mundo, como en las viejas películas de hollywood de alienígenas comunistas queriendo comer criaturas, era irónico y a la vez perfecto como una metáfora de nuestro globo, girando en 180 grados de éxtasis y perdición, en aquella época de grandes cambios e incertidumbres.La ironía del grupo permanece, pero con tintes más suaves y delicadas, en la bellísima “You’re Lost Little Girl” una de las mejores baladas del grupo.
De una atmósfera climática, sugiriendo un suspenso terrible y peligroso en la introducción en despertares bajos, nos da toda la dimensión del poder de las letras de Morrison " amenazador ", en versos bastantes sutiles y minimalistas, en "You’re Lost Little Girl" una chica misteriosa, tal vez una lolita perversa, que usa el juego de la seducción como principal arma “Estás perdida pequeña niña, dime quién eres tú?,pienso que sábes lo que haces..¿ imposible? Sí.. pero es cierto...”.Uno de los solos más paradisíacos de guitarra eléctrica de Krieger especialmente brillando en este disco.
Canciones como “Love Me Two Times” y "My Eyes Have Seen You” sugieren aquel lado más vaudeville y aquel latído más acelerado del grupo, “Unhappy Girl” es el típico viaje psicodélica morrisoniana, liderada por el teclado ensandecido de Manzarek rumbo a la neurótica de una chica infeliz que representaba en la verdad una visión bastante peculiar del autor sobre
su compañera fija, Pamela, y de todas las otras mujeres de su vasto círculo personal en sus chivos existenciales “Chica infeliz....estas encerrada en una prisión de tu propio invento”. El doble “Horse Latitudes” y “Moonlight Drive” nos trae dos viejos poemas de Morrison guardados bajo siete llaves por él en su viejo cuaderno de
poesías, cultivadas con cariño cuando de su morada en una choza en la playa de Venice, germinando la figura legendaria y las palabras que harían de él el icono de toda una generación.
Fueron escritas en 1965, poco antes del encuentro con Manzarek y la invitación para formar una banda, y como otras poesías de esta época, están llenas de vino y mescalina ,mientras la primera es más un viaje al Mar Egeu,describiendo una trágica escena de caballos siendo tirados al mar, la segunda es una marcha lisérgica en dirección a la luna de sortilegios y devaneos.
“People are Strange”, que es una especie de comentario de "Strange Days”, sólo que más intimista. Es la cuna perfecta para los vocales la Sinatra de Morrison que se esmeren, y repite el clima vaudeville, de teatro satírico, sugerido por el sonido de la banda al largo de todo el disco. De hecho, es interesante comentar la propuesta básica del sonido de The Doors
en esta época, que era justamente esta que era el de juntar elementos de música teatral con blues, música barroca, hindú y latina, aún apelando para los asombrosos y distorsionados instrumentos amplificados, este tipo de sonido influenció en las letras de Morrison, la decisión sobre la tapa del LP. Lo que vemos es una escena circense, del tipo “Circo del
Absurdo”, con artistas bizarros en una performance alucinada. La idea original de Morrison, como él mencionó en una entrevista en la época del lanzamiento del disco, era que quitasen una foto de él cerca de un grupo de perros de las más diversas razas y tamaños todo eso porque la contrariedad que significaba la palabra “perro”, en inglés, es “dios” “es decir ["dog” – “god”].
"I Can’t See Your Face In My Mind”, música antigua, de los tiempos de las presentaciones del grupo en el Whiskey La-Go Go y en el Matrix Club, de Los Angeles, y que deja de lado el estilo rock del single “Break onThrough” para basarse sólo en un estilo bossa nova que casi llegar a ser una samba americana, después como último tema del álbum la desgarradora “When the Music’s Over”...
Paul Rotchild, el productor de los discos, quería para el final un estilo preocupante y
apocalíptico, de la misma forma que la inolvidable “The End” había significado para el primer disco, y se discutió conKrieger y Manzarek acerca de una canción que pudiera volver a crear este concepto de fin horrible e ineludible, conectando tal imagen con el miedo del oscuro tan natural a los humanos. Morrison, siempre un entusiasta de los temas mórbidos y obscuros del alma humana, se amarró de cara y en pocas horas ya andaba con las letras en la mano,solo faltaba el
sonido.
Escombros de Nietzche “Lo que ellos hicieron con el mundo?,lo que hicieron a la nuestra bella hermana?”, y Poe “La golpearon con cuchillos,al margen del amanecer,y la amarraron con vallas” son oídos en todas partes. De esa forma,
“When the Music's Over” sigue la misma estructura musical de "The End" una introducción, esta vez, no en una balada como era “The End”,pero en una canción semijazzística intercalada de tonos súbitos e intensos climáticos de rock pesado, seguida por una larga divagación de Morrison en las voces, recitando la letra en aquella forma
que le era tan característica, y retornando al ritmo del principio, para sólo entonces terminar Strange Days con un desenlace explosivo y que no dejaba nada de pie.
Las últimas palabras de Morrison en la canción son justamente "Until... The... End” y en
medio de todo, uno de los más alucinantes solos de guitarra eléctrica ya grabados en la historia del rock: el instrumento de
Robby Krieger parecía gritar como un animal siendo muerto por golpes tenebrosos.
Strange Days fue un ilimitado en la época no sólo por superar el pueril sonido básico del primer disco de la banda, habiendo sido grabado por el nuevo sistema estéreo de 8 canales un lujo a lo cual los Beatles, la mayor banda del mundo en la época, sólo se darían en el Álbum Blanco, un año después,así como también por haber probado a todos que The Doors estaba embalado en esos tiempos.
Ficha Técnica:
Albúm: Strange Days
Año:12 de Octubre 1967
Disquera:Elektra Records
Duración:34:39
http://rockandrollcircusmorrison.blogspot.com/2007/02/historia-de-los-albumnes-strange-days.html
Historia de los Albumnes
Waiting for the Sun
El tercer disco de la banda lanzado a la venta entre los meses de febrero y mayo de 1968, en la T.T.G. Studios (Hollywood, CA).Lanzado oficialmente en los estados unidos el 12 de julio de 1968.Este trabajo fue considerado como el más comercial de la banda. Tal vez injustamente,sí por un lado,contiene canciones extremadamente radiofónicas, como el gran éxito Hello, I love you y Love street, por otro lado posee algunas bien extrañas, como el vals Wintertime love, la flamenca Spanish Caravan, la rebelde Five to One y la insana Not to touch the earth,que por cierto iba a llamarse The Celebration of the Lizard, una composición con diversas y diferentes melodías que ocuparía por completo uno de los lados del lp,se descartaron del repertorio algunas viejas canciones desde los comienzos de la banda varias de ellas ya habían aparecido en los demos de 1965 y después fueron dejadas de lado y rebautizaron el disco de American Nights.The Celebration of the Lizard tuvo su letra publicada y fue grabada en vivo años más tarde bajo el nombre de Absolutely Live,cabe recalcar que el track Waiting for the Sun nunca perteneció al disco homónimo, pero sí en Morrison Hotel de 1970.
A principios de 1968 la banda estaba en la cima,el disco fué lanzado y Jim Morrison ya era popularmente conocido como el "Rey Lagarto". El alias se debe gracias al extracto de la canción 'Not to Touch the Earth', en la cual Morrison se autoproclama el rey lagarto: "I am the Lizard King,i can do anything". A pesar de la canción 'The Unknown Soldier',una crítica a la Guerra de Vietnam,el álbum fué un disco positivo, optimista que los anteriores.The Doors alcanzó el tope del éxito. Morrison se firmó como gran líder y símbolo sexual, y la banda era elogiada por todas partes por su ingenio y originalidad. El grupo organizó entonces su primera y única gran gira en su historia,canciones como Hello, I Love You, que recorrió por Inglaterra, Holanda, Alemania y otros países.
Aquellas presentaciones motivaron para que se hiciera un especial para la televisión inglesa llamado "The Doors Are Open", que posteriormente fue lanzado en formato vhs.El disco demuestra a lo largo de su duración una falta de cohesión armónica y contextual. Son nítidas las diferencias entre las canciones, principalmente en el toque de arreglos y ejecución. Algunas fueron retocadas casi a la perfección mientras otras fueron descuidadas y sin tomarle importancia por la banda. En conclusión, es un trabajo irregular, con altas y bajas notables. "Waiting forThe Sun" puede ser considerado el menos inspirado,el más frágil y no muy destacado disco de la banda...
Además del desnivel actual en todas las canciones, "Waiting for the Sun" sufre de una serie crisis de identidad, posicionándose indefinitivamente entre el mundo comercial o de más noble arte, en el más estricto significado de la palabra. Se queda así encima del muro, sin ir hacia cualquier lado, lo que lo hace un trabajo contradictorio e irregular.A pesar de todo su valor social y político, de ir contra la guerra de Vietnam, hay algunos que consideran "The unknown soldier" muy débil musicalmente,salvo la actuación del grupo en el escenario y tal, pero se percibe nítidamente toda su falta de estructura armónica y rítmica."We could be so good together" a pesar de ser un tanto buena pero tampoco se salvó de ser considerado el peor single de la banda.Se puede rescatar canciones como "Five to one". "Hello, I love you" es una bella melodía, hecha para tocar en las radios, así como "Love Street" una de las primeras composiciones de Jim hecha en homenaje a Pam,sin embargo hay controversias por diversos autores que sostienen y afirman que Jim lo compuso en su epóca escolar muchos años antes de conocer Pamela,por la simplicidad de la letra y el ritmo sesentero se puede deducir que la primera afirmación sea cierta.En fin ustedes saquen sus conclusiones sobre el disco.
http://rockandrollcircusmorrison.blogspot.com/2007/01/historia-de-los-albumnes-waiting-for.html
The Soft Parade
The Soft Parade ,el cuarto disco de la banda salió a la venta en Julio de 1969,con el lanzamiento de este álbum,se distanció del mundo underground así como también se reflejaban cambios sensibles en la concepción del grupo, no fue bien acogido por la crítica, tal vez motivado por
el escandaloso show de Miami, ocurrido pocos meses antes. El público
también extrañó el resultado, diciendo que la banda ya no era la misma
y que se había vendido.En este álbum a diferencia del resto se decidió que en las canciones tendría su propio crédito en la tapa posterior del disco,Morrison y Krieger compusieron la mayoría de las canciones llegandose a pensar que había un conflicto en la banda. En el aspecto musical surgió una nítida sofisticación en cuanto a arreglos, con el uso ostensivo de cuerdas y metales, que no era característico propio la crudeza del sonido de la banda. El problema de alcoholismo de Morrison empeoró, haciendo de las sesiones de cada grabación estresantes,prolijas y con muchos problemas,tomó muchas semanas para terminar de grabar el disco, a diferencia de los álbumnes anteriores que duraban algunos días. El grupo estaba a punto de desintegrarse. A pesar de ser considerado el peor álbum de la banda, presenta buenos temas como "Wild Child" y "Shaman's Blues",el tema homónimo al álbum "The Soft Parade","Touch Me" canción compuesta por Robby invadió las radios y elevó las ventas del álbum, que se convirtió en un éxito más.
Posteriormente consiguieron varios shows y se fueron de gira que comenzaba desde Toronto en Canadá hasta la ciudad de México, atravesando los Estados unidos.
::¿Cúal es la canción que más te gusta de The Soft Parade?::
Ficha Técnica:
Album: The Soft Parade
Año: 1969
Disquera: Electra Records
Duración: 00:33:59
http://rockandrollcircusmorrison.blogspot.com/2006/12/historia-de-los-albumn-es-soft-parade.html
Historia de los Albumnes
Morrison Hotel
Morrison Hotel fue el penúltimo disco grabado el mes de noviembre de 1969 por la disquera Elektra Sound Recorders y lanzado oficialmente en los Estados Unidos el 1 de febrero de 1970.Fué producido por Paul A. Rothchild.
Sucesor del extraño albúm anterior "The Soft Parade" donde se aleja definitivamente de la etapa psicodélica y pop,vuelve a sus raíces,este viene a ser uno de los trabajos más básicos de la banda, utilizando elementos del hard rock y del blues sin adornos orquestales o electrónicos. El resultado fue excelente, tildado por la crítica como un retorno a sus raíces. Muchos fueron más allá, alegando que la presencia del single Waiting for the the Sun (homónimo del tercer disco) sugería que el grupo quería olvidar el supuesto fracaso artístico del álbum anterior, haciendo una conexión directa entre Waiting for the Sun y Morrison Hotel. A pesar de no haber tenido ningún single destacado en las radios, en las próximas tres semanas de salir a la venta alcanzó la categoría de disco de oro. El título de ese álbum aún no había sido definido, aún con las canciones ya grabadas. Fue cuando se acordaron de un pequeño hotel de carretera cerca de ahí, llamado Morrison Hotel. Aún sin tener el permiso otorgado para fotografiar en el local, el grupo aprovechó el descuido del recepcionista y posó para la foto, que se convirtió en la antológica tapa del disco. Una curiosidad es cada lado del disco fue bautizado de forma diferente:el lado A se llamó Hard Rock Cafe y el lado B Morrison Hotel.
Morrison Hotel sinembargo éra uno de los más sorprendentes discos de que hizo notícia. Para quienes conoce el lado más famoso de la banda. Nada de poesías nocturnas explicando el sentido de la vida y timbres sombríos,pero sí el rock and roll apasionado,rock de verdad,de pura intensidad y agitación,puro blues del bueno. La canción que da inicio al álbum "Roadhouse Blues", fué el mejor tema con toques de guitarras eléctricas alucinantes así como también una de las canciones más legendarias y versionadas por otros artistas. Con "Waiting for the Sun" aún se recuerda el comienzo de la banda, por ser una obra de estudio, y también es aceptable en gusto. Pero en "You Make Me Real" el rock vuelve a sonar más fuerte."Peace Frog" tiene un lindo riff de guitarra eléctrica, una marcha bien agradable y un suelo arrasador enmedio. "Blue Sunday" es una balada muy bella, dedicada por Jim para su amada Pamela. "Ship Of Fools" es más bien cruda, con aquel toque original característico de la banda bien presente. "Land Ho!" es más parecida con la anterior, sin mucha diferencia, pero manteniendo el buen nível. "The Spy", una de las mejores del disco, según una revista de blues considerado el más liviano en piano, guitarra eléctrica . "Queen Of The Highway" parece más bien una declaración de amor, con Morrison elogiando a su "reina de la autopista". "Indian Summer" detona con todo y confunde al oyente. El ritmo es similar a "The End", pero la letra es romántica para tener una idea, comienza con un "I love you" frase muy difícil de escuchar de la boca de Morrison. Pero es super linda,en lo personal me encanta tiene un toque mágico a pesar de la simplicidad de la letra. "Maggie M'gill" también es buena canción.En general, Morrison Hotel puede ser considerado uno de los mejores álbumnes. Es lo más exquisito del rock clásico.
Ficha Técnica:
Album: Morrison Hotel
Año:1970
Disquera:Electra Records
Duración: 00:37:05
http://rockandrollcircusmorrison.blogspot.com/2006/12/historia-de-los-albumnes-morrison-hotel.html
martes, 8 de junio de 2010
Ray Manzarek
Ray Manzarek
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Saltar a navegación, búsqueda
Ray Manzarek
Ray Manzarek
Información personal
Nombre real Raymond Daniel Manzarek
Nacimiento 12 de febrero de 1939 (71 años) Chicago, Illinois, EE. UU.
Ocupación(es)
Músico, Director, Productor
Información artística
Alias Ray Manzarek
Ray "Screaming" Manzarek
Género(s)
Rock, Jazz, Blues
Instrumento(s)
Teclados electrónicos
Voz
Período de actividad 1965 hasta la actualidad
Discográfica(s)
Elektra Records
Artistas relacionados The Doors
Miembros
Jim Morrison †
Robby Krieger
John Densmore
Ray Manzarek nació el 12 de febrero de 1939 en Chicago, Illinois y su nombre original es Raymond Daniel Manzarek, fue el teclista del grupo The Doors.
Sus primeras notas en el piano fueron a los nueve años.
Fue teclista de The Doors entre 1965 y 1973, período en el que la banda actuó con su formación original compuesta también por Jim Morrison (voz), Robby Krieger (guitarrista) y John Densmore (baterista).
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Saltar a navegación, búsqueda
Ray Manzarek
Ray Manzarek
Información personal
Nombre real Raymond Daniel Manzarek
Nacimiento 12 de febrero de 1939 (71 años) Chicago, Illinois, EE. UU.
Ocupación(es)
Músico, Director, Productor
Información artística
Alias Ray Manzarek
Ray "Screaming" Manzarek
Género(s)
Rock, Jazz, Blues
Instrumento(s)
Teclados electrónicos
Voz
Período de actividad 1965 hasta la actualidad
Discográfica(s)
Elektra Records
Artistas relacionados The Doors
Miembros
Jim Morrison †
Robby Krieger
John Densmore
Ray Manzarek nació el 12 de febrero de 1939 en Chicago, Illinois y su nombre original es Raymond Daniel Manzarek, fue el teclista del grupo The Doors.
Sus primeras notas en el piano fueron a los nueve años.
Fue teclista de The Doors entre 1965 y 1973, período en el que la banda actuó con su formación original compuesta también por Jim Morrison (voz), Robby Krieger (guitarrista) y John Densmore (baterista).
Conoció a Jim Morrison mientras estudiaba cinematografía en la UCLA. Tras finalizar el curso, en un encuentro casual de ambos en las playas de Venice, California, Morrison leyó y cantó una canción que acababa de escribir, Moonlight Drive, y Manzarek quedó facinado con la crudeza y composición de la misma, Ray invitó a Jim a la banda de él y sus hermanos, llamada Rick & The Ravens, pero al resto de la banda no le parecían las ideas de Jim Morrison, así que Manzarek llamó a unos compañeros de meditación, Robby Krieger y John Densmore, ambos provenientes de una llamada The Psicodelic Rangers; se puede decir que Manzarek junto a Morrison son los elementos fundadores del que posteriormente sería famoso cuarteto.
