POP Art: Arte del consumismo. En contra de lá ideología contracultural de los 60'

Arte pop

El Arte Pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books y objetos culturales «mundanos». El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en el Bellas artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras,1 además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.1
El arte pop y el «minimalismo» son considerados los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno, aunque inclusive se les llega a considerar como los ejemplos más tempranos de éste.

Introducción

El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto. De cualquier forma, el arte pop también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones.3 Del mismo modo, el arte pop era tanto una extensión como un repudio del Dadaísmo.3 Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop reemplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada. Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp, Kurt Schwitters y Man Ray.

El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos.4 con diferentes motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos»5 ) y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto.3

En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular norteamericana, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad.

El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como una serie de ideas alimentadas por la cultura popular norteamericana vista desde lejos, mientras que los artistas norteamericanos estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura.6
La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.1

En el Reino Unido: El grupo independiente

El Grupo independiente, fundado en Londres en 1952, es reconocido como el precursor del movimiento artístico pop.4 7 Eran un grupo de jóvenes pintores, escultores, arquitectos, escritores y críticos que desafiaban la visión modernista de la cultura así como la perspectiva tradicional de ver las Bellas artes. Las discusiones del grupo se centraban en la cultura popular y la implicación de la aparición de dichos elementos de comerciales, películas , tiras cómicas, ciencia ficción y la tecnología. Durante la primera reunión del Grupo independiente en 1952, el co-fundador, artista y escultor Eduardo Paolozzi presentó una lectura utilizando una serie de collages titulado Bunk!, el cual había ensamblado durante su estancia en París entre 1947 y 1949.4 7 El material consistía en «objetos encontrados» tales como anuncios, personajes de tiras cómicas, portadas de revistas y material gráfico que representaba la cultura norteamericana. Una de las imágenes utilizada en dicha presentación fue un collage de 1947 de Paolozzi titulado I was a Rich Man's Plaything, el cual incluye la primera vez en que se utilizó la palabra “pop!″, la cual aparecía en una nube de humo que emergía de un revólver.4 8 Después de dicha presentación, el grupo independiente se enfocó principalmente en el uso de imágenes de la cultura norteamericana, principalmente aquellas que aparecían en los medios de comunicación masivos.

El término arte pop fue acuñado finalmente por John McHale en 1954 con la finalidad de describir el movimiento. Éste fue utilizado en las discusiones del Grupo independiente durante su segunda sesión realizada en 1955 y la primera aparición de dicho término en una publicación impresa tuvo lugar en 1956, en un artículo publicado en Arc por parte de los miembros del Grupo Alison y Peter Smithson.9 sin embargo el término generalmente es acreditado al crítico y curador británico Lawrence Alloway, quien en un ensayo titulado The Arts and the Mass Media (las artes y los medios masivos) de 1958 utilizó el término «popular mass culture» (cultura popular de las masas).

El arte pop estadounidense

Andy Warhol, figura del arte pop estadounidense, en 1977.

Tuvo su origen a finales de los años 1950 pero tuvo su mayor ímpetu en la década de 1960. Durante este tiempo, los anuncios norteamericanos habían adoptado varios elementos e inflexiones del arte moderno y funcionaban a un nivel muy sofisticado. Consecuentemente, los artistas norteamericanos buscaron estilos dramáticos que distanciaran el arte de los bien designados e inteligentes materiales comerciales.6 A diferencia del estilo más romántico, sentimental y humorístico de Inglaterra, los artistas norteamericanos produjeron obras de mayor fuerza y agresividad.

Dos de los más importantes dibujantes en el establecimiento del vocabulario del arte pop en este país fueron Jasper Johns y más particularmente Robert Rauschenberg.7 Aunque los dibujos de Rauschenberg tenían una obvia relación con los trabajos previos de Kurt Schwitters y otros dadaístas, se enfocaba en la sociedad del momento. Su acercamiento hacia la creación de elementos por medio de materiales efímeros sobre temas ordinarios de la vida diaria en Estados Unidos le dio una calidad única.

En España

En España el estudio del arte pop está asociado con el «nuevo figurativismo» que surgió a raíz de la crisis del informalismo.
Entre los españoles que trabajaron en proximidad con este planteamiento podemos mencionar el «Equipo Crónica», el cual trabajó en Valencia entre 1964 y 1981, formado por artistas como Manolo Valdés y Rafael Solbes
El productor de cine Pedro Almodóvar emergió de la subcultura madrileña «La Movida» de la década de 1970 haciendo películas pop de 8 milímetros de bajo presupuesto.

En Japón

El arte pop en Japón es único e identificable debido a su estilo. Muchos artistas pop se inspiraron en el anime y algunas veces en el ukiyo-e, una forma artística tradicional japonesa. El artista japonés más conocido es Takashi Murakami, cuyas obras intentan llegar al público juvenil.