Los teclados de Manzarek son básicamente el sonido característico de The Doors, gracias a su estilo psicodélico. Como The Doors no contaban con bajista, ese sonido lo realizaba Manzarek con un "Fender Rhodes Piano Bass" (un teclado que suena como un bajo) en las actuaciones en vivo. En las grabaciones de estudio la banda contó con distintos bajistas contratados para tocar, ya que según Paul A. Rothchild, el ingeniero de sonido de la banda, el bajo ejecutado por los "Fender", no tenía un sonido nítido.
En los conciertos en vivo también se contó con su participación vocal, en temas como Close To You, y una versión de Hello, I Love You en vivo desde Europa, también grabó sesiónes en estudio, tales como Tightrope Ride y You Need Meat, incluido en el álbum L.A. Woman (Deluxe Edition).
Después de la muerte de Jim Morrison en 1971, Ray Manzarek junto con el resto de la banda, lanzaron un par de discos con mediano éxito, donde él y Robby Krieger hacían de vocales. Manzarek decide disolver la banda en 1973. Ray lanzó algunos discos al mercardo, con muy poco éxito.
Para finales de los 70's y principios de los 80's, Ray Manzarek fue productor de la banda de punk californiana The X.
Para el año 2000, Ray Manzarek junto a Robby Krieger y Ian Astbury (ex miembro sucesivamente de Southern Death Cult, Death Cult, The Cult y Holy Barbarians), tocan los temas clásicos de la legendaria banda con el nombre de Riders on the Storm, realizando giras internacionales. John Densmore no forma parte del proyecto ya que sufre de acúfenos (tinnitus), enfermedad que le limita para tocar la batería.
Aunque Jhon Densmore habría manifestado su descontento al no ser invitado, en una entrevista, Ray Manzarek dijo que nunca lo habían excluido, que él siempre será parte de la banda.
En febrero de 2007, Ian Astbury decide volver a su legado con The Cult, dejándole el puesto de vocal a Brett Scallions.
Obtenido de http://es.wikipedia.org/wiki/Ray_Manzarek
BIOGRAFÍA
Raymond Daniel Manzarek o simplemente conocido por todos como Ray Manzarek nació un 12 de febrero de 1939 en la ciudad de Chicago,hijo de padres de clase humilde,se podría decir es el más veterano de la banda. Desde muy joven ya se destacaría por su enorme potencial en los teclados, tenía influencias en el jazz, blues, y el folk lo cual lo hacía un ser superdotado, aunque el manifiesta que al principio no le gustaba pero luego se le hizo divertido, un tipo organizado, inteligente, maduro, cuerdo,sensible y responsable. Después de haber estudiado música clásica para piano en el conservatorio local y haber adquirido un grado de bachiller en economía en la Universidad de Paul Quinn en Dallas, Ray se inscribió en la facultad de derecho de la UCLA. Dos semanas más tarde desistió para tomar un puesto como alumno en prácticas en administración en una filial del Wesrwood Bank of América,empleo que mantuvo durante tres meses antes de regresar a la UCLA, esta vez como estudiante graduado en el área cinematográfica al mismo tiempo que Jim llegó.
Estando en Los Angeles, forma su banda llamada Rick and the Ravens en la que ya manifestaba su interés por la música electrónica ya por 1965, un día Ray decidió hacer meditación en la playa y porsupuesto tomar algo de sol, en ese entonces aparece Jim Morrison ya para entonces ya no estudiaba en la UCLA.Luego de comentarios Jim le menciona que tenía escrito varias poesías y se imaginaba un mundo de conciertos póstumos, por lo que Ray le pide que recite algo de su poesía, al principio Jim esta intimidado pero sucumbió a la insistencia y pronunció un extracto de Moonlight Drive:"Let's swim to the moon oh oh let's climb trough the tide, penetrate the evenin' that the city sleeps to hide", Ray quedo perplejo y descubrió el potencial de Morrison, en ese instante surge la idea de crear una banda,todo fue rápido como que si en esos momentos vieran el futuro,Ray le propuso a Jim realizar ese sueño,empezaron a alucinar con lo que se avecinaba hasta que Jim se le ocurrió The Doors como nombre de banda, se basó en el extracto de uno de los poemas de William Blake:"Si las puertas de la percepción estuvieran abiertas,todo se le presentaría al hombre tal como es:Infinito".El resto ya es historia conocida.
En fin Ray destacó en los teclados con un estilo agresivo y a la vez sensual.Debido a que no contaban con un bajista el tomó esa tarea haciendo un dobla función, intros como "Light my Fire", "Soul Kitchen", "Love me two Times","When the music's Over", o "Celebratión of the LizardKing" hacen gala de su talento e inconfundible estilo.Aunque tenía sus momentos de locura era el encargado también de apaciguar las peleas que
surgían dentro de la banda.Pero no solo Ray era un excelente tecladista sino que también era director,empezando a producir películas de excepcional calidad, todos ellos autobiográficos, todos en loa de su novia japonesa-americana Dorothy Fuji Kawa.Uno de sus trabajos titulado
Evergreen("Que por cierto la pueden ver en The Doors-Colecction en los extras"), había una escena en la que parecía inspirada por las repetidas tomas en corte de un muchacho y de una mujer corriendo en cámara lenta en dirección uno del otro, de la película Hiroshina Mon Amour de Alain Resnais, y también había el encuentro final de Ray y Dorothy,desnudos en la ducha. La escuela quiso que Ray montara esa escena y él aceptó, pero muchos estudiantes lo acusaron de simplicidad, por lo que desistió el acuerdo y distribuyó un panfleto en la proyección de los estudiantes en Diciembre, explicando las causas por la que película no iba a ser proyectada. Tiempo después sería reconocido y otras películas más serían después exhibidos y aplaudidos...
En junio cuando recibió su diploma de licenciatura, Colin Young, el jefe de la división, dijo que Ray era uno de los pocos estudiantes de ese año que estaban preparados para continuar con películas de largometraje.Hasta la Newsweek Magazine reconoció los proyectos iniciales de Ray.Ray Manzarek, fundador de los The Doors, es tal vez el genio musical que juntó y aportó los ingenios de la banda,fue el pilar. Una de las marcas registradas de la banda era el toque único de Manzarek en el teclado. Grace Slick cantautor del grupo Jefferson Airplane sostuvo una vez en el show de The Doors en Amsterdam acerca de Ray: "Manzarek tocaba su teclado y cantaba sin perder siquiera un latido". Hasta entonces, Ray era considerado como el que le deba mayor aporte en cuanto a ingenio de la banda, ya que Jim comenzaría a apuntar como ídolo en aquel show.
Después de la muerte de Jim y la desintegración de The Doors, Ray continuó su carrera artística con material solista como "The Golden Scarab" (1973), "The Whole Thing Started With Rock and Roll & Now It's Out Of Control" (1974), tiempo después, Manzarek produciría dos discos con un grupo que Ray crea llamado Nite City; el primero titulado de forma homónima Nite City(1976) y posteriormente otros dos años "Golden Days And Diamond Nights" (1978). Para 1983 produce otro disco más comosolista Carmina Burana.Así como también haciendo colaboraciones con músicos de la talla de Scott Richardson, Darryl Read, Michael C Ford, Michael McClure,entre otros.Ya varios años después se comenta el hecho de regresar a los Doors al escenario, RobbyKrieger y Ray se entusiasman con el proyecto, sin embargo John en ese entonces aqueja de Tinnitus y no puede participar, por lo cual John, enojado por haberse continuado el proyecto sin él, entabla una demanda a los integrantes y managers del nuevo grupo.
Nace The Doors of the 21st Century, banda integrada por Ray Manzarek en los teclados, Robby Krieger en la guitarra e Ian Astbury ex-integrante de The Cult en la voz quien antes habia colaborado con "Stoned Immaculated" (2000),causando sensación de nuevo en los viejosfans y en los nuevos.A la fecha Ray Manzarek sigue trabajando arduamente en giras, producciones, y demás proyectos relacionados con los Doors, también ha dirigido películas como "Love her Madly", entre otras.Ahora bajo el nombre de "Riders on the Storm" debido a la demanda de John por usar el nombre The Doors decidieron con el fin de que no hayga problemas simplemente cambiarse y rebautizar la banda con dicho nombre.
En conclusión Ray es una vieja leyenda que nos sigue transmitiendo a viejas y nuevas generaciones toda la música de The Doors, a travéz de él resucitamos a Morrison,el siempre estará vivo a travéz de sus canciones,a pesar de que algunos sostienen que se lucra con la memoria de Morrison sinembargo construyó para todas las generaciones un legado, una herencia preciada,un hombre que estuvo con él en sus mejores y en sus peores momentos,en otras palabras un hermano. Un gran músico, un gran artista, un gran hombre.
http://rockandrollcircusmorrison.blogspot.com/2007/01/biografas-ray-manzarek-raymond-daniel.html
Biografía de Ray Manzarek
Raymond Daniel Manzarek nació el 12 de febrero de 1939 en Chicago, Illinois, y luego de estudiar en la U.C.L.A., se convirtió en tecladista de The Doors.
"Crecí en Chicago y me fui a Los Angeles cuando tenía 21 años. Mis padres me dieron lecciones de piano cuando tenía nueve o diez años. Los primeros cuatro años odié aquello -hasta que aprendí a hacerlo bien-, pero luego se volvió divertido, más o menos por la misma época por la que comencé a escuchar música Negra. Tenía 12 o 13 años y jugaba béisbol en un campo; alguien tenía prendida una radio sintonizando una estación Negra. Desde allí no pude despegarme de ello. Solía escuchar a Al Benson y a Big Bill Hill, los cuales eran disc jockeys en Chicago. Desde ese momento toda la música que escuchaba era en la radio. Mi manera de tocar el piano cambió; fui influenciado por el jazz. Aprendí a tocar ese largo piano con mi mano izquierda, y supe qué era aquello: algo con ritmo, jazz, blues, rock…"
"En la escuela, estaba especialmente interesado en la filmación. Parecía que ello combinaba mis intereses en el drama, el arte visual, la música. Luego de dejar Chicago hice teatro."
"Creo que The Doors es una banda que representa a los Estados Unidos. Nuestras influencias vienen de miles de fuentes diversas, las cuales hemos amalgamado, combinando estilos diferentes para crear el nuestro propio. Somos como el país mismo. Los Estados Unidos deben parecer una ridícula mescolanza para cualquier extranjero. Es como The Doors. Venimos de diferentes áreas musicales. Estamos aglomerados con mucho sudor, mucha pelea. Todo lo que la gente pudiera decir sobre nuestro país, puede decirlo sobre The Doors."
"Cada uno de nosotros tiene la libertad de explorar y de improvisar dentro de un marco de trabajo. Jim improvisaba con las palabras."
http://www.audiokat.com/biografia.asp?cid=00000483
Robbie Krieger y John Densmore
Robby Krieger
Información personal
Nombre real Robert Alan Krieger
Nacimiento 8 de enero de 1946, 64 años
Origen Plantilla:Los Angeles, California
Ocupación(es)
Guitarrista
Compositor
Información artística
Alias Robby Krieger
Género(s)
Rock
Blues
Flamenco
Jazz
Instrumento(s)
Guitarra (Gibson SG)
Período de actividad 1965 - activo
Discográfica(s)
Elektra Records
Artistas relacionados The Doors
Robert Alan Krieger nació el 8 de enero de 1946, en Los Ángeles, California. Guitarrista de Rock and roll y compositor.
En la banda The Doors actuó como guitarrista y escribió algunas de las canciones más famosas, como "Light my fire", "Love Me Two Times", "Touch Me" y "Love Her Madly"
Además el 2003 la revista Rolling Stone lo puso en el número 91 en su lista de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos.
Biografía
Robby Krieger aprendió a tocar guitarra cuando iba a la Menlo School, un internado en San Francisco. Empezó afinando un ukelele como las cuatro últimas cuerdas de una guitarra e imitaba algunas grabaciones de flamenco. Luego compró una guitarra de flamenco en unas vacaciones de navidad en Puerto Vallarta, en 1963, y se perfeccionó sin necesidad de lecciones. Gradualmente se fue aburriendo de la guitarra flamenca y terminó ayudando a una "jug band" llamada "the Back Bay Chamberpot Terriers with Bill Wolff" (más recientemente "the Peanut Butter Conspiracy").
Formó la banda The Doors con el teclista Ray Manzarek, el baterista John Densmore y el vocalista Jim Morrison. El estilo único de Krieger en la guitarra eléctrica, sus eclécticos gustos musicales, y su ocasional pero fuerte composición ayudaron a hacer de The Doors un gran fenómeno del rock de los años 60.
Luego de la muerte de Morrison en 1971, the Doors continuó como un trío y sacó dos nuevos álbumes Other Voices y Full Circle. Krieger compartió el puesto de vocalista con Ray Manzarek. Después de la separación de The Doors en 1973, Krieger formó "The Butts Band" con el baterista John Densmore. Su talento era tal que disfrutó de cierto éxito como guitarrista de jazz después de su inicial separación con the Doors, grabando un puñado de álbumes en su "The Robby Krieger Band" en los 70s y los 80s, incluyendo Versions (1983) y No Habla (1986).
Tocó la guitarra en Blue Öyster Cult y luego reformó The Doors en 2002 con Manzarek y el vocalista Ian Astbury de The Cult. La nueva banda también incluyó al ex baterista de The Police, Stewart Copeland.
En una grabación de la televisión donde los The Doors interpretaron "Touch Me", se puede apreciar como Robby Kriegger tiene un ojo completamente morado, según la biografía de Jim Morrison "Vida y Muerte" todo es debido a una pelea que tuvo Jim en un bar con unos tipos por haberlos insultado ( lógicamente bajo efectos de la bebida) los tipos a los que insultó se pensaron que había sido Robby el que había propinado los insultos y estos le dieron una brutal paliza, ante esto Jim Morrison desapareció al instante de la escena de la pelea.
• Es solo una version más, por ejemplo, una muy parecida es que Jim Morrison era un buscapleitos y lo golpearon entre muchos hombres y Robby Krieger que lo acompañaba al intentar sacarlo de la gresca también le propinaron una buena paliza.
• Y la creíble es que en esa presentación Robby Krieger se pintó el ojo morado ya que "touch me" en realidad se iba a nombrar "hit me" (pégame).
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Robby_Krieger"
BIOGRAFÍA:
Robby Alan Krieger andaba en la clase de meditación de John y Ray y entró en The Doors para sustituir uno de los dos hermanos de Ray que desistían de la banda. Con diecinueve años,Robby era el más joven de la banda. Era también el menos imponente. Tenía cabellos castaños-oscuros y ojos verdes desmayados, y un aire desorientado, que algunos pensaban ser debido a las drogas o los lentes de contacto apenas ajustados. La excéntrica imagen era protegida por la manera como se expresaba, hesitante, como si estuviera adormecido,sus frases finales redundaban en una interrogación o desaparecían en un murmullo,pero sienmbargo las apariencias pueden ser engañosas.
Por detrás de aquella mirada desorientada e infantil existía una vivacidad de espíritu y un sutil sentido de humor heredados de su padre, hombre razonablemente abastado que aconsejaba agencias gubernamentales y empresas sobre planificación y finanzas. Como John, Robby era nativo de California nacido la 8 de Enero de 1946 en Los Angeles...
Robby solía frecuentar lugares como Pacific Palisades, un rico subúrbio de Los Angeles, y en Menlo Park, también elegante subúrbio de San Francisco. Había pasado un año en la Universidad de California, Santa Bárbara, y después un periodo en la UCLA, donde había cambiado de especialización por tercera vez. Estaba a punto de estudiar física cuando John le dijo que tenía que conocer algunos amigos,ellos eran pues The Doors. Robby y John ya habían tocado juntos en un grupo llamado "Psychedelic Rangers". Robby comenzó a tocar guitarra eléctrica a los quince años y a los dieciocho ambicionaba ser un Montoya o un Segovia.
Pero cambió tantas veces de estilos musicales como de colegios, pasando rápidamente del flamengo,al folk, a los blues, al rock..Krieger tuvo también algún éxito como guitarrista de jazz, grabando algunos álbumes en las décadas de 1970 y 80, incluyendo Versions (1983) y En el Habla (1986).Después del final de The Doors en 1973, formó su propia banda, “The Robby Krieger Band”, pero que se diluyó hace poco tiempo.
Robby Krieger estudió con Sitarist Ravi Shankar. Esta influencia puede ser oída en instrumentos hindúes en canciones como "The End", "Spanish Caravan" y otras. Robby fue un compositor esencial para la banda. Son de su autoría las canciones "Light My Fire" y "Touch Me". Krieger entró en la banda después que el hermano de Ray salió. Uno de los solos favoritos de Robby se expresa en "When the Music's Over", de acuerdo con una entrevista concedida por él para la revista Guitar.
http://rockandrollcircusmorrison.blogspot.com/2007/02/biografasrobby-krieger-robby-alan.html
John Densmore
Información personal
Nombre real John Paul Desnmore
Nacimiento 1 de diciembre de 1944 (65 años)
Ocupación(es)
Baterista
Información artística
Alias John Densmore
Género(s)
Jazz, Rock
Instrumento(s)
Batería, Percusiones
Período de actividad 1965 -
Discográfica(s)
Elektra Records
Artistas relacionados The Doors
Miembros
Jim Morrison †
Ray Manzarek
Robby Krieger
John Densmore nació el 1 de diciembre de 1944 en Santa Monica, California fue el baterista de el grupo musical The Doors
Estudió en el Santa Monica College y en el Cal State Northridge.