El arte pop y el cómic

Son multitud las obras de arte pop basadas en historietas. Román Gubern destaca Flash (1963) de Richard Pettibone, Tricky Cad (1959) de Jess Collins, Dick Tracy (1960) de Andy Warhol y "Good Mornig, Darling" (1964) and "As I Opened Fire" (1964) de Roy Lichtenstein. Con los años, algunos historietistas serían influidos a su vez por el Pop-Art. Es el caso del belga Guy Peellaert, autor de obras como Jodelle (1966) y Pravda la Survireuse (1968).12

Artistas notables

• Billy Apple
• Sir Peter Blake
• Derek Boshier
• Patrick Caulfield
• Alan D’Arcangelo
• Jim Dine
• Roxymarg Flores
• William Eggleston
• Erró
• Marisol Escobar
• Red Grooms
• Richard Hamilton
• Keith Haring
• David Hockney
• Robert Indiana
• Jasper Johns
• Allen Jones
• Alex Katz
• Corita Kent
• Nicholas Krushenick
• Yayoi Kusama
• Roy Lichtenstein
• Richard Lindner
• John McHale
• Peter Max
• Takashi Murakami
• Yoshitomo Nara
• Claes Oldenburg
• Julian Opie
• Eduardo Paolozzi
• Peter Phillips
• Sigmar Polke
• Hariton Pushwagner
• Mel Ramos
• Robert Rauschenberg
• Larry Rivers
• James Rosenquist
• Ed Ruscha
• George Segal
• Colin Self
• Aya Takano
• Wayne Thiebaud
• Andy Warhol
• John Wesley
• Tom Wesselmann
• Francisco Jáuregui
• Ángela Sampayo
• Guillermo Fernández


http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_pop

Pop Art

El Pop Art es un movimiento artístico que utiliza la técnica de la yuxtaposición de diferentes elementos: cera, oleo, pintura plástica.....con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, assemblages...etc. Este movimiento irónico de pintura,surge en 1960 en Norteamérica.

El Pop es una manifestación occidental que ha ido creciendo bajo la sombra de las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. Norteamérica es el centro del programa, con lo cual se produce la americanización de la cultura de todo el mundo Occidental, en especial la de Europa.

El Pop nace en dos ciudades: New York y Londres.
Los temas pictóricos del "Pop Art" estan motivados por la vida cotidiana, reflejan las realidades de una época y refuerzan el cambio cultural. La Coca-Cola, los Helados, el Seven-Up, la Pepsi-Cola, la Pasta de dientes, la Sopa de conserva, los Cigarrillos....se convierte en la iconografía del "Pop Art".

1960-1970 1970-1980
1980-1990 1990-2000

El Pop Art se divide en cuatro fases

La primera fase o pre-pop: En la cual Rauchemberg y Johns (principales exponentes) se separan del Expresionismo Abstracto.

La fase de apogéo del "Pop-art": Su obra se basa en los años 50's y parte de las experiencias del dibujo publicitario, el diseño y la pintura de los carteles.

Principales exponentes: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Tom Wesselman y Robert Indiana.

La tercera fase: A mediados de los 60´s el pop americano sufre una extensión desde New York, hasta la costa Oeste y Canadá. Más tarde también llegaría hasta Europa.

Última fase: Se podría decir que la última fase está determinada por el realismo radical y mordaz desarrollado sobre todo en Estados Unidos, cuya mirada se dirige a las condiciones socialistas de las ciudades.

Nacen los Hipies: La juventud que se oponía a la sociedad de consumo; consumidores de estupefacientes, proclaman el pacifismo, su lema: "haz el amor, no la guerra".

http://artpop.htmlplanet.com/popart.htm

Muchas veces escuchamos este término y lo primero en lo que pensamos es en la cara de Marilyn Monroe pintada por Andy Warhol. Pero el Pop Art es mucho más que eso. Es un movimiento cultural, no sólo artístico, que surgió en los años 60 y tiene mucho que ver con el estado de una época. Como adjetivo de arte, Pop establece asociaciones con los diferentes elementos superficiales de la sociedad. Los términos de los valores "hermoso, bueno, auténtico", se convierten en palabras huecas ante la creciente comercialización dentro de la realidad social. Es decir que el espíritu consumista se instala para quedarse y esto se refleja en las artes. El Pop es una manifestación absolutamente occidental que se desarrolla principalmente en América y posteriormente conquista Europa, aunque los países del bloque comunista apenas acceden a él.

http://artpop.htmlplanet.com/concepto.htm

EXISTENCIALISMO: Filosofía de Sartre e influencia en los años 60'

El existencialismo

Hacia la tercera década del siglo XX, surge en Alemania el existencialismo y de allí se difunde por el resto de Europa, especialmente en Francia. Esta escuela, podría interpretarse como una reacción ante un período de crisis de conciencia a nivel social y cultural.
Los existencialistas afirman que el hombre es un ser "arrojado al mundo", esta frase parece expresar el sentir europeo de aquellos años y puede ser interpretada de modo literal: los europeos se sienten arrojados en mundo inhóspito, arrojados de sus hogares destruidos y de la seguridad de sus creencias, valores e ideales.

La existencia

En general, el concepto de "existencia" se contrapone a esencia y no es, en principio, un término que pueda ser definido ya que la definición se refiere a la esencia. Pero para los existencialistas, este término tiene un significado restringido, es el modo de ser propio del hombre.

Así solo el hombre "existe" propiamente, puesto que "hombre" y "existencia" son tenidas por sinónimos. Y en este sentido, la existencia implica libertad y conciencia, en palabras de Jaspers:
Existencia es lo que nunca es objeto; es el origen a partir del cual yo pienso y actúa, sobre el cual hablo en pesamientos que no son conocimiento de algo: 'existencia' es lo que se refiere y relaciona con signo mismo y, en ello, con su propia trascendencia.

Jaspers, Filosofía
Así entonces, el hombre existe en la medida en que es origen de sí m ismo y se hace a sí mismo por medio de sus eleciones libres. Sartre dirá que en el hombre, la existencia precede la esencia... o en otras palabras, que el hombre es libertad:
Lo que llamamos 'libertad' no puede, por tanto, ser distinguido del ser de la 'realidad humana' Sartre, El ser y la nada

De modo diferente en Heidegger, la existencia del hombre no es anterior a su esencia porque su esencia consiste en la misma existencia.

Las consecuencias de identifcar la existencia con el ser humano son que las cosas "son" pero no "existen" en un sentido estricto y por otra parte, la existencia del hombre puede ser inauténtica si renuncia a su libertad.

Existir: estar en el mundo

Para el existencialismo, existir es estar en el mundo y relacionarse con las cosas y otros seres existentes. Pero no se trata simplemente de estar entre las cosas, sino en dirigirse hacia ellas. Esta actitud se entiende como trascendencia, esto es, salir de la propia conciencia para dirigirse hacia el Mundo.

Estar en el Mundo es algo plenamente activo. El hobmre está entre las otras cosas, andando entre ellas de una manera interesada (práctica): cuida las cosas, se ocupa de ellas. Así, el hombre crea lo único que constituye su 'verdadero' mundo. un conjunto de relaciones de los últiles entre sí y respecto al hombre. Así se constituye el espacio humano del Mundo.

La posibilidad y la libertad

Un concepto central dentro del existencialismo es el de posiblidad el cual se identifica con la libertad puesto que soy libre porque posee posibilidades y gracias a ello es que me hago a mí mismo.

La angustia

No solo la razón descubre la realidad, sentimientos básicos como la angustia nos hacen experimentar mejor lo que es la existencia. Kierkegarrd se refiere a esta sensación y la distingue del temor porque a difierencia de este, la angustia no posee un objeto definido y nace justamente de las posiblidades sin garantías que ofrece la existencia.

'La nausea' de Sartre refiere a lo absurdo del existir, todo es contingente y no hay nada que pueda explicar la existencia.

http://filosofia.idoneos.com/index.php/350148

El existente humano

Para Kierkegaard, principal antecedente del existencialismo, la existencia es ante todo un existente: el existente humano. Se trata de aquel cuyo 'ser' consiste en la subjetividad, en pura libertad de elección. No puede hablarse de la esencia de la existencia, solo puede hablarse de 'este existente' o 'aquel existente' y la verdad de éstos no es sino la 'subjetividad'.

La primacía de la existencia sobre la esencia

Así, para Kierkegaard, existir equivale a tomar una 'decisión última' respecto a la absoluta trascendencia divina y tal descisión determina 'el momento' que no es ni la mera fluencia del 'tiempo universal' ni tampoco una participación cualquiera en un mundo inteligible eterno. En este contexto, la filosofía no es especulación sino 'decisión' en tanto supone una afirmación de existencias.

Este prioridad que Kierkegaard otroga a la existencia sobre la esencia, será común a muchos otros autores contemporáneos como Nietzsche, Dilthey, Bergson, Sartre y Heidegger, aún cuando todos ellos partieron de supuestos diferentes.

http://filosofia.idoneos.com/index.php/Existencialismo

Jean Paul Sartre (1905-1980)

Podría decirse que Jean Paul Sartre presenta la visión francesa de la visión de Heidegger. Para él, el existencialismo es explorar las consecuencias de un ateísmo coherente.
La filosofía de Sartre se caracteriza por un ateísmo explícitamente pesimista, en tanto que los seres humanos aunque necesitan una base racional para sus vidas, son incapaces de conseguirla. Para Sartre, el existencialismo es una forma de humanismo en tanto resta la libertad, la elección y la responsabilidad que son propiamente humanas.

Sartre realizará una distinción ontológica entre “el ser en si” y el “ser para sí”, de esta forma, intentará establecer una diferencia entre el hombre y el mundo. Porque mientras que “el ser en sí” es lo que es, careciendo de toda relación, como masa indiferenciada, refiere al mundo; el “ser para sí” describe la conciencia humana de modo tal que está en el mundo, en “el ser en sí” aunque es totalmente diferente de éste.

Los conceptos de Dios y Creación son absurdos. Dios no existe y por lo tanto todas las cosas del mundo son contingentes porque ningún valor es superior a otro. Las cosas carecen de sentido y fundamento siendo vana la necesidad de hallarlo en tanto el hombre es “una pasión inútil”.

La Libertad
El “ser para sí” es libre y está condenado a la libertad: "el hombre es ahora absolutamente libre. Pero esta libertad no es un don, sino que el hombre se halla condenado a ella, condenado porque para que la libertad sea plena libertad, no puede haber nada enfrentado normativamente al hombre, ni fe en Dios, ni verdades, ni valores". Sartre
A grandes rasgos, se trata de una perspectiva nihilista: El hombre se encuentra solo en un mundo hostil, no tiene otra salida que a sí mismo.

http://filosofia.idoneos.com/index.php/352061

Existencialismo - Una Definición

El Existencialismo, en su sentido más amplio, es una filosofía del siglo XX centrada en el análisis de la existencia y en la manera en que los humanos existen en el mundo. La idea es que los humanos primero existen y luego cada individuo pasa toda su vida cambiando su esencia o naturaleza.