Fue baterista del grupo de Rock "The Doors" de 1965 a 1973. John Densmore dejó el rock en los años '80. Se dedicó al dance, integró la Bess Snyder and Co., la cual realizó giras por los Estados Unidos durante dos años. En 1984 debutó como actor en Skins en el Teatro La Mama de Nueva York. Desnmore dominó varios ritmos lo que le hizo destacar dentro del mundo de la batería. Este dominio de estilos se puede notar en caciones como:Strange Days", "People Are Strange", "Love Me Two Times","The End", "Riders On The Storm", etc.
Co-produjo la pieza Rounds, que ganó el premio de teatro de la NAACP en 1987.
En 1988 actuó en Band Dreams y en Bebop. Escribió y realizó una pieza unipersonal para una historia corta, The King of Jazz, en el teatro Wallenboyd en 1989.
Con Adam Ant, co-produjo Be Bop A Lula, en 1992.
Entró al Salón de la Fama del Rock & Roll en 1998.
En el 2007 lanzó su debut como solista, llamado Tribaljazz.
http://es.wikipedia.org/wiki/John_Densmore
BIOGRAFIA DE DENSMORE:
John Paul Densmore nace el 1 de Diciembre de 1944 en Santa Mónica.Tenía mucho en común con Jim,ambos tenían sólidos antecedentes de clasemedia, su padre era arquitecto. Ambos tenían un hermano y una hermana. Durante su niñez ambos habían mostrado aptitud para el deporte John para el tenis y Jim para destacaba en la natación. John compartía con Ray el entusiasmo por el Jazz, juntamente con la avidez y la dedicación de nuevas conversaciones a las disciplinas yogi del Maharishi. John una vez mencionó a Ray y a Jim que tenía un temperamento ardiente y que esperaba que la meditación lo ayudase
a aprender a controlarse.
Teniendo 20 años aún vivía en casa de sus padres esto era motivo de burla de Jim hacia John, esperando ansiosamente separarse de sus padres cuando se consolidase en un grupo de rock.Los siguientes años Jim Morrison y John trabajaron juntos conThe Doors, pero nunca se hicieron amigos íntimos,siempre había pleitos entre ellos,John no estaba de acuerdo con sus actitudes.
John tocaba batería desde los doce años. Había tocado percusión en la University High School en West Los Angeles, después optó por el jazz,estudió también en Santa Mónica College y Cal State Northbrig.John Densmore aparece en la película de Oliver Stone como ingeniero de sonido grabando con Jim "An American Prayer". Densmore es considerado el miembro de la banda que más se quedó perturbado con el comportamiento excesivo de Jim Morrison.
Utilizaba el ingenio para acentuar con la batería cada toque de guitarra eléctrica, teclado o voz de Jim .Curiosamente, Robby y John mantenían una conversación entre
sus instrumentos durante los solos que ejecutaban.Al concluir su etapa con The Doors en los 80's se dedicó al dance integrándose en Bess Snyder and Co. para después debutar como actor en Skins en el teatro la Mama de Nueva York.
Ganó el premio de teatro de NAACP en 1987,un año después protagonizó Band Dreams y en Bebop, entre otros proyectos como su libro Riders on the Storm que causa polémica al confesar algunas cosas. .Actualmente esta divorciado y en litigio con los miembros restantes de The Doors.
Odiados por muchos y comprendido por otros,este personaje vive de la fama de Jim Morrison y recibe un porcentaje de las ganancias de Riders on the Storm.Ustedes, ¿que opinan de John Densmore?
http://rockandrollcircusmorrison.blogspot.com/2007/03/biografasjohn-densmore-john-paul_09.html
Información personal
Nombre real Robert Alan Krieger
Nacimiento 8 de enero de 1946, 64 años
Origen Plantilla:Los Angeles, California
Ocupación(es)
Guitarrista
Compositor
Información artística
Alias Robby Krieger
Género(s)
Rock
Blues
Flamenco
Jazz
Instrumento(s)
Guitarra (Gibson SG)
Período de actividad 1965 - activo
Discográfica(s)
Elektra Records
Artistas relacionados The Doors
Robert Alan Krieger nació el 8 de enero de 1946, en Los Ángeles, California. Guitarrista de Rock and roll y compositor.
En la banda The Doors actuó como guitarrista y escribió algunas de las canciones más famosas, como "Light my fire", "Love Me Two Times", "Touch Me" y "Love Her Madly"
Además el 2003 la revista Rolling Stone lo puso en el número 91 en su lista de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos.
Biografía
Robby Krieger aprendió a tocar guitarra cuando iba a la Menlo School, un internado en San Francisco. Empezó afinando un ukelele como las cuatro últimas cuerdas de una guitarra e imitaba algunas grabaciones de flamenco. Luego compró una guitarra de flamenco en unas vacaciones de navidad en Puerto Vallarta, en 1963, y se perfeccionó sin necesidad de lecciones. Gradualmente se fue aburriendo de la guitarra flamenca y terminó ayudando a una "jug band" llamada "the Back Bay Chamberpot Terriers with Bill Wolff" (más recientemente "the Peanut Butter Conspiracy").
Formó la banda The Doors con el teclista Ray Manzarek, el baterista John Densmore y el vocalista Jim Morrison. El estilo único de Krieger en la guitarra eléctrica, sus eclécticos gustos musicales, y su ocasional pero fuerte composición ayudaron a hacer de The Doors un gran fenómeno del rock de los años 60.
Luego de la muerte de Morrison en 1971, the Doors continuó como un trío y sacó dos nuevos álbumes Other Voices y Full Circle. Krieger compartió el puesto de vocalista con Ray Manzarek. Después de la separación de The Doors en 1973, Krieger formó "The Butts Band" con el baterista John Densmore. Su talento era tal que disfrutó de cierto éxito como guitarrista de jazz después de su inicial separación con the Doors, grabando un puñado de álbumes en su "The Robby Krieger Band" en los 70s y los 80s, incluyendo Versions (1983) y No Habla (1986).
Tocó la guitarra en Blue Öyster Cult y luego reformó The Doors en 2002 con Manzarek y el vocalista Ian Astbury de The Cult. La nueva banda también incluyó al ex baterista de The Police, Stewart Copeland.
En una grabación de la televisión donde los The Doors interpretaron "Touch Me", se puede apreciar como Robby Kriegger tiene un ojo completamente morado, según la biografía de Jim Morrison "Vida y Muerte" todo es debido a una pelea que tuvo Jim en un bar con unos tipos por haberlos insultado ( lógicamente bajo efectos de la bebida) los tipos a los que insultó se pensaron que había sido Robby el que había propinado los insultos y estos le dieron una brutal paliza, ante esto Jim Morrison desapareció al instante de la escena de la pelea.
• Es solo una version más, por ejemplo, una muy parecida es que Jim Morrison era un buscapleitos y lo golpearon entre muchos hombres y Robby Krieger que lo acompañaba al intentar sacarlo de la gresca también le propinaron una buena paliza.
• Y la creíble es que en esa presentación Robby Krieger se pintó el ojo morado ya que "touch me" en realidad se iba a nombrar "hit me" (pégame).
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Robby_Krieger"
BIOGRAFÍA:
Robby Alan Krieger andaba en la clase de meditación de John y Ray y entró en The Doors para sustituir uno de los dos hermanos de Ray que desistían de la banda. Con diecinueve años,Robby era el más joven de la banda. Era también el menos imponente. Tenía cabellos castaños-oscuros y ojos verdes desmayados, y un aire desorientado, que algunos pensaban ser debido a las drogas o los lentes de contacto apenas ajustados. La excéntrica imagen era protegida por la manera como se expresaba, hesitante, como si estuviera adormecido,sus frases finales redundaban en una interrogación o desaparecían en un murmullo,pero sienmbargo las apariencias pueden ser engañosas.
Por detrás de aquella mirada desorientada e infantil existía una vivacidad de espíritu y un sutil sentido de humor heredados de su padre, hombre razonablemente abastado que aconsejaba agencias gubernamentales y empresas sobre planificación y finanzas. Como John, Robby era nativo de California nacido la 8 de Enero de 1946 en Los Angeles...
Robby solía frecuentar lugares como Pacific Palisades, un rico subúrbio de Los Angeles, y en Menlo Park, también elegante subúrbio de San Francisco. Había pasado un año en la Universidad de California, Santa Bárbara, y después un periodo en la UCLA, donde había cambiado de especialización por tercera vez. Estaba a punto de estudiar física cuando John le dijo que tenía que conocer algunos amigos,ellos eran pues The Doors. Robby y John ya habían tocado juntos en un grupo llamado "Psychedelic Rangers". Robby comenzó a tocar guitarra eléctrica a los quince años y a los dieciocho ambicionaba ser un Montoya o un Segovia.
Pero cambió tantas veces de estilos musicales como de colegios, pasando rápidamente del flamengo,al folk, a los blues, al rock..Krieger tuvo también algún éxito como guitarrista de jazz, grabando algunos álbumes en las décadas de 1970 y 80, incluyendo Versions (1983) y En el Habla (1986).Después del final de The Doors en 1973, formó su propia banda, “The Robby Krieger Band”, pero que se diluyó hace poco tiempo.
Robby Krieger estudió con Sitarist Ravi Shankar. Esta influencia puede ser oída en instrumentos hindúes en canciones como "The End", "Spanish Caravan" y otras. Robby fue un compositor esencial para la banda. Son de su autoría las canciones "Light My Fire" y "Touch Me". Krieger entró en la banda después que el hermano de Ray salió. Uno de los solos favoritos de Robby se expresa en "When the Music's Over", de acuerdo con una entrevista concedida por él para la revista Guitar.
http://rockandrollcircusmorrison.blogspot.com/2007/02/biografasrobby-krieger-robby-alan.html
John Densmore
Información personal
Nombre real John Paul Desnmore
Nacimiento 1 de diciembre de 1944 (65 años)
Ocupación(es)
Baterista
Información artística
Alias John Densmore
Género(s)
Jazz, Rock
Instrumento(s)
Batería, Percusiones
Período de actividad 1965 -
Discográfica(s)
Elektra Records
Artistas relacionados The Doors
Miembros
Jim Morrison †
Ray Manzarek
Robby Krieger
John Densmore nació el 1 de diciembre de 1944 en Santa Monica, California fue el baterista de el grupo musical The Doors
Estudió en el Santa Monica College y en el Cal State Northridge.
Fue baterista del grupo de Rock "The Doors" de 1965 a 1973. John Densmore dejó el rock en los años '80. Se dedicó al dance, integró la Bess Snyder and Co., la cual realizó giras por los Estados Unidos durante dos años. En 1984 debutó como actor en Skins en el Teatro La Mama de Nueva York. Desnmore dominó varios ritmos lo que le hizo destacar dentro del mundo de la batería. Este dominio de estilos se puede notar en caciones como:Strange Days", "People Are Strange", "Love Me Two Times","The End", "Riders On The Storm", etc.
Co-produjo la pieza Rounds, que ganó el premio de teatro de la NAACP en 1987.
En 1988 actuó en Band Dreams y en Bebop. Escribió y realizó una pieza unipersonal para una historia corta, The King of Jazz, en el teatro Wallenboyd en 1989.
Con Adam Ant, co-produjo Be Bop A Lula, en 1992.
Entró al Salón de la Fama del Rock & Roll en 1998.
En el 2007 lanzó su debut como solista, llamado Tribaljazz.
http://es.wikipedia.org/wiki/John_Densmore
BIOGRAFIA DE DENSMORE:
John Paul Densmore nace el 1 de Diciembre de 1944 en Santa Mónica.Tenía mucho en común con Jim,ambos tenían sólidos antecedentes de clasemedia, su padre era arquitecto. Ambos tenían un hermano y una hermana. Durante su niñez ambos habían mostrado aptitud para el deporte John para el tenis y Jim para destacaba en la natación. John compartía con Ray el entusiasmo por el Jazz, juntamente con la avidez y la dedicación de nuevas conversaciones a las disciplinas yogi del Maharishi. John una vez mencionó a Ray y a Jim que tenía un temperamento ardiente y que esperaba que la meditación lo ayudase
a aprender a controlarse.
Teniendo 20 años aún vivía en casa de sus padres esto era motivo de burla de Jim hacia John, esperando ansiosamente separarse de sus padres cuando se consolidase en un grupo de rock.Los siguientes años Jim Morrison y John trabajaron juntos conThe Doors, pero nunca se hicieron amigos íntimos,siempre había pleitos entre ellos,John no estaba de acuerdo con sus actitudes.
John tocaba batería desde los doce años. Había tocado percusión en la University High School en West Los Angeles, después optó por el jazz,estudió también en Santa Mónica College y Cal State Northbrig.John Densmore aparece en la película de Oliver Stone como ingeniero de sonido grabando con Jim "An American Prayer". Densmore es considerado el miembro de la banda que más se quedó perturbado con el comportamiento excesivo de Jim Morrison.
Utilizaba el ingenio para acentuar con la batería cada toque de guitarra eléctrica, teclado o voz de Jim .Curiosamente, Robby y John mantenían una conversación entre
sus instrumentos durante los solos que ejecutaban.Al concluir su etapa con The Doors en los 80's se dedicó al dance integrándose en Bess Snyder and Co. para después debutar como actor en Skins en el teatro la Mama de Nueva York.
Ganó el premio de teatro de NAACP en 1987,un año después protagonizó Band Dreams y en Bebop, entre otros proyectos como su libro Riders on the Storm que causa polémica al confesar algunas cosas. .Actualmente esta divorciado y en litigio con los miembros restantes de The Doors.
Odiados por muchos y comprendido por otros,este personaje vive de la fama de Jim Morrison y recibe un porcentaje de las ganancias de Riders on the Storm.Ustedes, ¿que opinan de John Densmore?
http://rockandrollcircusmorrison.blogspot.com/2007/03/biografasjohn-densmore-john-paul_09.html
Técnica del boogie-woogie
El grupo The Doors no tuvo bajista lo cual era un problema así que hicieron pruebas pero ninguno de los candidatos tenía el perfil del grupo. El problema lo solucionó Ray Manzarek con su teclado gracias a la técnica del boogie-woogie, por la cual el bajo lo llevaba en la mano izquierda.
Boogie-woogie
Orígenes musicales: Blues
Orígenes culturales: Se genera a partir de la música Blues, el objetivo principal era hacer el Blues bailable, pero sus ritmos rápidos se convirtieron en un nuevo estilo de música.
Instrumentos comunes: Piano, ocasionalmente Guitarra y Bajo
Popularidad: Fue muy popular hasta los años 50 - 60, pero siguió siendo un estilo de música bastante influyente en las siguientes décadas.
Fecha de origen: A principios del 1900, en Estados Unidos.
El boogie-woogie es un estilo de blues basado en el piano, generalmente rápido y bailable. Se caracteriza por la ejecución con la mano izquierda de determinadas figuras. Esta figuras que construye la mano izquierda están escritas en corcheas, en compases de 4/4, constituyendo así el denominado eight-to-the-bar. Usualmente se empleaban dos tipos de figuras: la denominada "octava galopante" (inspiradora de los "bajos galopantes" o walking bass que caracterizarán después el rock and roll), así como los acordes rápidos conocidos como rocks.
Los orígenes
A diferencia del ragtime, el boogie-woogie no sufrió nunca la influencia del repertorio pianístico europeo. Los músicos que comenzaron a forjarlo en el sur de Estados Unidos, hacia finales del siglo XIX y comienzos del XX, probablemente nunca habían escuchado a un pianista de formación clásica. No se conoce con precisión su origen, pero se supone que éste tuvo lugar en la zona del delta del Misisipi o en Texas, en los bares conocidos como barrelhouses (denominación con la que también se conoció el nuevo estilo), en donde los pianistas que por lo general se limitaban a acompañar a los cantantes desarrollaron una manera rápida y puramente instrumental
del blues con el objetivo de hacerlo bailable.
Las facultades percutivas del piano nunca habían sido tan aprovechadas en la música pop hasta que estos inventores anónimos del boogie-woogie lograron imponer su música en medio del bullicio de los antros y crear efectos hipnóticos a través de sus ritmos rápidos, melodías repetitivas en contrapunto con bajos también repetitivos y una armonía que nunca se separaba de la tonalidad original. La básica funcionalidad del estilo y su sencillez le provocó el desprecio de los más refinados músicos de jazz, como Jelly Roll Morton, de quien se dice que se sentía ofendido si se le solicitaba la interpretación de un boogie-woogie.
Entre los primeros que testimoniaron su nacimiento se encuentran W.C. Handy, el ya mencionado Jelly Roll Morton y Clarence Williams, quienes ya habían escuchado la ejecución al piano de este etilo en los años diez o incluso antes. Williams añade, además, el nombre de quien para él fue el primer ejecutante, George W. Thomas, a quien había escuchado tocando en Houston en 1911. En efecto, las composiciones de Thomas contienen ya elementos propios del boogie-woogie: "New Orleans Hop Scop Blues" (compuesta y publicada en 1916), "The Five's" (grabada en 1923 por la Tampa Blue Jazz Band) y "The Rocks" (grabada por el propio autor en 1923) se cuentan entre las primeras piezas que contienen octavas galopantes.
Los pianistas pioneros de Chicago
Durante los años que mediaron entre las dos guerras mundiales, con la intensificación de las migraciones de los negros del sur hacia las ciudades del norte en busca de menores prejuicios raciales y mejores trabajos, tres ciudades tuvieron el privilegio de acoger la mayor cantidad de pianistas (y de músicos en general), lo suficiente como para que se conformaran en ellas las principales escuelas del boogie-woogie. Así, Chicago, en primer lugar, y luego Kansas City y St. Louis, concentraron en sus bares y estudios de grabación buena parte de estos pianistas venidos del sur.
A Chicago llega, procedente de Texas, el ya mencionado George W. Thomas, quien con el pseudónimo de Clay Custer graba en esta ciudad, en febrero de 1923, su tema "The Rocks", híbrido de ragtime y boogie-woogie considerado como el más antiguo registro fonográfico de una octava galopante. De Alabama, por su parte, provenía Jimmy Blythe, quien en abril de 1924 graba su "Chicago Stomp", pieza ante la cual ya podemos decir que nos encontramos frente a un verdadero boogie-woogie.
Sin embargo, desde 1915, Jimmy Yancey, nativo de la ciudad pero sin la oportunidad de grabar hasta finales de la década del treinta, se había convertido en uno de los más populares animadores de las llamadas house-parties (fiestas organizadas por los negros de los ghettos en sus propias casas con la finalidad de recaudar fondos para el pago del alquiler). Una de sus más tempranas composiciones, "The Fives" (no registrada en disco hasta 1939), había ayudado a sentar los cimientos del estilo.
Por su parte, Cow Cow Davenport, natural de Alabama y quien se daba a conocer como "el hombre que introdujo en América el boogie-woogie" (según constaba en sus tarjetas de presentación), graba el 16 de julio de 1928, en Chicago, uno de los clásicos del estilo, su "Cow Cow Blues", una imitación musical del rodar de los ferrocarriles (de ahí el título de la pieza y el apodo de su autor), temática que ya desde entonces se prefiguraba entre las preferidas por los intérpretes del boogie-woogie. Con el tiempo se dirá que el sonido de los trenes en los que viajaban los músicos ambulantes o migratorios fue el inspirador del ritmo del boogie-woogie.
De toda la primera generación de pianistas que trabajaron en Chicago, el más reconocido es, sin duda, Pinetop Smith, discípulo de Yancey que había venido a la ciudad, al igual que Davenport, procedente de Alabama. Pinetop tiene el mérito de haber compuesto hacia comienzos de los años veinte, y grabado posteriormente el 29 de diciembre de 1928, el tema más versionado en la historia del boogie-woogie y el que le daría nombre al estilo, el "Pinetop's Boogie-Woogie". Acerca de la combinación de las palabras boogie y 'woogie, Smith diría que no significaba nada; sencillamente las había escuchado juntas alguna vez durante una fiesta. En la grabación, mientras toca el piano, Smith dicta las instrucciones para bailar este tipo de música (…when I say stop, don't move, and when I say get it, everybody mess around…), y emplea el término (to boogie-woogie) sin distinción entre otros tradicionalmente asociados al baile popular (to mess around, to shake). Estas frases pronunciadas sobre la música se convirtieron, entre los pianistas de boogie-woogie, en una tradición ampliamente seguida.
Chicago, Kansas City y los inicios de la segunda generación [editar]
Pinetop Smith representó en Chicago el enlace entre su generación y la siguiente. En esta ciudad, adonde llegó en 1928, se instaló junto a los jóvenes pianistas locales Meade Lux Lewis y Albert Ammons en el apartamento que este último ocupaba en el South Side. Ammons era el único que tenía un piano propio, y en su habitación los tres pianistas se reunían para tocar. Fueron meses de fructífero intercambio que quedaron interrumpidos cuando, en marzo de 1929, Smith moría asesinado por una bala perdida en un salón de fiesta de la ciudad. El acontecimiento señaló el fin de una etapa en la historia del boogie-woogie, y media década habría de transcurrir antes de que éste lograse abrirse nuevamente paso en la escena musical. Afortunadamente, poco antes de morir, Smith había enseñado a Ammons a tocar su "Pinetop's Boogie-Woogie". A la postre, los dos jóvenes discípulos de Smith se convertirían en los más grandes intérpretes de la escuela de Chicago, así como en abanderados del renacimiento que experimentó el estilo en la segunda mitad de los años treinta.
Meade Lux Lewis, en realidad, había comenzado sus andanzas un poco antes, mas la mala fortuna signaba (y continuaría haciéndolo durante un tiempo más) su carrera. En 1927 había grabado su futuro clásico "Honky Tonk Train Blues", pero el disco no pudo ser editado sino hasta dieciocho meses más tarde, en 1929, sin repercusión comercial alguna; el cierre de Paramount Records, poco después, terminó de dejar la grabación fuera del mercado. Corrían los tiempos de la Gran Depresión, que muy pocos pianistas de la primera generación lograron superar, e incluso los más jóvenes como Lewis y su compañero Albert Ammons tuvieron que dedicarse a actividades lejanas a la música, necesidad que, no obstante, no logró soterrar las naturales inclinaciones de ambos. Se cuenta que durante el tiempo que compartieron trabajando en una compañía de taxis, solían abandonar la sede de la empresa para irse a tocar el piano; cuando el dueño de la compañía descubrió el motivo de sus ausencias, adquirió un piano y lo colocó en la oficina para tener a los dos taxistas disponibles cada vez que necesitara sus servicios.
Para que la suerte comenzara a favorecerle, Meade Lux Lewis debió esperar hasta que John Hammond, visionario productor y promotor del jazz, el blues y el folk, descubriera la grabación de "Honky Tonk Train Blues" e iniciara una búsqueda de su intérprete que tardaría varios años y durante la cual también se toparía con Albert Ammons. Así narró Hammond su rastreo del pianista:
"Cuando escuché la grabación de 'Honky Tonk Train Blues' en 1931 supe que había encontrado al ejecutante definitivo [de boogie-woogie] en Meade Lux Lewis. Pero sin importar dónde buscara o a quién preguntara, no pude hallarlo. Años después, en Chicago, pregunté otra vez por él mientras comía con Albert Ammons. '¿Meade Lux?', dijo Albert, 'claro que sí, está lavando autos en la esquina'. Y efectivamente allí estaba".
Ello ocurría en noviembre de 1935, y antes de finalizar el año, ya Lewis había reiniciado su carrera discográfica con la grabación de una versión madurada de "Honky Tonk Train Blues". La pieza, el ejemplo más famoso de la temática ferroviaria y de la variedad de bajos denominada rocks en todo el repertorio del boogie-woogie, estaba inspirada en un tren que pasaba muy cerca de una de las casas en donde Lewis había vivido, en la calle South La Salle de Chicago, haciéndola estremecerse varias veces al día; su título fue idea de un invitado a una de las tantas house-parties que el pianista animó.
Por su parte, a inicios de 1936, Albert Ammons grabó acompañado por su grupo, los Rhythm Kings, una enérgica versión del tema de Pinetop Smith, a la que denominó "Boogie-Woogie Stomp". Ammons añadió al estilo mayor rapidez y aún más fortaleza rítmica al acercarlo a la pequeña formación de jazz (pocos lo habían intentado con anterioridad: Will Ezell, un pianista por entonces caído en el olvido, en los años veinte, y Cleo Brown apenas un año antes), con la particularidad en este caso de la gran preponderancia de la sección rítmica (piano, guitarra, contrabajo y batería) digna de las grandes orquestas de jazz.
Por esa misma época, John Hammond también descubría en la escena de Kansas City a un dúo conformado por el pianista Pete Johnson y el cantante Big Joe Turner, quienes desde el Sunset Cristal Palace, una de las tantas tabernas de la ciudad (conocida entonces como la "capital del pecado") que gracias a la permisividad del polémico gobierno de Tom Pendergast ofrecía facilidades para obtener bebidas alcohólicas y marihuana en la época de la prohibición, comenzaban a desarrollar un híbrido de boogie-woogie y blues vocal. Cantar un boogie-woogie no era en realidad algo nuevo (a comienzos de la década de los treinta ya lo hacían Speckled Red y Little Brother Montgomery), pero ellos fueron los primeros en basar su estilo particular en esta modalidad. Turner, que había perseguido siempre (en sus propias palabras) "el vértigo y la sensualidad de la escena en los clubes de los suburbios", desde los catorce años dibujaba bigotes en su rostro pretendiendo burlar a los vigilantes de estos lugares, y pronto logró no sólo entrar, sino desempeñarse en ellos como barman, portero o cantante. Fue trabajando en el Sunset Cristal Palace como barman que una noche en la que Johnson se presentaba allí, se unió a éste cantando desde la barra en una actuación improvisada. Su carismática figura y su poderosa voz, en la tradición de los shouters (practicantes de una técnica vocal propia del blues, previa a la invención del micrófono, que imprimía gran volumen al canto) convencieron a Johnson para que a partir de ese momento comenzaran a trabajar juntos. El impacto producido por la energía del dúo y la variedad vocal de boogie-woogie que practicaban convirtió al Sunset Cristal Palace en uno de los locales preferidos de la ciudad, incluso para los músicos de la zona, que cada noche, después de sus propias presentaciones, iban allí a escucharlos.
La era del Carnegie Hall
Para la navidad de 1938, el incansable John Hammond organizó un gran concierto en el Carnegie Hall de Nueva York con el que quería dar una muestra al público blanco de la evolución de la música negra americana, sus principales tendencias y su relación con la música africana. Un proyecto de tal envergadura y que a la vez implicaba tanto riesgo comercial no encontró más patrocinante que el semanario New Masses, órgano de difusión cultural del partido comunista para el cual Hammond solía escribir. El éxito del evento iba a representar un gran paso adelante en la batalla por la integración racial y Hammond demostraría con ello su creencia de que la música negra era la "forma de protesta social más efectiva y constructiva". Gracias a este concierto, tanto Lewis y Ammons como Johnson y Turner tuvieron la oportunidad de mostrar su arte ante la multitud que llenó el más importante teatro de Nueva York, y de compartir el cartel con figuras de la talla de Count Basie, Sydney Bechet, James P. Johnson y Big Bill Broonzy, entre otros. Los temas que los cuatro músicos interpretaron, especialmente los del trío de pianos de Lewis, Ammons y Johnson (que se dio a conocer como el Boogie-Woogie Trio) así como los del dúo de este último y Turner, produjeron los aplausos más numerosos de la noche y estimularon la moda del boogie-woogie en todo el país. El estilo dejaba de ser así, como había dicho William Russell en aquel entonces, "la música más anti-comercial del mundo, en el mejor y el peor de los sentidos", y superaba con creces sus días más brillantes antes de la Gran Depresión.
Para Lewis, Ammons, Johnson y Turner los compromisos comenzaron a sucederse desde los días que siguieron al concierto. Entre la última semana de 1938 y la primera de 1939, Hammond organizó para ellos varias sesiones de grabación con distintas disqueras de Nueva York, que dieron como resultado muchos de los discos más celebrados de la edad de oro del boogie-woogie. Fue en estas dos semanas que se registró en estudio por primera vez la variedad de boogie-woogie vocal que Johnson y Turner realizaban desde sus días en el Sunset Cristal Palace de Kansas City. "Roll 'em Pete", la canción seleccionada para la ocasión, debía su nombre al grito con que la audiencia del citado local animaba al pianista durante sus presentaciones. Cabe preguntarse por qué la hibridación del blues vocal y el boogie-woogie, no había logrado antes un ensamblaje tan perfecto, a pesar de haber contado con varios antecedentes; pero al definirse desde sus inicios como una forma instrumental de gran potencia rítmica y sonora, el boogie-woogie dejaría atrás la posibilidad de ser acompañado por la voz humana hasta que apareciera un cantante capaz de llevar lo más lejos posible el estilo de los antiguos shouters, y este cantante apareció finalmente en la figura de Big Joe Turner.
Asimismo, tras el concierto y otra vez gracias a Hammond, el Cafe Society Downtown acogió por espacio de unos dos años a Lewis, Ammons, Johnson y Turner, que comenzaban a ser conocidos como los Boogie-Woogie Boys. Este recién inaugurado club ubicado en el Greenwich Village neoyorquino empezaba a experimentar, al igual que el boogie-woogie, un gran momento. Su dueño, el abogado y comerciante Barney Josephson, miembro del partido comunista y amigo de Hammond, lo había fundado con la finalidad de recaudar fondos para esta organización política. Fue el primer club que tuvo en sus espacios una audiencia racialmente integrada. El público que solía visitar el local tuvo la oportunidad de ver en él, rodeado de murales diseñados por Adolf Dehn, James Hoff y otros pintores de la época, a artistas de la talla de Billie Holiday y James P. Johnson, entre otros, así como de asistir a los mejores días del boogie-woogie. Es allí donde se supone que fue filmado, a mediados de 1941, el cortometraje Boogie-Woogie Dream, dirigido por Hans Burger y que no pudo ser editado sino hasta 1944; en él aparecen Ammons y Johnson interpretando el tema que le daba título al filme.
El alcance del boogie-woogie
La moda del boogie-woogie dominó el panorama de la música negra americana (que cada vez ganaba más terreno entre los oyentes blancos) con gran fuerza hasta 1942, y luego, en menor medida, hasta mediados de esa década. Durante esos años invadió prácticamente cada club, cada estación de radio y cada jukebox del país; penetró el repertorio de otros instrumentos (para la guitarra, Blind Blake había sentado un precedente una década atrás) e incluso en el de otros estilos como el country, la música académica de vanguardia (recordar las composiciones para piano de Conlon Nancarrow) y, sobre todo, el jazz. Finalmente sentó las bases del jump blues y de buena parte del rhythm and blues y el rock and roll.
Dos grabaciones de Albert Ammons dan cuenta de los avances del boogie-woogie en los años finales de su reinado. La primera de ellas, "The Boogie Rocks" (1944) es una de las piezas más poderosas grabadas por este pianista; su elocuente título parece hacer eco de la evolución que el estilo estaba sufriendo y que no se comprobaría hasta unos diez años más adelante, pero nuestros oídos ya reconocen en ella el sonido que tiempo después caracterizará a pianistas como Jerry Lee Lewis y Little Richard, los más fieles herederos de esta tradición en el terreno del rock and roll. La segunda, "Doin' the Boogie-Woogie" (1946) sintetiza, en una canción, aquella idea del boogie-woogie orquestal en la que el propio Ammons había comenzado a indagar diez años antes con aquella otra del boogie-woogie vocal que habían trabajado sus amigos Johnson y Turner también una década atrás. Instrumentalmente, la guitarra ha ganado terreno y a la hora de los solos comparte a medias el papel con el piano. En esencia, ya nos encontramos ante uno de los tantos estilos que con el tiempo serán etiquetados como rhythm and blues.
http://es.wikipedia.org/wiki/Boogie-woogie
Boogie-woogie
Orígenes musicales: Blues
Orígenes culturales: Se genera a partir de la música Blues, el objetivo principal era hacer el Blues bailable, pero sus ritmos rápidos se convirtieron en un nuevo estilo de música.
Instrumentos comunes: Piano, ocasionalmente Guitarra y Bajo
Popularidad: Fue muy popular hasta los años 50 - 60, pero siguió siendo un estilo de música bastante influyente en las siguientes décadas.
Fecha de origen: A principios del 1900, en Estados Unidos.
El boogie-woogie es un estilo de blues basado en el piano, generalmente rápido y bailable. Se caracteriza por la ejecución con la mano izquierda de determinadas figuras. Esta figuras que construye la mano izquierda están escritas en corcheas, en compases de 4/4, constituyendo así el denominado eight-to-the-bar. Usualmente se empleaban dos tipos de figuras: la denominada "octava galopante" (inspiradora de los "bajos galopantes" o walking bass que caracterizarán después el rock and roll), así como los acordes rápidos conocidos como rocks.
Los orígenes
A diferencia del ragtime, el boogie-woogie no sufrió nunca la influencia del repertorio pianístico europeo. Los músicos que comenzaron a forjarlo en el sur de Estados Unidos, hacia finales del siglo XIX y comienzos del XX, probablemente nunca habían escuchado a un pianista de formación clásica. No se conoce con precisión su origen, pero se supone que éste tuvo lugar en la zona del delta del Misisipi o en Texas, en los bares conocidos como barrelhouses (denominación con la que también se conoció el nuevo estilo), en donde los pianistas que por lo general se limitaban a acompañar a los cantantes desarrollaron una manera rápida y puramente instrumental
del blues con el objetivo de hacerlo bailable.
Las facultades percutivas del piano nunca habían sido tan aprovechadas en la música pop hasta que estos inventores anónimos del boogie-woogie lograron imponer su música en medio del bullicio de los antros y crear efectos hipnóticos a través de sus ritmos rápidos, melodías repetitivas en contrapunto con bajos también repetitivos y una armonía que nunca se separaba de la tonalidad original. La básica funcionalidad del estilo y su sencillez le provocó el desprecio de los más refinados músicos de jazz, como Jelly Roll Morton, de quien se dice que se sentía ofendido si se le solicitaba la interpretación de un boogie-woogie.
Entre los primeros que testimoniaron su nacimiento se encuentran W.C. Handy, el ya mencionado Jelly Roll Morton y Clarence Williams, quienes ya habían escuchado la ejecución al piano de este etilo en los años diez o incluso antes. Williams añade, además, el nombre de quien para él fue el primer ejecutante, George W. Thomas, a quien había escuchado tocando en Houston en 1911. En efecto, las composiciones de Thomas contienen ya elementos propios del boogie-woogie: "New Orleans Hop Scop Blues" (compuesta y publicada en 1916), "The Five's" (grabada en 1923 por la Tampa Blue Jazz Band) y "The Rocks" (grabada por el propio autor en 1923) se cuentan entre las primeras piezas que contienen octavas galopantes.
Los pianistas pioneros de Chicago
Durante los años que mediaron entre las dos guerras mundiales, con la intensificación de las migraciones de los negros del sur hacia las ciudades del norte en busca de menores prejuicios raciales y mejores trabajos, tres ciudades tuvieron el privilegio de acoger la mayor cantidad de pianistas (y de músicos en general), lo suficiente como para que se conformaran en ellas las principales escuelas del boogie-woogie. Así, Chicago, en primer lugar, y luego Kansas City y St. Louis, concentraron en sus bares y estudios de grabación buena parte de estos pianistas venidos del sur.