En términos más simples, el existencialismo es una filosofía con la búsqueda de sí mismo y el significado de la vida a través del libre albedrío, de elección, y de la responsabilidad personal. La creencia es que la gente está tratando de encontrar quiénes y qué son a lo largo de sus vidas, a medida que toman decisiones basadas en sus experiencias, creencias, y perspectivas. Y las decisiones personales se tornan únicas sin la necesidad de una forma objetiva de la verdad. Un existencialista cree que una persona debe estar obligada a tomar decisiones y a ser responsable, sin la ayuda de leyes, reglas étnicas, ni tradiciones.

Existencialismo - Qué es, y qué no es

El existencialismo toma en consideración los conceptos siguientes:

• El libre albedrío humano
• La naturaleza humana es elegida mediante las decisiones de la vida.
• Una persona es mejor cuando lucha contra su naturaleza individual, peleando por la vida.
• Las decisiones no vienen sin estrés, o sin consecuencias
• Hay cosas que no son racionales
• La responsabilidad personal y la disciplina son cruciales
• La sociedad es antinatural y sus religiones tradicionales y reglas seculares son arbitrarias
• Los deseos mundanos son inútiles
El existencialismo está ampliamente definido en una variedad de conceptos y no puede haber una sola respuesta a lo que realmente es, aún así no apoya ninguna de las siguientes:
• La riqueza, el placer, o el honor hacen buena a la vida
• Los valores y estructuras sociales controlan al individuo
• Aceptar lo que es y eso es suficiente en la vida
• La ciencia puede y hará que todo sea mejor
• La gente es básicamente buena pero la sociedad o fuerzas externas la estropean
• La mentalidad de "¡Quiero hacer mi voluntad ahora!" o "¡No es culpa mía!"

Existe una amplia variedad de ideologías filosóficas, religiosas y políticas que conforman el existencialismo, así que no existe ningún acuerdo universal en un conjunto arbitrario de ideales y creencias. Las políticas varían, pero cada una busca la máxima libertad individual para la gente dentro de una sociedad.

Existencialismo - Impacto en la Sociedad

Las ideas existencialistas surgieron en un tiempo en la sociedad cuando prevalecía una gran desesperanza, a continuación de la Gran Depresión y de la Segunda Guerra Mundial. Hubo un espíritu de optimismo en la sociedad que fue destruido por la Primera Guerra Mundial y las calamidades a mediados del siglo. Esta desesperanza ha sido articulada por filósofos existencialistas hasta bien entrados los años 70, y continúa siéndolo hasta hoy como una forma popular de pensamiento y razonamiento (con la libertad de escoger el sistema moral y estilo de vida preferido de cada quien).

Un existencialista podría ser un moralista religioso, un relativista agnóstico, o un ateo amoral. Kierkegaard, un filósofo religioso, Nietzsche, un anti-cristiano, Sartre, un ateo, y Camus, un ateo, son reconocidos por sus trabajos y escritos sobre el existencialismo. Sartre se destacó por atraer la mayor atención internacional hacia el existencialismo en el siglo XX.

Cada uno, básicamente concuerda en que la vida humana no está de ninguna manera completa, y no es enteramente satisfactoria debido a los sufrimientos y pérdidas que ocurren al considerar la falta de perfección, de poder, y de control que uno tiene sobre su vida. Aunque concuerdan en que la vida no es óptimamente satisfactoria, concuerdan, sin embargo, en que tiene significado. El existencialismo es un viaje y una búsqueda del verdadero yo, y del verdadero significado personal en la vida.

Más importante aún, es el acto arbitrario que el existencialismo considera como el más censurable que existe, cuando alguna persona o sociedad trata de imponer, o exigir que sus creencias, valores, o reglas, sean aceptados y obedecidos fielmente. Los existencialistas creen que esto destruye el individualismo y convierte a una persona en lo que la gente en el poder desea que sea, siendo, de esta manera, deshumanizados y reducidos a ser un objeto. El existencialismo luego acentúa que el juicio de una persona es el factor determinante para lo que se debe creer, en lugar de valores arbitrarios mundiales seculares o religiosos.

http://www.allaboutphilosophy.org/spanish/existencialismo.htm

EXISTENCIALISMO
MOVIMIENTO FILOSÓFICO DEL SIGLO XX QUE PONE EN LA EXISTENCIA EL CENTRO DE TODA LA REFLEXIÓN FILOSÓFICA.

Cuando los filósofos que se incluyen en este movimiento reivindican la reflexión sobre la existencia como el tema filosófico fundamental no se refieren a la existencia como categoría abstracta, ni a la existencia de las cosas o realidades no humanas, se refieren a la existencia humana concreta. Y en su tratamiento de esta existencia emplean dos estrategias:

•Como método filosófico, rehuyen el pensamiento especulativo, la construcción de teorías filosóficas a partir de puros conceptos, y prefieren el método fenomenológico, entendido básicamente como fidelidad absoluta a lo dado, a lo realmente experimentado, como descripción de lo que se ofrece inmediatamente en la esfera de la vida; su actitud contraria a los enfoques abstractos de lo humano les lleva también a criticar el uso de la razón matematizante para la comprensión de la realidad humana, y por lo tanto a recelar de la ciencia y de la técnica;

• En cuanto a las facetas fundamentales de la existencia objeto de su interés, atienden básicamente a la dimensión de la finitud en el mundo humano: la temporalidad, la muerte, la culpa, la fragilidad de la existencia, la responsabilidad, el compromiso, la autenticidad, la subjetividad, la libertad,...