A Chicago llega, procedente de Texas, el ya mencionado George W. Thomas, quien con el pseudónimo de Clay Custer graba en esta ciudad, en febrero de 1923, su tema "The Rocks", híbrido de ragtime y boogie-woogie considerado como el más antiguo registro fonográfico de una octava galopante. De Alabama, por su parte, provenía Jimmy Blythe, quien en abril de 1924 graba su "Chicago Stomp", pieza ante la cual ya podemos decir que nos encontramos frente a un verdadero boogie-woogie.
Sin embargo, desde 1915, Jimmy Yancey, nativo de la ciudad pero sin la oportunidad de grabar hasta finales de la década del treinta, se había convertido en uno de los más populares animadores de las llamadas house-parties (fiestas organizadas por los negros de los ghettos en sus propias casas con la finalidad de recaudar fondos para el pago del alquiler). Una de sus más tempranas composiciones, "The Fives" (no registrada en disco hasta 1939), había ayudado a sentar los cimientos del estilo.
Por su parte, Cow Cow Davenport, natural de Alabama y quien se daba a conocer como "el hombre que introdujo en América el boogie-woogie" (según constaba en sus tarjetas de presentación), graba el 16 de julio de 1928, en Chicago, uno de los clásicos del estilo, su "Cow Cow Blues", una imitación musical del rodar de los ferrocarriles (de ahí el título de la pieza y el apodo de su autor), temática que ya desde entonces se prefiguraba entre las preferidas por los intérpretes del boogie-woogie. Con el tiempo se dirá que el sonido de los trenes en los que viajaban los músicos ambulantes o migratorios fue el inspirador del ritmo del boogie-woogie.
De toda la primera generación de pianistas que trabajaron en Chicago, el más reconocido es, sin duda, Pinetop Smith, discípulo de Yancey que había venido a la ciudad, al igual que Davenport, procedente de Alabama. Pinetop tiene el mérito de haber compuesto hacia comienzos de los años veinte, y grabado posteriormente el 29 de diciembre de 1928, el tema más versionado en la historia del boogie-woogie y el que le daría nombre al estilo, el "Pinetop's Boogie-Woogie". Acerca de la combinación de las palabras boogie y 'woogie, Smith diría que no significaba nada; sencillamente las había escuchado juntas alguna vez durante una fiesta. En la grabación, mientras toca el piano, Smith dicta las instrucciones para bailar este tipo de música (…when I say stop, don't move, and when I say get it, everybody mess around…), y emplea el término (to boogie-woogie) sin distinción entre otros tradicionalmente asociados al baile popular (to mess around, to shake). Estas frases pronunciadas sobre la música se convirtieron, entre los pianistas de boogie-woogie, en una tradición ampliamente seguida.
Chicago, Kansas City y los inicios de la segunda generación [editar]
Pinetop Smith representó en Chicago el enlace entre su generación y la siguiente. En esta ciudad, adonde llegó en 1928, se instaló junto a los jóvenes pianistas locales Meade Lux Lewis y Albert Ammons en el apartamento que este último ocupaba en el South Side. Ammons era el único que tenía un piano propio, y en su habitación los tres pianistas se reunían para tocar. Fueron meses de fructífero intercambio que quedaron interrumpidos cuando, en marzo de 1929, Smith moría asesinado por una bala perdida en un salón de fiesta de la ciudad. El acontecimiento señaló el fin de una etapa en la historia del boogie-woogie, y media década habría de transcurrir antes de que éste lograse abrirse nuevamente paso en la escena musical. Afortunadamente, poco antes de morir, Smith había enseñado a Ammons a tocar su "Pinetop's Boogie-Woogie". A la postre, los dos jóvenes discípulos de Smith se convertirían en los más grandes intérpretes de la escuela de Chicago, así como en abanderados del renacimiento que experimentó el estilo en la segunda mitad de los años treinta.
Meade Lux Lewis, en realidad, había comenzado sus andanzas un poco antes, mas la mala fortuna signaba (y continuaría haciéndolo durante un tiempo más) su carrera. En 1927 había grabado su futuro clásico "Honky Tonk Train Blues", pero el disco no pudo ser editado sino hasta dieciocho meses más tarde, en 1929, sin repercusión comercial alguna; el cierre de Paramount Records, poco después, terminó de dejar la grabación fuera del mercado. Corrían los tiempos de la Gran Depresión, que muy pocos pianistas de la primera generación lograron superar, e incluso los más jóvenes como Lewis y su compañero Albert Ammons tuvieron que dedicarse a actividades lejanas a la música, necesidad que, no obstante, no logró soterrar las naturales inclinaciones de ambos. Se cuenta que durante el tiempo que compartieron trabajando en una compañía de taxis, solían abandonar la sede de la empresa para irse a tocar el piano; cuando el dueño de la compañía descubrió el motivo de sus ausencias, adquirió un piano y lo colocó en la oficina para tener a los dos taxistas disponibles cada vez que necesitara sus servicios.
Para que la suerte comenzara a favorecerle, Meade Lux Lewis debió esperar hasta que John Hammond, visionario productor y promotor del jazz, el blues y el folk, descubriera la grabación de "Honky Tonk Train Blues" e iniciara una búsqueda de su intérprete que tardaría varios años y durante la cual también se toparía con Albert Ammons. Así narró Hammond su rastreo del pianista:
"Cuando escuché la grabación de 'Honky Tonk Train Blues' en 1931 supe que había encontrado al ejecutante definitivo [de boogie-woogie] en Meade Lux Lewis. Pero sin importar dónde buscara o a quién preguntara, no pude hallarlo. Años después, en Chicago, pregunté otra vez por él mientras comía con Albert Ammons. '¿Meade Lux?', dijo Albert, 'claro que sí, está lavando autos en la esquina'. Y efectivamente allí estaba".
Ello ocurría en noviembre de 1935, y antes de finalizar el año, ya Lewis había reiniciado su carrera discográfica con la grabación de una versión madurada de "Honky Tonk Train Blues". La pieza, el ejemplo más famoso de la temática ferroviaria y de la variedad de bajos denominada rocks en todo el repertorio del boogie-woogie, estaba inspirada en un tren que pasaba muy cerca de una de las casas en donde Lewis había vivido, en la calle South La Salle de Chicago, haciéndola estremecerse varias veces al día; su título fue idea de un invitado a una de las tantas house-parties que el pianista animó.
Por su parte, a inicios de 1936, Albert Ammons grabó acompañado por su grupo, los Rhythm Kings, una enérgica versión del tema de Pinetop Smith, a la que denominó "Boogie-Woogie Stomp". Ammons añadió al estilo mayor rapidez y aún más fortaleza rítmica al acercarlo a la pequeña formación de jazz (pocos lo habían intentado con anterioridad: Will Ezell, un pianista por entonces caído en el olvido, en los años veinte, y Cleo Brown apenas un año antes), con la particularidad en este caso de la gran preponderancia de la sección rítmica (piano, guitarra, contrabajo y batería) digna de las grandes orquestas de jazz.
Por esa misma época, John Hammond también descubría en la escena de Kansas City a un dúo conformado por el pianista Pete Johnson y el cantante Big Joe Turner, quienes desde el Sunset Cristal Palace, una de las tantas tabernas de la ciudad (conocida entonces como la "capital del pecado") que gracias a la permisividad del polémico gobierno de Tom Pendergast ofrecía facilidades para obtener bebidas alcohólicas y marihuana en la época de la prohibición, comenzaban a desarrollar un híbrido de boogie-woogie y blues vocal. Cantar un boogie-woogie no era en realidad algo nuevo (a comienzos de la década de los treinta ya lo hacían Speckled Red y Little Brother Montgomery), pero ellos fueron los primeros en basar su estilo particular en esta modalidad. Turner, que había perseguido siempre (en sus propias palabras) "el vértigo y la sensualidad de la escena en los clubes de los suburbios", desde los catorce años dibujaba bigotes en su rostro pretendiendo burlar a los vigilantes de estos lugares, y pronto logró no sólo entrar, sino desempeñarse en ellos como barman, portero o cantante. Fue trabajando en el Sunset Cristal Palace como barman que una noche en la que Johnson se presentaba allí, se unió a éste cantando desde la barra en una actuación improvisada. Su carismática figura y su poderosa voz, en la tradición de los shouters (practicantes de una técnica vocal propia del blues, previa a la invención del micrófono, que imprimía gran volumen al canto) convencieron a Johnson para que a partir de ese momento comenzaran a trabajar juntos. El impacto producido por la energía del dúo y la variedad vocal de boogie-woogie que practicaban convirtió al Sunset Cristal Palace en uno de los locales preferidos de la ciudad, incluso para los músicos de la zona, que cada noche, después de sus propias presentaciones, iban allí a escucharlos.
La era del Carnegie Hall
Para la navidad de 1938, el incansable John Hammond organizó un gran concierto en el Carnegie Hall de Nueva York con el que quería dar una muestra al público blanco de la evolución de la música negra americana, sus principales tendencias y su relación con la música africana. Un proyecto de tal envergadura y que a la vez implicaba tanto riesgo comercial no encontró más patrocinante que el semanario New Masses, órgano de difusión cultural del partido comunista para el cual Hammond solía escribir. El éxito del evento iba a representar un gran paso adelante en la batalla por la integración racial y Hammond demostraría con ello su creencia de que la música negra era la "forma de protesta social más efectiva y constructiva". Gracias a este concierto, tanto Lewis y Ammons como Johnson y Turner tuvieron la oportunidad de mostrar su arte ante la multitud que llenó el más importante teatro de Nueva York, y de compartir el cartel con figuras de la talla de Count Basie, Sydney Bechet, James P. Johnson y Big Bill Broonzy, entre otros. Los temas que los cuatro músicos interpretaron, especialmente los del trío de pianos de Lewis, Ammons y Johnson (que se dio a conocer como el Boogie-Woogie Trio) así como los del dúo de este último y Turner, produjeron los aplausos más numerosos de la noche y estimularon la moda del boogie-woogie en todo el país. El estilo dejaba de ser así, como había dicho William Russell en aquel entonces, "la música más anti-comercial del mundo, en el mejor y el peor de los sentidos", y superaba con creces sus días más brillantes antes de la Gran Depresión.
Para Lewis, Ammons, Johnson y Turner los compromisos comenzaron a sucederse desde los días que siguieron al concierto. Entre la última semana de 1938 y la primera de 1939, Hammond organizó para ellos varias sesiones de grabación con distintas disqueras de Nueva York, que dieron como resultado muchos de los discos más celebrados de la edad de oro del boogie-woogie. Fue en estas dos semanas que se registró en estudio por primera vez la variedad de boogie-woogie vocal que Johnson y Turner realizaban desde sus días en el Sunset Cristal Palace de Kansas City. "Roll 'em Pete", la canción seleccionada para la ocasión, debía su nombre al grito con que la audiencia del citado local animaba al pianista durante sus presentaciones. Cabe preguntarse por qué la hibridación del blues vocal y el boogie-woogie, no había logrado antes un ensamblaje tan perfecto, a pesar de haber contado con varios antecedentes; pero al definirse desde sus inicios como una forma instrumental de gran potencia rítmica y sonora, el boogie-woogie dejaría atrás la posibilidad de ser acompañado por la voz humana hasta que apareciera un cantante capaz de llevar lo más lejos posible el estilo de los antiguos shouters, y este cantante apareció finalmente en la figura de Big Joe Turner.
Asimismo, tras el concierto y otra vez gracias a Hammond, el Cafe Society Downtown acogió por espacio de unos dos años a Lewis, Ammons, Johnson y Turner, que comenzaban a ser conocidos como los Boogie-Woogie Boys. Este recién inaugurado club ubicado en el Greenwich Village neoyorquino empezaba a experimentar, al igual que el boogie-woogie, un gran momento. Su dueño, el abogado y comerciante Barney Josephson, miembro del partido comunista y amigo de Hammond, lo había fundado con la finalidad de recaudar fondos para esta organización política. Fue el primer club que tuvo en sus espacios una audiencia racialmente integrada. El público que solía visitar el local tuvo la oportunidad de ver en él, rodeado de murales diseñados por Adolf Dehn, James Hoff y otros pintores de la época, a artistas de la talla de Billie Holiday y James P. Johnson, entre otros, así como de asistir a los mejores días del boogie-woogie. Es allí donde se supone que fue filmado, a mediados de 1941, el cortometraje Boogie-Woogie Dream, dirigido por Hans Burger y que no pudo ser editado sino hasta 1944; en él aparecen Ammons y Johnson interpretando el tema que le daba título al filme.
El alcance del boogie-woogie
La moda del boogie-woogie dominó el panorama de la música negra americana (que cada vez ganaba más terreno entre los oyentes blancos) con gran fuerza hasta 1942, y luego, en menor medida, hasta mediados de esa década. Durante esos años invadió prácticamente cada club, cada estación de radio y cada jukebox del país; penetró el repertorio de otros instrumentos (para la guitarra, Blind Blake había sentado un precedente una década atrás) e incluso en el de otros estilos como el country, la música académica de vanguardia (recordar las composiciones para piano de Conlon Nancarrow) y, sobre todo, el jazz. Finalmente sentó las bases del jump blues y de buena parte del rhythm and blues y el rock and roll.
Dos grabaciones de Albert Ammons dan cuenta de los avances del boogie-woogie en los años finales de su reinado. La primera de ellas, "The Boogie Rocks" (1944) es una de las piezas más poderosas grabadas por este pianista; su elocuente título parece hacer eco de la evolución que el estilo estaba sufriendo y que no se comprobaría hasta unos diez años más adelante, pero nuestros oídos ya reconocen en ella el sonido que tiempo después caracterizará a pianistas como Jerry Lee Lewis y Little Richard, los más fieles herederos de esta tradición en el terreno del rock and roll. La segunda, "Doin' the Boogie-Woogie" (1946) sintetiza, en una canción, aquella idea del boogie-woogie orquestal en la que el propio Ammons había comenzado a indagar diez años antes con aquella otra del boogie-woogie vocal que habían trabajado sus amigos Johnson y Turner también una década atrás. Instrumentalmente, la guitarra ha ganado terreno y a la hora de los solos comparte a medias el papel con el piano. En esencia, ya nos encontramos ante uno de los tantos estilos que con el tiempo serán etiquetados como rhythm and blues.
http://es.wikipedia.org/wiki/Boogie-woogie
California: Paraíso para la Contracultura por su fusión cultural desde la fiebre del oro
Fiebre del oro de California
Los primeros buscadores de oro, llamados "Forty-niners",1 viajaron a California por barco por la ruta de Cabo Hornos o en caravanas atravesando el continente, enfrentando un viaje muy duro la mayoría de las veces. La mayoría de los inmigrantes eran estadounidenses, pero la fiebre del oro también atrajo decenas de miles de personas desde Iberoamérica, Europa, Australia y Asia. Al principio, los buscadores de oro recogían el oro en los arroyos y lechos de los ríos usando técnicas simples como el cribado, pero más tarde desarrollaron métodos más sofisticados para la extracción del oro que fueron adoptados en todo el mundo. Algunos de estos buscadores de fortuna se hicieron millonarios, pero la mayoría se quedó con poco más de los bienes que tenía cuando la fiebre comenzó.
Los efectos de esta migración repentina fueron espectaculares. Antes de la fiebre del oro, San Francisco era una aldea diminuta, y con la fiebre la aldea llegó a ser una ciudad. Se construyeron escuelas, caminos e iglesias, y se fundaron otros pueblos. Se creó un sistema legal y de gobierno, lo cual llevó a la admisión de California como estado de la Unión en 1850. Los nuevos medios de transporte, como el barco de vapor, entraron en servicio en el estado, y se tendieron líneas de ferrocarril. También se inició el negocio de la agricultura, el segundo rubro de mayor crecimiento en California.
La fiebre del oro también tuvo efectos negativos: los aborígenes de la región fueron atacados y expulsados de sus tierras tradicionales. Importante fue también el impacto ambiental que la minería produjo.
Inicios y generalidades
Campos de extracción en la Sierra Nevada, en California, y en el norte del estado.
El 24 de enero de 1848, en Sutter's Mill, el rancho del general John Sutter, en Coloma, en las cercanías del Río Americano,2 el capataz James Marshall y sus hombres construían un molino de harina cuando encontraron pepitas de oro.3 Al saber del descubrimiento, Sutter quiso mantener la noticia en secreto, pues temía que sus planes de crear un imperio agrícola se vinieran abajo si había una inmigración en masa en busca del oro.4 Sin embargo, los rumores se esparcieron rápidamente, y el 15 de marzo siguiente el periódico The Californian publicó la noticia. El periodista que la firmaba, Samuel Brannan, inmediatamente puso una tienda de suministros para los cazafortunas que llegarían.5 Brannan corrió por las calles de San Francisco, con un frasco lleno de oro y gritando "¡....oro, oro! ¡Oro en el río Americano!".6
El 19 de agosto de 1848, el diario New York Herald fue el primer periódico en la Costa Este que anunció que se había descubierto oro en California. El 5 de diciembre de ese año, el presidente James Polk confirmó el descubrimiento en un discurso ante el Congreso de los Estados Unidos.
Muy pronto, la "Tierra dorada de California" se vio invadida por oleadas de inmigrantes de todo el mundo, llamados posteriormente "Forty-niners". Tal y como Sutter temió, se encontró pronto en la ruina, pues sus trabajadores lo dejaron en pos del oro mientras sus tierras eran invadidas por ocupantes ilegales que robaron sus cosechas y ganado.