El existencialismo comienza en el período de entre guerras y tiene su máximo momento de esplendor tras la segunda guerra mundial, particularmente en Francia. Es habitual señalar a Søren Kierkegaard (1813-1855) como un precursor de esta corriente; el propio Jean-Paul Sartre (1905-1980), en su obra “El existencialismo es un humanismo”, destaca dos versiones en este movimiento:

• el existencialismo católico: Karl Jaspers (1883-1969) y Gabriel Marcel (1889-1973);
• el existencialismo ateo: en donde sitúa a Martin Heidegger (1889-1976) y a su propia filosofía.

En la citada obra, Sartre atribuye a su versión del existencialismo los siguientes rasgos:

1.Tesis fundamental: es un ateísmo consecuente; puesto que Dios no existe, no existe la naturaleza humana; el hombre no tiene esencia o naturaleza, es lo que él mismo se ha hecho; en el la existencia precede a la esencia.

2. El hombre es un proyecto que se vive subjetivamente: lo que mueve a las personas son sus proyectos, su preocupación por la realización de su ser; pero estos proyectos y los ideales involucrados en ellos, no existen previamente a su decisión de realizarlos, no están trazados previamente por un destino, una naturaleza o una tabla de valores objetivos.

3. El hombre es responsable de sí mismo y de todos los hombres: somos responsables de nosotros mismos porque lo que somos depende de lo que hemos querido ser, no de un destino divino, ni de una circunstancia social, ni de una predisposición biológica o natural; pero somos también responsables de los demás porque al elegir unos valores, elegimos una imagen del hombre tal y como debe ser; “nuestra acción compromete a la humanidad entera”.

4. La libertad humana trae consigo los sentimientos de angustia, desamparo y desesperación. Angustia ante el hecho de que es uno mismo el responsable de sí mismo y de los demás; desamparo porque la elección se hace en soledad, no existe una tabla de valores en la que apoyarse, ni ningún signo que nos indique la conducta a seguir, es preciso inventarse la moral; y desesperación porque no es posible un control completo de la realidad en la realización del proyecto, porque siempre hay que contar con factores imprevistos, con la posibilidad de que se truequen nuestras buenas intenciones en malos efectos.

5. Es una doctrina de la acción, contraria al quietismo: para el existencialismo sólo hay realidad en la acción, el hombre existe en la medida en que se realiza, es el conjunto de sus actos y nada más. Este pensamiento tiene dos caras: por un lado es duro para aquellas personas descontentas con lo que son, para los que no han triunfado en la vida; estas personas pueden engañarse diciendo que en realidad el conjunto de sus actos no muestra su auténtica valía, diciendo que hay en ellos capacidades, talentos o disposiciones desaprovechadas, que el mundo les ha impedido dar de sí todo lo que realmente son. Pero, por otro lado, esta doctrina es optimista pues declara que el destino de cada uno de nosotros está en nuestra mano y nos predispone a la acción, a no vivir de sueños, de esperanzas, a dejar de lado nuestra miseria y realizar nuestro proyecto: el héroe no nace héroe, se hace héroe; si se es cobarde es como consecuencia de una decisión, no porque fisiológicamente o socialmente se esté predispuesto para ello; el cobarde se hace cobarde, pero hay siempre para el cobarde una posibilidad de no ser por más tiempo cobarde, como para el héroe la de dejar de ser héroe.

6. Es una doctrina que reivindica la intersubjetividad: aunque parte del cogito como la verdad indudable, no defiende el aislamiento de la subjetividad, pues considera que sólo en el trato con el otro, en el reconocimiento que el otro hace de nuestro ser, en la presencia de su mirada, sólo así nos hacemos conscientes de nuestro propio ser, de nuestra propia realidad.

7. Frente a la noción de “naturaleza humana” defiende la existencia de la “condición humana”: aunque no existe una esencia común a todos los hombres, Sartre cree que sí se puede hablar de ciertos rasgos formales y universales que permiten la identificación de la humanidad como un todo y el reconocimiento y comprensión del proyecto de cada individuo y de cada cultura; la libertad, la indigencia de la existencia, la sociabilidad, son estructuras antropológicas que desvelan la condición humana.

8. Es una doctrina que permite el compromiso moral y la crítica de la conducta inauténtica: aunque los valores se inventan, no todos tienen el mismo valor, pues algunas elecciones están fundadas en el error y otras en la verdad; la conducta de mala fe, por ejemplo, se basa en el error, en el error de excusarse en las pasiones, en el determinismo, en el destino, o el error de declarar ciertos valores como existentes de modo objetivo e independiente de mi voluntad. La actitud auténtica es la de buena fe, la de aquél que asume la responsabilidad completa de su acción y situación, la de aquél que tiene como lema moral la realización de la libertad propia y ajena.

9. Para el existencialismo el mundo, la vida, no tiene un sentido a priori: declara que Dios no existe, por lo que la vida misma carece de sentido; sólo se puede hablar del sentido que cada uno le da, de los valores que cada uno inventa.
10. El existencialismo es un humanismo: pero no un humanismo que valore a la humanidad por la excelencia de alguno de sus miembros, ni por la supuesta bondad de la humanidad en su conjunto; es un humanismo por declarar que no hay otro legislador que el hombre mismo, por afirmar la libertad y la necesidad de trascender la situación, de superarse a sí mismo, por reivindicar el ámbito de lo humano como el único ámbito al que el hombre pertenece.

http://www.e-torredebabel.com/Historia-de-la-filosofia/Filosofiacontemporanea/Sartre/Sartre-Existencialismo.htm

Degeneración del término beat: beatnik

Beatnik

De Wikipedia, la enciclopedia libre

Beatnik es un término inventado en 1958 por el periodista estadounidense Herb Caen con el fin de parodiar y referirse despectivamente a la generación beat y sus seguidores, apenas meses después de que se publicara En el camino (On the Road), la novela-manifiesto del movimiento escrita por Jack Kerouac.

Los escritores beat rechazaron el término por despectivo, sin embargo el mismo fue adoptado y difundido ampliamente por los medios de comunicación, aplicándolo a un estereotipo juvenil distinguible por la forma de vestirse y arreglarse que se hizo moda, y relacionándolo con una actitud proclive a la holgazanería, el desenfreno sexual, la violencia, el vandalismo y las pandillas de delincuentes. Con el tiempo la denominación terminó siendo aplicada de manera indiscriminada, tanto al estereotipo, como a los artistas de la generación beat y sus seguidores.

Los beats y los beatniks se diluyeron en la segunda mitad de la década de los sesenta, inmersos en los movimientos contraculturales como los encarnados por los hippies, el rock, la revolución sexual y las luchas antirracistas y contra la guerra de Vietnam. Fuera de Estados Unidos, ambos términos "beat" y "beatnik" fueron utilizados como sinónimos, sin percibir el sentido paródico del segundo.

Etimología

La palabra "beatnik" fue acuñada por Herb Caen, un popular periodista de San Francisco, para referirse a los beats o la Generación Beat, que habían establecido su principal centro de reunión en la Playa Norte de la ciudad. Caen, quién varios años después ganaría el Premio Pulitzer, inventó el término en un artículo escrito en el San Francisco Chronicle el 2 de abril de 1958,1 fusionando las palabras "beat" y "Sputnik". El Sputnik 1 fue el primer satélite artificial y había sido lanzado por la Unión Soviética seis meses antes, convirtiéndose en un símbolo, tanto del poderío soviético como de la amenaza de destrucción nuclear de los EE. UU. en el marco de la Guerra Fría, debido a lo cual desató una ola de temor masivo entre los estadounidenses. Al vincular a la Generación Beat con el Sputnik soviético, el objetivo era mostrarla como "no americana" (no estadounidense).2 3 4 En algunos sitios web se menciona erróneamente que la palabra derivó de la fusión de los términos "beat" y "nudnik", término idish que significa "aburrido" u "obtuso".

Criticando la tergiversación del término, Allen Ginsberg, uno de los principales referentes de la Generación Beat, escribió una carta al New York Times, luego de que el periódico la utilizara reiteradamente en un artículo referido al escritor, para deplorar "la engañosa palabra beatnik", diciendo que "si hubieran sido los beatniks y no los iluminados poetas beat quienes hubieran invadido este país, no hubieran sido creados por Kerouac sino por la industria de los medios de comunicación de masas, dedicados constantemente al lavado de cerebro del Hombre".5

Por su parte Jack Kerouac, quien inicialmente había definido el término "beat" como "abatido, despreciado y maltrecho" (beat down), ocho meses después precisó su significado en el Foro Brandeis "¿Hay una Generación Beat?" ("Is There A Beat Generation?") realizado el 6 de noviembre de 1958 en el Hunter College Playhouse de Nueva York. Los panelistas eran el propio Kerouac, James A. Wechsler, el antropólogo de Princeton Ashley Montagu y el escritor Kingsley Amis. Wechsler, Montague y Amis se presentaron vestidos con trajes, mientras Kerouac lo hizo con jeans negros, botas y una camisa a cuadros blancos y negros. Leyendo un texto que ya tenía preparado, Kerouac reflexionó sobre el significado y el sentido de "lo beat":

Es debido a que soy beat, esto es, que creo en la beatitud y en que Dios ama tanto el mundo que le dio a su hijo único... ¿Quién sabe, si el universo no sea realmente un vasto mar de compasión, la verdadera miel sagrada, debajo de toda esta muestra de personalismos y crueldad?6

La diferencia entre "beat" y "beatnik"

En la jerga local estadounidense de la época, el término "beat" indicaba la cultura, la actitud y la literatura, mientras que la palabra "beatnik" se utilizaba para estereotipar la cultura beat, tal como aparecía en los personajes de historieta, muchas veces violentos, que difundían los diarios y revistas.

"Beat" era un modo de ser, dijo el profeta (Ginsberg); "beatnik" era ropa de moda. Beat era identidad; beatnik era imagen.

Esta distinción entre "beat" y "beatnik" ha sido analizada por el profesor Ray Carney de la Universidad de Boston, una autoridad en cultura beat, en The Beat Movement in Film, una serie de notas suyas realizadas en ocasión de una muestra de 1995 organizada por el Museo Whitney:
Gran parte de la cultura beat expresa una posición negativa antes que positiva. Estuvo animada por un vago sentimiento de displacer e insatisfacción cultural y emocional, y un anhelo, antes que por un propósito o programa específico.

Sería mucho más fácil si sólo buscáramos películas con beatniks. El periodista de San Francisco Herb Caen acuñó la palabra (que, a partir de un sarcástico juego de palabras con el recientemente lanzado Sputnik de los rusos, intentaba aparentemente poner en duda la americanidad-desangre-roja-blanca-azul de los beatniks). Y los medios de comunicación popularizaron el término. Dobie Gillis, la revista Life, Charles Kuralt y una hueste de conductores de espectáculos y periodistas redujeron lo beat a una serie de tontas superficialidades externas que han permanecido entre nosotros desde entonces: chivas, anteojos de sol, lecturas de poesía, cafés, holgazanes y jerga "cool, man, cool".