Antes de la fiebre, San Francisco era un asentamiento diminuto. Cuando los residentes supieron del descubrimiento, se dieron prisa en dedicarse a la búsqueda de oro y San Francisco se convirtió en un pueblo fantasma,9 aunque luego resurgió con nuevos bríos. Su población creció vertiginosamente, pasando de menos de mil habitantes en 1848,10 a 25.000 dos años después.11 Como otras poblaciones similares, la infraestructura de San Francisco y de otros pueblos aledaños pronto se vio saturada por la repentina afluencia de gente. Los recién llegados tuvieron que alojarse en tiendas, precarias cabañas, o cobertizos recogidos de barcos abandonados.12
En la que fue llamada la "primera fiebre del oro de clase mundial",13 no había un modo fácil de llegar a California. Los Forty-niners se enfrentaron a condiciones muy adversas, que en ocasiones los llevaron a la muerte. Al principio, los llamados Argonautas, viajaron en barco. Un viaje marítimo desde la costa Este de los Estados Unidos llevaba de cinco a ocho meses, pues era necesario recorrer 33.000 kilómetros para rodear por el sur al continente americano.14 Una ruta alternativa consistía en atravesar el Istmo de Panamá con mulas y canoas, lo cual llevaba una semana, y, una vez en el Océano Pacífico, embarcarse en una nave que se dirigiera hacia San Francisco.15 Una tercer ruta, que era más barata y llevaba menos tiempo de recorrido, era abordar un barco en Nueva York, o cualquier otro puerto de Estados Unidos, rumbo a Veracruz o Tampico, en México, viajar por tierra hasta Guadalajara, Tepic o San Blas; y de ahí cabalgar hasta Mazatlán. Ahí los futuros gambusinos abordaban barcos que al cabo de cuatro a cinco semanas los llevaban hasta San Francisco. Al final, la mayoría de los viajeros acabaron tomando la ruta terrestre que atravesaba los Estados Unidos; en particular por la ruta de California,16 puesto que, más al sur, los territorios de Arizona y Nuevo México, incluido el río Gila, eran un obstáculo casi imposible de franquear. Cada una de estas diferentes rutas tenía sus propios riesgos mortales, desde naufragios hasta fiebres tifoideas, pasando por el cólera.17
Para satisfacer las necesidades de los recién llegados, barcos cargados con mercancías de todo el mundo llegaron en masa a la bahía de San Francisco. Llegó a haber barcos cargados de porcelana y seda de China, o de cerveza de Escocia.18
Los capitanes de las embarcaciones tenían problemas con sus tripulaciones, pues al llegar a San Francisco, los marineros desertaban para ir a los campos de oro. Esto transformó a los muelles del puerto en junglas de mástiles, por los cientos de barcos abandonados. Personas emprendedoras tomaron algunos de estos barcos abandonados, transformándolos en bodegas, tiendas, tabernas y hoteles. Hubo uno que fue transformado en cárcel.19 Muchos de estos barcos fueron posteriormente destruidos y utilizados como relleno para agrandar el área edificable en el boyante pueblo.
En pocos años, se desarrolló una importante, aunque poco conocida, comunidad de gambusinos hacia el norte de California, llegando hasta los condados de Siskiyou, Shasta y Trinity.20 Cuando se descubrieron pepitas de oro en Yreka en 1851, miles de buscadores de oro viajaron hacia el norte, por la ruta llamada Siskiyou Trail,21 a través de los condados norteños de California.
Varios asentamientos aparecieron y desaparecieron rápidamente, como Portuguese Flat. En otro de ellos, el pueblo de Weaverville, aún funciona el templo taoísta más antiguo en California, legado de los inmigrantes chinos. No quedan muchos pueblos fantasma de la época, pero el pueblo de Shasta está bien conservado, e integra la lista de Parques Históricos del Estado de California.23
También se descubrió oro en el sur de California, pero en una escala mucho menor. El primer descubrimiento fue en las montañas al norte de Los Ángeles, en 1842, cuando California era parte de México.24 Sin embargo, estos yacimientos no atrajeron mucha atención, y económicamente tuvieron consecuencias limitadas.24
La mayor parte del oro fácil de recoger ya había sido obtenida para 1850, por lo que la atención se desvió hacia la extracción del mineral en localidades más problemáticas. Los estadounidenses comenzaron a rechazar a los extranjeros, para quedarse con el poco oro que aún era fácilmente obtenible. La legislatura del estado aprobó un impuesto especial para los mineros extranjeros, de veinte dólares al mes. Además, los mineros estadounidenses comenzaron a organizarse para atacar a los extranjeros, especialmente latinoamericanos y chinos25
Adicionalmente, las multitudes de inmigrantes estaban obligando a los aborígenes a salir de sus áreas tradicionales de caza y pesca. Para proteger sus hogares y su forma de vida, éstos comenzaron a atacar a los mineros, lo cual originó una serie de contraataques sobre los pueblos indígenas. La inferioridad en el armamento de los indígenas provocó que éstos fueran masacrados.26 Aquellos indios que escaparon a las masacres encontraron la muerte al no tener acceso a caza, pesca o recolección. El novelista y poeta Joaquin Miller refleja uno de estos ataques en su trabajo semiautobiográfico "La vida con los Modocs".
Los Forty-Niners
Los primeros que acudieron a buscar oro, ya desde la primavera de 1848, fueron los propios residentes de California: europeos, estadounidenses, "californios"28 y amerindios.29 Al principio, las noticias sobre la fiebre del oro se difundieron lentamente. Los primeros buscadores de oro que llegaron en 1848 vivían cerca de California o se habían enterado de las noticias gracias a los barcos que estaban en las rutas más rápidas que salían de California. Varios miles de ciudadanos de Oregón formaban el primer grupo de estadounidenses que llegó a California, a través de la ruta de Siskiyou.30 A continuación, llegó gente de Hawái, y miles de latinoamericanos, entre los cuales había inmigrantes de México, Perú y Chile,31 tanto por tierra como por mar.32 Para finales de 1848, más de 6.000 argonautas habían llegado a California.32 Sólo unos pocos de ellos habían llegado por tierra.32 Algunos de estos "Forty-eighters"33 pudieron recoger grandes cantidades de oro de forma muy rápida, a veces miles de dólares en el mismo día
Hasta los gambusinos ordinarios conseguían obtener en oro de diez a quince veces el salario diario que obtendría un obrero en la Costa Este. Una persona podía trabajar durante seis meses en los campos de oro, y obtener el equivalente de seis años de salario.
Para el inicio de 1849, la noticia de la fiebre del oro ya se había esparcido por todo el mundo, y una cantidad abrumadora de buscadores de oro y mercaderes comenzó a llegar desde virtualmente todos los continentes. El mayor grupo, en 1849, era de decenas de miles de estadounidenses, quienes llegaron por tierra y en algunos navíos.37 Los australianos.38 y neozelandeses se enteraron gracias a los barcos que llevaban periódicos hawaianos, y se embarcaron por miles hacia California39 Hubo Forty-niners que llegaron desde América Latina, especialmente de las regiones mineras de Sonora,39 y Sinaloa, en México. Los buscadores de oro procedentes de Asia, especialmente de China.40 comenzaron a llegar en 1849, al principio en pequeño número. En chino, California era llamada "Montaña de oro". Los primeros inmigrantes provenientes de Europa, comenzaron a llegar hasta fines de 1849, principalmente desde Francia,41 acompañados de algunos alemanes, italianos y británicos.37
Se calcula que en 1849 llegaron a California alrededor de 90.000 personas, aproximadamente la mitad de ellas por mar, y la otra mitad por tierra.42 Esta cifra incluye aproximadamente entre treinta y cuarenta mil extranjeros.37 Para 1855, los buscadores de oro, comerciantes y otros inmigrantes sumaban aproximadamente 300.000 personas43 El mayor grupo de inmigrantes seguía siendo estadounidense, pero había miles de chinos, franceses, mexicanos y otros latinoamericanos,44 seguidos de pequeños grupos de filipinos y españoles.45 También había unos cuantos mineros de origen africano, tal vez menos de cuatro mil,46 que llegaron desde el Caribe, Brasil y el sur de los Estados Unidos.47
Derechos legales
Cuando comenzó la fiebre del oro, California era, en la práctica, un lugar sin ley. El día del descubrimiento en Sutter's Mill, California técnicamente era aún parte de México, aunque bajo ocupación militar estadounidense, como resultado de la guerra México-Estados Unidos de 1846. El Tratado de Guadalupe Hidalgo, con que finalizó la guerra el 2 de febrero de 1848, había transferido el dominio de California a los Estados Unidos. California no era un territorio formalmente organizado, y su incorporación a los Estados Unidos no fue inmediata. Temporalmente, California fue un territorio bajo control militar, sin que hubiera poderes legislativo, ejecutivo o judicial para la región.48 Los residentes actuaban sujetos a una confusa mezcla de reglas mexicanas y estadounidenses, y su juicio personal.
El Tratado obligaba a los Estados Unidos a respetar las concesiones territoriales que habían sido hechas por el gobierno mexicano,49 pero las zonas mineras se encontraban lejos de dichas concesiones, por lo que la fiebre del oro no se vio afectada por los términos del tratado. Los campos de explotación eran técnicamente propiedad del gobierno de los Estados Unidos,50 pero en la práctica eran terrenos sin una legislación definida, y sin mecanismos para hacer valer cualquier ley sobre ellos.
Para los Forty-niners, esto fue una ventaja, porque el oro estaba "libre para ser tomado". No había propiedad privada, ni impuestos que pagar por el mismo.52 Los Forty-niners elaboraron sus propios códigos, y sus propias formas de ponerlos en vigor. Se sobreentendía que cualquier gambusino podía "reclamar" tierras, pero esa reclamación solo tendría efecto en tanto que esas tierras fueran efectivamente explotadas.53 Los mineros solían reclamar las tierras, y comenzaban a explotarlas sólo lo suficiente para determinar su potencial. Si la tierra se consideraba de bajo valor, como ocurrió en la mayoría de los casos, los mineros la abandonaban y proseguían la búsqueda de su fortuna. Otros mineros entonces podían llegar a reclamar para sí la tierra que ya había sido trabajada y abandonada. Esta práctica se conocía como "claim-jumping".53 Las disputas eran manejadas personalmente y a veces de forma violenta; en muchas de ellas los propios gambusinos se asociaban para actuar como árbitros.50 53
Desarrollo de técnicas para la extracción de oro
La alta concentración de oro en la arena de California, ayudó a que inicialmente se necesitara una simple operación manual de muestreo y cribado en los ríos y corrientes de agua54 Sin embargo, no es posible hacer esta operación en gran escala, por lo que los mineros comenzaron a diseñar máquinas que les auxiliaran.55 a procesar grandes volúmenes de grava
En las operaciones más complejas, los mineros desviaban ríos enteros hacia canales construidos a lo largo del río, para después excavar en el lecho del río, ahora expuesto.57 Los cálculos de la Inspección Geológica de Estados Unidos, dicen que fueron removidas 12 millones de onzas de oro,58 equivalentes a 370 toneladas, durante los primeros cinco años de la fiebre del oro. Esta cantidad de metal equivalía a 7,2 miles de millones de dólares, a precios de noviembre de 2006.59
En la etapa siguiente, hacia 1853, tuvieron lugar las primeras operaciones de minería hidráulica. Esta técnica se utilizó en lechos de grava que yacían en las colinas de los campos de oro.60 dirigiendo una corriente de agua de alta presión hacia los yacimientos de oro, soltando la grava que es recuperada en canales, donde el oro se sedimenta. Se estima que para mediados de la década de 1880, esta técnica sirvió para recuperar once millones de onzas de oro, equivalentes a 6,6 miles de millones de dólares, a precios de noviembre de 2006.59 Un subproducto indeseado de esta técnica, eran las grandes cantidades de grava suelta, metales y otros contaminantes, que fueron depositadas en los ríos61 Algunas áreas aún presentan las cicatrices dejadas por la minería hidráulica, ya que la vida vegetal no se desarrolla en los depósitos de grava y de tierra expuesta.62
Después de que la avalancha de inmigrantes por la fiebre del oro hubo cesado, las operaciones para la recuperación del metal continuaron. En la etapa final para recuperar el oro suelto, se le buscaba en los lechos de los ríos y en los estuarios del Valle Central y otras áreas, como Scott Valley, en Siskiyou. A finales del siglo XIX, la tecnología del dragado era bastante económica, y se comenzó a usar para la explotación minera en California.63 resultando en la extracción de más de 20 millones de onzas, equivalentes a 12 miles de millones de dólares.59
Durante la fiebre del oro y en las décadas que la siguieron, los buscadores de oro también se dedicaron a la minería tradicional, extrayendo el oro directamente de la roca que lo contenía, típicamente cuarzo. Operaban normalmente excavando y dinamitando la roca, para seguir las vetas de cuarzo y recuperarlas.64 Una vez que estas rocas eran transportadas a la superficie, eran trituradas, y el oro se separaba usando agua corriente, o con ayuda de arsénico o mercurio.65 A la postre, la minería tradicional terminó por ser la única actividad de extracción de oro en la región.59
Ganancias
Una creencia popular es que los comerciantes sacaron más ganancias de la fiebre del oro que los propios buscadores de oro. Sin embargo, la realidad es más compleja. Efectivamente, las ganancias de algunos comerciantes fueron notables. El hombre más rico en California durante los primeros años de la fiebre del oro fue Samuel Brannan, el anunciador del descubrimiento en Sutter's Mill.66 Brannan abrió las primeras tiendas en Sacramento, Coloma y otros lugares cercanos a los campos de oro. Al comienzo de la fiebre de oro, Brannan compró todos los suministros de minería disponibles en San Francisco, y los revendió con considerables ganancias.66 Pero los buscadores de oro también obtuvieron importantes beneficios. Por ejemplo, un grupo pequeño de gambusinos que trabajaba en Feather River en 1848, en unos cuantos meses consiguió más de millón y medio de dólares en oro67
Como promedio, los buscadores de oro tuvieron modestas ganancias, una vez deducidos los gastos. Los que llegaron más tarde ganaron muy poco, o incluso llegaron a perder dinero.68 69 De manera similar, muchos comerciantes desafortunados se habían establecido en asentamientos que desaparecieron, o fueron víctimas de alguno de los muchos incendios que arrasaban los pueblos.70
Otros hombres de negocios cosecharon grandes ganancias en reventas, embarques, entretenimiento, hospedaje.71 y transporte72
Para 1855, las circunstancias económicas habían cambiado radicalmente. El oro ya no era tan fácil de obtener, y la única forma rentable de conseguirlo era con grandes equipos de trabajadores, ya fueran empleados o socios.73 A mediados de esa década, los dueños de las compañías mineras eran los que se enriquecían. Además, la población de California había crecido tanto, y tan rápido, que la base económica se había diversificado mucho, y ya era posible obtener ganancias en los negocios convencionales.
El destino del oro
Una vez que el oro era recuperado, el metal podía tomar varios caminos. El más inmediato era ser utilizado como moneda de trueque para comprar provisiones y pagar por el hospedaje de los mineros. Con frecuencia, el oro usado en estas transacciones acababa de ser encontrado, y había sido cuidadosamente pesado y valorado.75
A su vez, los comerciantes y vendedores utilizaban el oro para comprar provisiones a los capitanes de los barcos que llevaban mercancías a California.76 El oro dejaba California a bordo de barcos o en mulas. Un segundo destino era que los propios Argonautas lo llevaran consigo al partir, cuando decidían que habían obtenido lo suficiente como para volver a casa. Se estima que unos 80 millones de dólares en oro fueron llevados a Francia de esta manera.77 Con el avance y la consolidación de la fiebre del oro, los bancos locales comenzaron a emitir notas de crédito o billetes, a cambio de oro,78 y algunas casas de moneda privadas crearon monedas de oro.79 Con la construcción de la Casa de Moneda de San Francisco en 1854, el oro se transformó en monedas oficiales de los Estados Unidos, para circulación.80 El oro también fue enviado a bancos nacionales en California, a cambio de papel moneda corriente,
Efectos de la fiebre del oro
Efectos inmediatos
Antes de la fiebre del oro, California tenía cerca de 15.000 habitantes, sin contar a los nativos82 y la llegada de cientos de miles de inmigrantes en tan poco tiempo, tuvo consecuencias dramáticas.83
Los costos humanos y ambientales del fenómeno fueron considerables. Los indios nativos de la región fueron víctimas de enfermedades, hambruna y ataques genocidas.84 la población nativa, estimada en 150 mil habitantes en 1845, disminuyó abruptamente a menos de 30 mil personas para 1870.85 Se expidieron leyes explícitamente xenófobas, buscando alejar a los inmigrantes de China y de América Latina.86 La cuota mortal entre los inmigrantes estadounidenses también fue severa, ya que uno entre cada doce Forty-niners pereció; los índices de criminalidad durante la fiebre del oro fueron extremadamente altos.87 El medio ambiente sufrió un deterioro considerable, gracias a que la grava, tierra suelta y los químicos tóxicos empleados en la minería mataron animales y deterioraron hábitats.61 62
Sin embargo, la fiebre del oro catapultó a California hacia el centro de la imaginación global, convirtiéndola en el destino de cientos de miles de personas, los cuales frecuentemente mostraron una inventiva, una autonomía y una civilidad notables. En este periodo, se fundaron pueblos y ciudades; también se convocó a una asamblea constituyente, que redactó la Constitución del estado. Se celebraron elecciones, y los representantes fueron a Washington para negociar la admisión de California como estado de la Unión
La agricultura en gran escala (también llamada "la segunda fiebre del oro de California".89 ) comenzó también durante esta época90 Gracias a este vertiginoso desarrollo, rápidamente florecieron iglesias, escuelas, caminos.91 y organizaciones civiles88 La población también demandaba una eficiente red de comunicaciones y conexiones políticas con el resto del país. El 9 de septiembre de 1850, California consiguió su reconocimiento como estado, convirtiéndose en el estado número 31 de la Unión.