Los términos Generación Beat y beat corresponden al movimiento literario antimaterialista iniciado a comienzos de la década del 50 entre los que se destacaron escritores como Jack Kerouac, John Clellon Holmes, Allen Ginsberg, Timothy Leary, Neal Cassady y William Burroughs, que a mediados de los años 60 se diluyó como tal para influir decisivamente en los movimientos contraculturales juveniles desarrollados en la segunda mitad de la misma, y particularmente en músicos claves, como Bob Dylan, The Fugs (en donde contribuyó directamente Allen Gingsberg), The Doors y The Beatles.

La filosofía beat era básicamente contracultural, antimaterialista, anticapitalista y antiautoritaria, que remarcaba la importancia de mejorar la interioridad de cada uno más allá de las posesiones materiales y de las reglas impuestas por el sistema. Otorgaron una gran importancia a la libertad sexual y a las drogas como ayudante de la exploración interior. Algunos escritores beat se acercaron a las religiones orientales como el budismo y el taoísmo. En política tendían a ser demócratas o socialdemócratas de centro izquierda (llamados "liberals" en EEUU), apoyando causas como las luchas antirracistas de esos años, aunque algunos de sus integrantes como William Burroughs, adhirieron a ideas paleoconservadoras.

En el arte adoptaron una actitud abierta hacia la cultura afro-norteamericana, algo que resultó muy notable en el jazz y el rock and roll, aunque la Generación beat manifestó una abierta preferencia por el jazz moderno y un cierto desprecio por el rock and roll.

En "Aftermath: The Philosophy of the Beat Generation" Jack Kerouac se opone a esta distorsión de sus ideas:

La Generación Beat, que fue una visión que tuvimos John Clellon Holmes y yo, y Allen Ginsberg de un modo incluso más salvaje, a fines de los cuarenta, de una generación de locos, iluminados hipsters apareciendo de repente y deambulando por América, serio, vagando y haciendo dedo en todas partes, desalineados, beatíficos, lindos en un desagradablemente gracioso nuevo modo beat -una visión cosechada por la manera en que escuchábamos pronunciar la palabra "beat" en las esquinas de Times Square y el Village, en otras ciudades en las noches céntricas de la postguerra-, significando bajo y excluido pero lleno de intensa convicción. Nosotros oímos incluso a los viejos padres hipsters callejeros de 1930 utilizar la palabra de ese modo, con sarcástica melancolía. Nunca significó delincuentes juveniles; significó personajes de una espiritualidad especial que no formaban pandillas sino que eran solitarios Bartlebys8 instalados del otro lado del muerto ventanal de nuestra civilización.

El estereotipo beatnik: entre la persecución y la parodia

Desde fines de la década del 50 los medios de comunicación reflejaron y difundieron reiteradamente el estereotipo del joven beatnik (antiamericano, holgazán y delincuente), apartándose del perfil rebelde y solitario, relacionado con la cultura beat, que habían presentado actores como James Dean y Natalie Wood en Rebelde sin causa (1955).

En junio de 1958 Connie Sublette, una de las jóvenes que frecuentaban el grupo beat que solía instalarse en los bares expreso y realizar reuniones en la Playa Norte de San Francisco (zona que comenzó a ser conocida como "Beatnik Land"), resultó asesinada por un marinero negro con el que estaba manteniendo relaciones sexuales.

El hecho fue cubierto por el San Francisco Chronicle de modo sensacionalista con el siguiente título de portada: "Cuerpo desnudo en callejón. Chica beatnik asesinada por marinero buscando amor".Pocos días después el alcalde de la ciudad daba su opinión sobre el caso y la "Generación beat":

Un nombre tan distinguido para glorificar todo tipo de delincuencia es demasiado "moderno" para mí. No me importa como ellos llamen a la gente -beatniks, eatniks o deadbeats- no se puede excusar la adicción a los narcóticos o la prostitución sólo porque alguien se llame a sí mismo artista o escritor. Las órdenes son de no hacer favores especiales a los beats.

En el marco del caso de "la chica beatnik estrangulada" el Chronicle publicó dos artículos titulados "Vida y amores entre los beatniks", escritos por Allen Brown, en el que se describe el día típico de un beatnik: levantarse tarde, sin bañarse ni afeitarse o limpiarse los dientes, poniéndose la primera vestimenta a mano tomada al azar de una pila de ropa sucia y pasar el resto del día en la casa de rosquillas (bagel shop) gastando todo su dinero en café. Brown concluye diciendo que «casi todos los beatniks quieren morir pero, casi tanto como la muerte, aman hablar».

Casi simultáneamente los medios de la ciudad anunciaron la desaparición de otras dos "chicas beatnik", menores de edad, presentándolas con evidente intencionalidad como "voluptuosas". Las jóvenes en realidad se habían ido de viaje durante el fin de semana con Eric "Big Daddy" Nord, titular del club Nord’s Party Pad, conocido como el "Rey de los Beatniks" y un amigo. Ambos beatniks fueron detenidos, encarcelados y condenados "a trabajar" con libertad condicional de tres años, por un jurado local, con el argumento de que habían "inducido al crimen" a dos menores edad. El fallo fue muy criticado por su evidente arbitrariedad, resultante a su vez de un notable prejuicio antibeatnik. Al dar a conocer la decisión, el juez dijo: «Usted y sus amigos en beatnikland enfatizan sus inusuales modos de dar la impresión de que usted tiene talento, habilidad y categoría, cuando en realidad, cualquier persona que lo mire, se da cuenta que usted no tiene talento alguno».