Fuera del estado, las comunicaciones también mejoraron como consecuencia del fenómeno. El primer ferrocarril transcontinental del mundo fue inaugurado en el Istmo de Panamá en 185592 Entre Panamá y San Francisco comenzaron a navegar nuevas líneas de barcos de vapor, incluyendo los barcos de la Pacific Mail Steamship Company, desde los que los pasajeros y la carga enlazaban con el ferrocarril transcontinental. Desde Panamá zarpaban regularmente los barcos hacia la Costa Este de los Estados Unidos. En uno de estos viajes, el barco S.S. Central America se hundió frente a la costa de las Carolinas en 1857, víctima de un huracán. Se calcula que tres toneladas de oro se hundieron con el navío.93 94
El primer ferrocarril transcontinental de Estados Unidos se inauguró en 1869, pero seis años antes se abrió el tramo occidental en Sacramento. La construcción de esta línea fue financiada en parte con el oro de California.95 La línea unió al estado con el resto del país de una manera más efectiva, reduciendo el viaje que tradicionalmente llevaba varias semanas o hasta meses, a unos cuantos días.96
La fiebre del oro también estimuló varias economías en todo el mundo. Los granjeros en Chile, Australia y Hawaii encontraron un gran mercado donde colocar sus productos, los bienes manufacturados británicos tenían gran demanda, y desde China llegó ropa e incluso casas prefabricadas.97 Los precios se elevaron rápidamente, y el oro de California estimuló la inversión y creación de empleos en otros países.98 El buscador de oro australiano Edward Hargraves percibió cierta similitud entre los terrenos californiano y australiano, y dedujo que era posible que en Australia existiera oro, en cantidades y depósitos similares. Cuando Hargraves volvió a Australia, efectivamente descubrió oro, y detonó la fiebre del oro de Australia.
Efectos a largo plazo
El nombre de California quedó relacionado perennemente al de la Fiebre del oro, y, como resultado, también se relacionó a lo que fue conocido como el "Sueño californiano". California se percibía como un lugar de nuevos comienzos y grandes oportunidades, donde el duro trabajo y un poco de suerte podían ser recompensados con enormes riquezas. El historiador H. W. Brands hizo notar que, en los años posteriores a la fiebre del oro, el Sueño californiano se difundió por el resto del país, y formó parte integral del nuevo Sueño americano.
El viejo sueño americano....era el sueño de los puritanos, del almanaque de Benjamin Franklin....de hombres y mujeres satisfechos con acumular una modesta riqueza poco a poco, año tras año tras año. El nuevo sueño era un sueño de riqueza instantánea, ganada en un abrir y cerrar de ojos, gracias a la audacia y la buena suerte. [Este] sueño dorado....se convirtió en una parte prominente de la psique estadounidense sólo después [de Sutter's Mill].100
El sueño californiano atrajo a generaciones completas de familias. Tras la fiebre del oro, las actividades de las mismas se diversificaron y convirtieron a California en un centro de liderazgo constante en diversos ramos industriales. Al principio, los granjeros eran mayoría,101 y luego lo fueron los perforadores de petróleo, los cineastas, constructores de aviones,102 y compañías punto.com, que se sucedieron en el próspero ámbito industrial de California en las décadas siguientes a la fiebre del oro.
180px
Entre los legados de la fiebre del oro de California se encuentra el lema del estado: Eureka, que en griego significa "lo encontré", además de que el escudo del estado consiste en una imagen alegórica de la fiebre del oro. El sobrenombre del estado es The Golden State, o "El estado dorado".
El equipo de fútbol americano de la NFL de San Francisco, los San Francisco 49ers, y los equipos homónimos de atletismo de la Universidad Estatal de California en Long Beach, tomaron su nombre del apodo de los buscadores de oro del siglo XIX. La fiebre del oro se ha visto reflejada en la literatura, en las obras de Mark Twain, Bret Harte, Joaquin Miller y otros.
La Ruta Estatal 49 de California corre por las laderas de la Sierra Nevada, conectando varios pueblos nacidos durante la fiebre del oro.103 Esta autopista pasa cerca del Parque Histórico Estatal de Columbia, que ha conservado varios edificios de la época de la fiebre del oro con fines turísticos.
Geología
Se piensa que la alta concentración de oro en California fue el resultado de fuerzas que actuaron durante cientos de millones de años. Hace aproximadamente 400 millones de años, California yacía en el fondo del mar. Volcanes submarinos depositaron lava y minerales, incluyendo oro, en el lecho marino. Hace 200 millones de años, las placas tectónicas empujaron el lecho marino por debajo de la masa continental norteamericana.104 Conforme descendía, el lecho marino se iba fundiendo, y el magma resultante subió hacia la superficie, enfriándose mientras iba subiendo.105 Cuando este magma se solidificaba, se formaron algunas venas de oro rodeadas de cuarzo.105 106 Los minerales y rocas solidificadas resultantes emergieron en la Sierra Nevada.107 y se erosionaron, exponiendo parte del oro en la superficie. Las corrientes de agua se encargaron entonces de llevar el oro cuesta abajo, y depositarlo en lechos de grava en los arroyos108 Los Forty-niners se concentraron al principio en estos depósitos.
http://es.wikipedia.org/wiki/Fiebre_del_oro_de_California
Alucinógenos: Fuente de inspiración para Jim Morrison
Durante siglos se han usado compuestos alucinógenos que se encuentran en algunas plantas y hongos o setas (o sus extractos), principalmente para los ritos religiosos. Casi todos los alucinógenos contienen nitrógeno y se clasifican como alcaloides. Muchos alucinógenos tienen una estructura química similar a la de los neurotransmisores naturales (por ejemplo, parecida a la de la acetilcolina, la serotonina o la catecolamina).
Aun cuando los mecanismos exactos de cómo estas sustancias ejercen sus efectos alucinógenos todavía no están claros, las investigaciones indican que estas drogas trabajan, por lo menos parcialmente, interfiriendo temporalmente con la acción del neurotransmisor o ligándose a los sitios de sus receptores. Este InfoFacts aborda cuatro tipos comunes de alucinógenos:
LSD (dietilamida del ácido lisérgico-d): Es una de las sustancias químicas más potentes que alteran el estado de ánimo. Fue descubierta en 1938 y se fabrica a partir del ácido lisérgico, que se encuentra en el cornezuelo, un hongo que crece en el centeno y otros granos.
Peyote: Es un cactus pequeño sin espinas cuyo ingrediente principal activo es la mezcalina. Esta planta ha sido utilizada por los nativos del norte de México y del suroeste de los Estados Unidos en sus ceremonias religiosas. La mezcalina también se puede producir a través de una síntesis química.
Psilocibina (4-fosforiloxi-N, N-dimetiltriptamina): Se obtiene de ciertos tipos de hongos originarios de las regiones tropicales y subtropicales de América del Sur, México y los Estados Unidos. Por lo general, estos hongos contienen menos del 0.5 por ciento de psilocibina además de cantidades mínimas de psilocina, otra sustancia alucinógena.
PCP (fenciclidina): Se desarrolló en los años cincuenta como una anestesia intravenosa, pero su uso se descontinuó debido a sus efectos secundarios sumamente adversos.
¿Cómo se abusan los alucinógenos?
Las mismas características que hicieron que los alucinógenos fueran usados en ritos y tradiciones espirituales también los impulsaron a ser usados como drogas de abuso. En particular, y a diferencia de la mayoría de las drogas, los efectos de los alucinógenos son altamente variables y poco confiables, ya que producen diversos efectos en diferentes personas en diferentes ocasiones. Eso se debe principalmente a variaciones en la cantidad y en la composición de los principios activos, especialmente en los alucinógenos derivados de plantas y hongos. Debido a su naturaleza impredecible, su uso puede ser particularmente peligroso.
LSD: Se vende en tabletas, cápsulas y ocasionalmente en forma líquida, por lo que generalmente se toma por vía oral. A menudo es agregada a un papel absorbente que se divide en pedazos decorativos, cada uno de los cuales equivale a una dosis. Las experiencias, con frecuencia conocidas como "viajes", son de larga duración y típicamente terminan después de unas 12 horas.
Peyote: La parte superior del cactus peyote, también conocida como corona, está compuesta por botones en forma de discos que se cortan de la raíz y se ponen a secar. Estos botones generalmente se mastican o se remojan en agua para producir un líquido intoxicante. La dosis alucinógena de la mezcalina es de alrededor de 0.3 a 0.5 gramos y su efecto dura unas 12 horas. Debido a que el extracto es tan amargo, algunas personas prefieren preparar una infusión haciendo hervir el cactus varias horas.
Psilocibina: Los hongos que contienen psilocibina se pueden conseguir frescos o secos y típicamente se consumen por vía oral. La psilocibina (4-fosforiloxi-N, N-dimetiltriptamina) y su forma biológicamente activa, la psilocina (4-hidroxi-N, N-dimetiltriptamina) no pierden su potencia cuando se cocinan o se congelan, por lo que se pueden preparar como té o añadir a otros alimentos para ocultar su sabor amargo. Los efectos de la psilocibina emergen a los 20 minutos de su ingestión y duran aproximadamente 6 horas.
PCP: Es un polvo blanco cristalino que se disuelve fácilmente en agua o alcohol. Tiene un gusto químico amargo distintivo. Se puede teñir fácilmente, por lo que se vende en el mercado ilícito en una gran variedad de tabletas, cápsulas y polvos de colores, y normalmente se inhala, fuma o ingiere oralmente. Para fumarla, a menudo se agrega la PCP a algún tipo de hoja como la menta, perejil, orégano o marihuana. Dependiendo de la cantidad y de la vía de consumo, los efectos de la PCP duran alrededor de 4 a 6 horas.
¿Cómo afectan los alucinógenos al cerebro?
La LSD, el peyote, la psilocibina y la PCP son drogas que producen alucinaciones, es decir, ocasionan una distorsión profunda de la percepción de la realidad. Las personas que están bajo la influencia de los alucinógenos ven imágenes, oyen sonidos y sienten sensaciones que parecen ser reales pero que no lo son. Algunos alucinógenos también producen cambios emocionales rápidos y agudos.
La LSD, el peyote y la psilocibina producen sus efectos inicialmente interrumpiendo la interacción de las células nerviosas con el neurotransmisor serotonina.
El sistema de serotonina se encuentra distribuido a lo largo del cerebro y la médula espinal y ayuda a gobernar los sistemas conductual, perceptivo y regulatorio, incluyendo el estado de ánimo, el hambre, la temperatura corporal, la conducta sexual, el control muscular y la percepción sensorial. Por otra parte, la PCP actúa principalmente a través de un tipo de receptor de glutamato en el cerebro que es importante en la percepción del dolor, las repuestas al entorno y en el aprendizaje y la memoria.
A pesar de la inexistencia de estudios controlados de investigación adecuados sobre los efectos específicos de estas drogas en el cerebro humano, se han publicado estudios menores y varios informes de casos que documentan algunos de los efectos asociados al uso de alucinógenos:
LSD: Se observan cambios más drásticos en las sensaciones y sentimientos que en la parte física en las personas bajo la influencia de la LSD. Es posible que el usuario sienta varias emociones diferentes al mismo tiempo o que pase rápidamente de una emoción a otra. Si se toma una dosis suficientemente alta, la droga produce delirio y alucinaciones visuales. El sentido del tiempo y de la identidad propia se alteran. Las sensaciones parecen "entrecruzarse", dando al usuario la impresión de oír los colores y ver los sonidos. Estos cambios pueden ser aterradores, causándole pánico al usuario. Algunas personas tienen pensamientos aterrorizantes y sentimientos de desesperación, tienen miedo de perder el control, de volverse locos o de morir cuando están usando LSD.
Los usuarios también pueden tener "flashbacks", sensaciones de "déjà vu" o reviviscencias, es decir, recurrencias alucinatorias de ciertos aspectos de sus experiencias con la droga. Un "flashback" sucede repentinamente, por lo general sin previo aviso, y puede ocurrir desde unos días hasta un año después de haber consumido LSD. En algunas personas, estas reviviscencias pueden persistir y causar gran angustia o deterioro en el funcionamiento social o laboral, lo que se conoce como el trastorno perceptivo persistente por alucinógenos (HPPD, por sus siglas en inglés).
Con el tiempo, la mayoría de los usuarios de LSD disminuyen o dejan su consumo voluntariamente. La LSD no se considera una droga adictiva ya que no produce un comportamiento caracterizado por la búsqueda compulsiva de la droga. Sin embargo, sí produce tolerancia, por lo que algunos usuarios que la usan repetidamente deben tomar dosis cada vez más altas para lograr el mismo nivel de intoxicación que habían logrado previamente. Ésta es una práctica sumamente peligrosa, dado lo impredecible que es la droga. Además, se ha reportado una tolerancia cruzada entre la LSD y otros alucinógenos.
Peyote: Aún no existe una comprensión clara de los efectos sicológicos y cognitivos residuales que perduran a largo plazo de la mezcalina, el principal ingrediente activo del peyote. Un estudio reciente no encontró evidencia de que hubiera déficits psicológicos o cognitivos en los indígenas norteamericanos que usan peyote regularmente en sus ritos religiosos.2 Sin embargo, cabe notar que estos hallazgos tal vez no se apliquen a las personas que abusan de la droga repetidamente para propósitos recreacionales. Los usuarios de peyote también pueden tener "flashbacks" o reviviscencias.
Psilocibina: Los componentes activos en los hongos "mágicos" que contienen psilocibina tienen propiedades parecidas a las de la LSD y producen alteraciones en la función autonómica, los reflejos motores, el comportamiento y la percepción.3 Las consecuencias psicológicas del uso de psilocibina incluyen alucinaciones, una percepción alterada del tiempo y la incapacidad de discernir la fantasía de la realidad. También puede haber reacciones de pánico y psicosis, especialmente si el usuario consume una dosis alta. Todos los efectos a largo plazo, incluyendo los "flashbacks", el riesgo de enfermedad psiquiátrica, el deterioro de la memoria y la tolerancia, han sido descritos en informes de casos.
PCP: En 1965 se descontinuó el uso de la PCP como anestesia aprobada en seres humanos debido a que los pacientes a menudo se mostraban agitados, delirantes e irracionales cuando se recuperaban de sus efectos anestésicos. La PCP es una "droga disociativa", es decir, que distorsiona las percepciones visuales y auditivas y produce sentimientos de aislamiento o disociación del entorno y de sí mismo. La PCP se introdujo como droga de venta en la calle en los años sesenta y rápidamente adquirió la fama de que causaba reacciones adversas y que no valía la pena el riesgo de consumirla. Sin embargo, algunos consumidores continúan usando PCP debido a la sensación de fuerza, poder e invulnerabilidad que da la droga, así como por el efecto narcótico que puede producir. Entre los efectos psicológicos adversos reportados están:
o Síntomas parecidos a los de la esquizofrenia como delirio, alucinaciones, paranoia, pensamiento perturbado y una sensación de distanciamiento del entorno.
o Perturbaciones en el estado de ánimo: alrededor del 50 por ciento de las personas que acudieron a salas de emergencia presentando problemas inducidos por el consumo de PCP en las últimas 48 horas, reportaron un aumento significativo en los síntomas de ansiedad.4
o Las personas que han abusado de PCP por periodos prolongados han reportado pérdida de memoria, dificultad para hablar y pensar, depresión y pérdida de peso. Los síntomas pueden persistir hasta un año después de haber dejado de abusar de esta droga.
o Adicción: La PCP es adictiva. Su uso repetido puede llevar al deseo vehemente por la droga y a comportamientos caracterizados por la búsqueda compulsiva de la misma a pesar de las consecuencias adversas graves.
¿Qué otros efectos adversos sobre la salud tienen los alucinógenos?
Frecuentemente hay efectos adversos desagradables como resultado del consumo de alucinógenos. Una de las razones de estos efectos es que a menudo hay gran cantidad de ingredientes psicoactivos en cualquier fuente de alucinógenos.3
LSD: Los efectos de la LSD dependen en gran parte de la cantidad que se ha consumido. La LSD dilata las pupilas y puede aumentar la temperatura corporal, la frecuencia cardiaca y la presión arterial. También puede causar sudoración profusa, pérdida de apetito, dificultad para dormir, sequedad bucal y temblores.
Peyote: Sus efectos pueden ser similares a los de la LSD e incluyen un aumento en la temperatura corporal y frecuencia cardiaca, movimientos descoordinados (ataxia), sudoración profunda y rubor. Existe por lo menos un informe que asocia a la mezcalina, el principio activo del peyote, con anomalías fetales.5
Psilocibina: Puede producir relajamiento o debilidad muscular, ataxia, dilatación excesiva de las pupilas, náusea, vómito y somnolencia. Los usuarios también corren el riesgo de envenenamiento si llegan a equivocarse creyendo que una de las muchas variedades de hongos venenosos es un hongo psilocibínico.
PCP: En dosis pequeñas a moderadas, los efectos psicológicos de la PCP incluyen un aumento leve en la frecuencia respiratoria y un aumento pronunciado en la presión arterial y la frecuencia del pulso. La respiración se vuelve superficial y puede haber rubor y sudoración profusa, entumecimiento generalizado de las extremidades y pérdida de coordinación muscular.
En dosis altas, puede disminuir la presión sanguínea, la frecuencia del pulso y la respiración. Esto puede acompañarse de náusea, visión borrosa, oscilación de los ojos, babeo, pérdida de equilibrio y mareo. Con frecuencia es necesario llevar a las personas que consumen PCP a la sala de emergencia debido a una sobredosis o por la severidad de los efectos psicológicos desfavorables de la droga. Mientras están intoxicados, los consumidores de PCP pueden mostrarse violentos o con tendencias suicidas, por lo que constituyen un peligro a sí mismos y a los demás. Las dosis altas de PCP pueden resultar en convulsiones, coma y muerte (aunque la muerte con frecuencia es el resultado de lesiones accidentales o suicidio durante un episodio de intoxicación con PCP). Debido a los efectos sedantes que también puede tener la PCP, la interacción con otros depresores del sistema nervioso central, como el alcohol y las benzodiacepinas, también puede producir el estado de coma.
¿Qué opciones de tratamiento existen?
A menudo se busca tratamiento para la intoxicación por alucinógenos alcaloideos (como la psilocibina), la cual es generalmente sintomática, cuando se tienen "viajes" malos durante los cuales el paciente puede, por ejemplo, causarse daño.6 El tratamiento usualmente es más de apoyo, por ejemplo, proveer un cuarto sin mucho ruido ni estimulación sensorial. Ocasionalmente se utilizan las benzodiacepinas para controlar la agitación extrema o las convulsiones.
Existen muy pocos datos publicados sobre los resultados de tratamientos para la intoxicación por PCP. Los médicos deben tomar en cuenta que las reacciones adversas agudas pueden ser el resultado de una sinergia con el alcohol.7 Las investigaciones actuales para manejar las sobredosis con PCP que atentan contra la vida se concentran en un enfoque de inmunización pasiva con el desarrollo de anticuerpos anti-PCP.8 Aunque no hay un tratamiento específico para el abuso y la adicción a la PCP, los tratamientos para pacientes internados, así como las terapias conductuales, suelen ayudar a los pacientes con una variedad de adicciones, entre ellas, a la PCP.
¿Cuál es la magnitud del abuso de alucinógenos?
De acuerdo con la Encuesta Nacional sobre el Uso de Drogas y la Salud (NSDUH, por sus siglas en inglés)*, en el 2007 hubo 1.1 millones de personas de 12 años de edad o mayores, que reportaron haber usado alucinógenos por primera vez en los últimos 12 meses.
LSD
Estudio de Observación del Futuro (MTF, por sus siglas en inglés) **
No hubo cambios significativos en el patrón de consumo de LSD del 2007 al 2008 en ninguna de las categorías de prevalencia entre los estudiantes que formaron parte de la encuesta de 8º, 10º y 12º grado. Sin embargo, hubo un incremento significativo entre los estudiantes de 12º grado en el uso de LSD durante el mes anterior a la encuesta. Hubo una reducción en el número de estudiantes de 12º grado que percibía que consumir LSD regularmente constituía un riesgo (del 67.3 por ciento en el 2007 al 63.6 por ciento en el 2008). Los otros cambios no fueron significativos, pero la tendencia a largo plazo indica una disminución permanente en la percepción, entre los estudiantes de los tres grados, de que el uso de LSD es nocivo. Estos cambios en actitud pueden señalar un aumento futuro en el consumo, un resultado altamente preocupante después de las grandes reducciones que se han visto desde mediados de los años noventa, época en que el consumo de LSD entre los jóvenes llegó a su punto máximo.
http://www.drugabuse.gov/infofacts/lsd-sp.html
Aun cuando los mecanismos exactos de cómo estas sustancias ejercen sus efectos alucinógenos todavía no están claros, las investigaciones indican que estas drogas trabajan, por lo menos parcialmente, interfiriendo temporalmente con la acción del neurotransmisor o ligándose a los sitios de sus receptores. Este InfoFacts aborda cuatro tipos comunes de alucinógenos:
LSD (dietilamida del ácido lisérgico-d): Es una de las sustancias químicas más potentes que alteran el estado de ánimo. Fue descubierta en 1938 y se fabrica a partir del ácido lisérgico, que se encuentra en el cornezuelo, un hongo que crece en el centeno y otros granos.
Peyote: Es un cactus pequeño sin espinas cuyo ingrediente principal activo es la mezcalina. Esta planta ha sido utilizada por los nativos del norte de México y del suroeste de los Estados Unidos en sus ceremonias religiosas. La mezcalina también se puede producir a través de una síntesis química.
Psilocibina (4-fosforiloxi-N, N-dimetiltriptamina): Se obtiene de ciertos tipos de hongos originarios de las regiones tropicales y subtropicales de América del Sur, México y los Estados Unidos. Por lo general, estos hongos contienen menos del 0.5 por ciento de psilocibina además de cantidades mínimas de psilocina, otra sustancia alucinógena.
PCP (fenciclidina): Se desarrolló en los años cincuenta como una anestesia intravenosa, pero su uso se descontinuó debido a sus efectos secundarios sumamente adversos.
¿Cómo se abusan los alucinógenos?
Las mismas características que hicieron que los alucinógenos fueran usados en ritos y tradiciones espirituales también los impulsaron a ser usados como drogas de abuso. En particular, y a diferencia de la mayoría de las drogas, los efectos de los alucinógenos son altamente variables y poco confiables, ya que producen diversos efectos en diferentes personas en diferentes ocasiones. Eso se debe principalmente a variaciones en la cantidad y en la composición de los principios activos, especialmente en los alucinógenos derivados de plantas y hongos. Debido a su naturaleza impredecible, su uso puede ser particularmente peligroso.
LSD: Se vende en tabletas, cápsulas y ocasionalmente en forma líquida, por lo que generalmente se toma por vía oral. A menudo es agregada a un papel absorbente que se divide en pedazos decorativos, cada uno de los cuales equivale a una dosis. Las experiencias, con frecuencia conocidas como "viajes", son de larga duración y típicamente terminan después de unas 12 horas.
Peyote: La parte superior del cactus peyote, también conocida como corona, está compuesta por botones en forma de discos que se cortan de la raíz y se ponen a secar. Estos botones generalmente se mastican o se remojan en agua para producir un líquido intoxicante. La dosis alucinógena de la mezcalina es de alrededor de 0.3 a 0.5 gramos y su efecto dura unas 12 horas. Debido a que el extracto es tan amargo, algunas personas prefieren preparar una infusión haciendo hervir el cactus varias horas.
Psilocibina: Los hongos que contienen psilocibina se pueden conseguir frescos o secos y típicamente se consumen por vía oral. La psilocibina (4-fosforiloxi-N, N-dimetiltriptamina) y su forma biológicamente activa, la psilocina (4-hidroxi-N, N-dimetiltriptamina) no pierden su potencia cuando se cocinan o se congelan, por lo que se pueden preparar como té o añadir a otros alimentos para ocultar su sabor amargo. Los efectos de la psilocibina emergen a los 20 minutos de su ingestión y duran aproximadamente 6 horas.
PCP: Es un polvo blanco cristalino que se disuelve fácilmente en agua o alcohol. Tiene un gusto químico amargo distintivo. Se puede teñir fácilmente, por lo que se vende en el mercado ilícito en una gran variedad de tabletas, cápsulas y polvos de colores, y normalmente se inhala, fuma o ingiere oralmente. Para fumarla, a menudo se agrega la PCP a algún tipo de hoja como la menta, perejil, orégano o marihuana. Dependiendo de la cantidad y de la vía de consumo, los efectos de la PCP duran alrededor de 4 a 6 horas.
¿Cómo afectan los alucinógenos al cerebro?
La LSD, el peyote, la psilocibina y la PCP son drogas que producen alucinaciones, es decir, ocasionan una distorsión profunda de la percepción de la realidad. Las personas que están bajo la influencia de los alucinógenos ven imágenes, oyen sonidos y sienten sensaciones que parecen ser reales pero que no lo son. Algunos alucinógenos también producen cambios emocionales rápidos y agudos.
La LSD, el peyote y la psilocibina producen sus efectos inicialmente interrumpiendo la interacción de las células nerviosas con el neurotransmisor serotonina.
El sistema de serotonina se encuentra distribuido a lo largo del cerebro y la médula espinal y ayuda a gobernar los sistemas conductual, perceptivo y regulatorio, incluyendo el estado de ánimo, el hambre, la temperatura corporal, la conducta sexual, el control muscular y la percepción sensorial. Por otra parte, la PCP actúa principalmente a través de un tipo de receptor de glutamato en el cerebro que es importante en la percepción del dolor, las repuestas al entorno y en el aprendizaje y la memoria.
A pesar de la inexistencia de estudios controlados de investigación adecuados sobre los efectos específicos de estas drogas en el cerebro humano, se han publicado estudios menores y varios informes de casos que documentan algunos de los efectos asociados al uso de alucinógenos:
LSD: Se observan cambios más drásticos en las sensaciones y sentimientos que en la parte física en las personas bajo la influencia de la LSD. Es posible que el usuario sienta varias emociones diferentes al mismo tiempo o que pase rápidamente de una emoción a otra. Si se toma una dosis suficientemente alta, la droga produce delirio y alucinaciones visuales. El sentido del tiempo y de la identidad propia se alteran. Las sensaciones parecen "entrecruzarse", dando al usuario la impresión de oír los colores y ver los sonidos. Estos cambios pueden ser aterradores, causándole pánico al usuario. Algunas personas tienen pensamientos aterrorizantes y sentimientos de desesperación, tienen miedo de perder el control, de volverse locos o de morir cuando están usando LSD.
Los usuarios también pueden tener "flashbacks", sensaciones de "déjà vu" o reviviscencias, es decir, recurrencias alucinatorias de ciertos aspectos de sus experiencias con la droga. Un "flashback" sucede repentinamente, por lo general sin previo aviso, y puede ocurrir desde unos días hasta un año después de haber consumido LSD. En algunas personas, estas reviviscencias pueden persistir y causar gran angustia o deterioro en el funcionamiento social o laboral, lo que se conoce como el trastorno perceptivo persistente por alucinógenos (HPPD, por sus siglas en inglés).
Con el tiempo, la mayoría de los usuarios de LSD disminuyen o dejan su consumo voluntariamente. La LSD no se considera una droga adictiva ya que no produce un comportamiento caracterizado por la búsqueda compulsiva de la droga. Sin embargo, sí produce tolerancia, por lo que algunos usuarios que la usan repetidamente deben tomar dosis cada vez más altas para lograr el mismo nivel de intoxicación que habían logrado previamente. Ésta es una práctica sumamente peligrosa, dado lo impredecible que es la droga. Además, se ha reportado una tolerancia cruzada entre la LSD y otros alucinógenos.
Peyote: Aún no existe una comprensión clara de los efectos sicológicos y cognitivos residuales que perduran a largo plazo de la mezcalina, el principal ingrediente activo del peyote. Un estudio reciente no encontró evidencia de que hubiera déficits psicológicos o cognitivos en los indígenas norteamericanos que usan peyote regularmente en sus ritos religiosos.2 Sin embargo, cabe notar que estos hallazgos tal vez no se apliquen a las personas que abusan de la droga repetidamente para propósitos recreacionales. Los usuarios de peyote también pueden tener "flashbacks" o reviviscencias.
Psilocibina: Los componentes activos en los hongos "mágicos" que contienen psilocibina tienen propiedades parecidas a las de la LSD y producen alteraciones en la función autonómica, los reflejos motores, el comportamiento y la percepción.3 Las consecuencias psicológicas del uso de psilocibina incluyen alucinaciones, una percepción alterada del tiempo y la incapacidad de discernir la fantasía de la realidad. También puede haber reacciones de pánico y psicosis, especialmente si el usuario consume una dosis alta. Todos los efectos a largo plazo, incluyendo los "flashbacks", el riesgo de enfermedad psiquiátrica, el deterioro de la memoria y la tolerancia, han sido descritos en informes de casos.
PCP: En 1965 se descontinuó el uso de la PCP como anestesia aprobada en seres humanos debido a que los pacientes a menudo se mostraban agitados, delirantes e irracionales cuando se recuperaban de sus efectos anestésicos. La PCP es una "droga disociativa", es decir, que distorsiona las percepciones visuales y auditivas y produce sentimientos de aislamiento o disociación del entorno y de sí mismo. La PCP se introdujo como droga de venta en la calle en los años sesenta y rápidamente adquirió la fama de que causaba reacciones adversas y que no valía la pena el riesgo de consumirla. Sin embargo, algunos consumidores continúan usando PCP debido a la sensación de fuerza, poder e invulnerabilidad que da la droga, así como por el efecto narcótico que puede producir. Entre los efectos psicológicos adversos reportados están:
o Síntomas parecidos a los de la esquizofrenia como delirio, alucinaciones, paranoia, pensamiento perturbado y una sensación de distanciamiento del entorno.
o Perturbaciones en el estado de ánimo: alrededor del 50 por ciento de las personas que acudieron a salas de emergencia presentando problemas inducidos por el consumo de PCP en las últimas 48 horas, reportaron un aumento significativo en los síntomas de ansiedad.4
o Las personas que han abusado de PCP por periodos prolongados han reportado pérdida de memoria, dificultad para hablar y pensar, depresión y pérdida de peso. Los síntomas pueden persistir hasta un año después de haber dejado de abusar de esta droga.
o Adicción: La PCP es adictiva. Su uso repetido puede llevar al deseo vehemente por la droga y a comportamientos caracterizados por la búsqueda compulsiva de la misma a pesar de las consecuencias adversas graves.
¿Qué otros efectos adversos sobre la salud tienen los alucinógenos?
Frecuentemente hay efectos adversos desagradables como resultado del consumo de alucinógenos. Una de las razones de estos efectos es que a menudo hay gran cantidad de ingredientes psicoactivos en cualquier fuente de alucinógenos.3
LSD: Los efectos de la LSD dependen en gran parte de la cantidad que se ha consumido. La LSD dilata las pupilas y puede aumentar la temperatura corporal, la frecuencia cardiaca y la presión arterial. También puede causar sudoración profusa, pérdida de apetito, dificultad para dormir, sequedad bucal y temblores.
Peyote: Sus efectos pueden ser similares a los de la LSD e incluyen un aumento en la temperatura corporal y frecuencia cardiaca, movimientos descoordinados (ataxia), sudoración profunda y rubor. Existe por lo menos un informe que asocia a la mezcalina, el principio activo del peyote, con anomalías fetales.5
Psilocibina: Puede producir relajamiento o debilidad muscular, ataxia, dilatación excesiva de las pupilas, náusea, vómito y somnolencia. Los usuarios también corren el riesgo de envenenamiento si llegan a equivocarse creyendo que una de las muchas variedades de hongos venenosos es un hongo psilocibínico.
PCP: En dosis pequeñas a moderadas, los efectos psicológicos de la PCP incluyen un aumento leve en la frecuencia respiratoria y un aumento pronunciado en la presión arterial y la frecuencia del pulso. La respiración se vuelve superficial y puede haber rubor y sudoración profusa, entumecimiento generalizado de las extremidades y pérdida de coordinación muscular.
En dosis altas, puede disminuir la presión sanguínea, la frecuencia del pulso y la respiración. Esto puede acompañarse de náusea, visión borrosa, oscilación de los ojos, babeo, pérdida de equilibrio y mareo. Con frecuencia es necesario llevar a las personas que consumen PCP a la sala de emergencia debido a una sobredosis o por la severidad de los efectos psicológicos desfavorables de la droga. Mientras están intoxicados, los consumidores de PCP pueden mostrarse violentos o con tendencias suicidas, por lo que constituyen un peligro a sí mismos y a los demás. Las dosis altas de PCP pueden resultar en convulsiones, coma y muerte (aunque la muerte con frecuencia es el resultado de lesiones accidentales o suicidio durante un episodio de intoxicación con PCP). Debido a los efectos sedantes que también puede tener la PCP, la interacción con otros depresores del sistema nervioso central, como el alcohol y las benzodiacepinas, también puede producir el estado de coma.
¿Qué opciones de tratamiento existen?
A menudo se busca tratamiento para la intoxicación por alucinógenos alcaloideos (como la psilocibina), la cual es generalmente sintomática, cuando se tienen "viajes" malos durante los cuales el paciente puede, por ejemplo, causarse daño.6 El tratamiento usualmente es más de apoyo, por ejemplo, proveer un cuarto sin mucho ruido ni estimulación sensorial. Ocasionalmente se utilizan las benzodiacepinas para controlar la agitación extrema o las convulsiones.
Existen muy pocos datos publicados sobre los resultados de tratamientos para la intoxicación por PCP. Los médicos deben tomar en cuenta que las reacciones adversas agudas pueden ser el resultado de una sinergia con el alcohol.7 Las investigaciones actuales para manejar las sobredosis con PCP que atentan contra la vida se concentran en un enfoque de inmunización pasiva con el desarrollo de anticuerpos anti-PCP.8 Aunque no hay un tratamiento específico para el abuso y la adicción a la PCP, los tratamientos para pacientes internados, así como las terapias conductuales, suelen ayudar a los pacientes con una variedad de adicciones, entre ellas, a la PCP.
¿Cuál es la magnitud del abuso de alucinógenos?
De acuerdo con la Encuesta Nacional sobre el Uso de Drogas y la Salud (NSDUH, por sus siglas en inglés)*, en el 2007 hubo 1.1 millones de personas de 12 años de edad o mayores, que reportaron haber usado alucinógenos por primera vez en los últimos 12 meses.
LSD
Estudio de Observación del Futuro (MTF, por sus siglas en inglés) **
No hubo cambios significativos en el patrón de consumo de LSD del 2007 al 2008 en ninguna de las categorías de prevalencia entre los estudiantes que formaron parte de la encuesta de 8º, 10º y 12º grado. Sin embargo, hubo un incremento significativo entre los estudiantes de 12º grado en el uso de LSD durante el mes anterior a la encuesta. Hubo una reducción en el número de estudiantes de 12º grado que percibía que consumir LSD regularmente constituía un riesgo (del 67.3 por ciento en el 2007 al 63.6 por ciento en el 2008). Los otros cambios no fueron significativos, pero la tendencia a largo plazo indica una disminución permanente en la percepción, entre los estudiantes de los tres grados, de que el uso de LSD es nocivo. Estos cambios en actitud pueden señalar un aumento futuro en el consumo, un resultado altamente preocupante después de las grandes reducciones que se han visto desde mediados de los años noventa, época en que el consumo de LSD entre los jóvenes llegó a su punto máximo.
http://www.drugabuse.gov/infofacts/lsd-sp.html
Suscribirse a:
Entradas (Atom)