En la televisión estadounidense los beatniks aparecieron con el personaje de Maynard G. Krebs, interpretado por Bob Denver en la popular comedia The Many Loves of Dobie Gillis (1959-63), consolidando el estereotipo del beatnik enemigo del trabajo. El personaje de Shaggy en el dibujo animado Scooby-Doo, creado a fines de la década del 60, está inspirado en el de Maynard G. Krebs.

En 1959 se estrenó la película The Beat Generation asociando al movimiento con el crimen y la violencia.15 Lo mismo sucedió al año siguiente con el film The Beatniks.

Esta distorsión se aplicaría también a los hippies unos años después. Otras películas que difundieron el estereotipo del beatnik violento fueron High School Confidential (1958),17 The Bloody Brood (1959),18 The Rebel Set (1959),19 Beat Girl (1960),20 The subterraneans (1960)21 y The wild ride (1960).

A mediados de 1959, un psiquiatra llamado Francis Rigney, quien compartió varios meses con el grupo de beatniks que frecuentaban Playa Norte, haciéndose pasar por uno de ellos, difundió en los medios una pseudo investigación llamada "100 Noches con los Beats". En ella Rigney afirma que el grupo estaba integrado por unos 150 jóvenes, de los cuales un tercio eran mujeres, que promediaban los 23 años, mientras los hombres eran siete años mayores. Casi la mitad eran jóvenes residentes en la costa este del país (un 10% de la ciudad de Nueva York) que pasaban los fines de semana o los veranos en San Francisco, mientras que un 20% eran residentes del área. En el grupo había una gran cantidad de artistas, principalmente escritores, que habían alcanzado cierta notoriedad. El informe destaca el predominio de conductas abiertamente sexuales o violentas entre los miembros del grupo. En cuanto a la apariencia, el psiquiatra menciona el predominio del Ivy League "look",23 así como el suéter holgado negro. Finalmente, entre sus conclusiones el psiquiatra sostiene:

Ellos han hecho de la sociedad un chivo expiatorio de su propia neurosis... Han salido de la sociedad y como cualquier grupo de gente enferma quieren que los dejen solos.11
Life fue el medio que más insistió en imponer el término beatnik con su significado de movimiento "antiamericano" y "degradado". El 21 de septiembre de 1959 la revista publicó un artículo titulado "Squaresville U.S.A. vs. Beatsville" (traducible como "Villa Honesta EEUU vs. Villa Beat") en el que cuenta la historia de tres adolescentes del pequeño pueblo de Hutchinson, Kansas, que "confundidas" por el movimiento beat, habían invitado a su pueblo a Lawrence Lipton, uno de sus principales referentes, autor de Holy Barbarians y director de la Gas House, centro de reunión de la Generación Beat, en Venice, Los Ángeles. Life continúa contando que cuando los padres se enteraron de la inminente "invasión beatnik", recurrieron inmediatamente a la policía para evitarla. Tal como refiere la revista, la respuesta de la policía fue contundente: "un beatnik es alguien que no le gusta trabajar; cualquiera que no le guste trabajar es un vagabundo y un vagabundo, por aquí, va a parar a la cárcel".

Life también consigna la opinión de una de las adolescentes:
Sabemos que los beatniks no son buenos, pero pensábamos que ellos simplemente se vestían como zaparrastrosos y hablaban gracioso. Ahora sabemos que se casan sin hacer los trámites y cosas así.

En 1971 el periódico San Francisco Chronicle, que tanto hiciera para construir el estereotipo negativo, describía a los beatniks como «gente que tenía una alegría de vivir que encendía una luz en los ojos, voces vitales y gestos enérgicos», contraponiéndolos a los hippies y su «desapego por la vida».

Mercantilización y moda

En su memoria Minor Characters (Houghton Mifflin, 1987), Joyce Johnson describió cómo "lo beat" fue estereotipado y absorbido por el sistema comercial estadounidense:
"Generación Beat" vendió libros, vendió suéteres de cuello alto y bongoes, boinas y anteojos negros, vendió un estilo de vida que parecía graciosamente peligrosa, que podía ser tanto condenado como imitado. Los matrimonios suburbanos podían organizar fiestas beatnik los sábados a la noche y beber demasiado y manosear a las esposas de los otros.

Ann Charters, en Beat Down to Your Soul: What Was the Beat Generation? (Penguin, 1991) observó como el término "beat" fue apropiado para volverse una herramienta de marketing:
El término fue tomado porque puede significar cualquier cosa. Puede incluso ser explotado a la afluencia de las extraordinarias invenciones tecnológicas de la época. Casi de inmediato, por ejemplo, la publicidad de las empresas grabadoras de Nueva York usaron la idea de Generación Beat para vender sus nuevas grabaciones de larga duración en vinilo.

Kenneth Rexroth, quien llegara a ser considerado el padre de los beats, escribió un artículo titulado "La comercialización de la imagen del rebelde", sosteniendo que la cosa más deplorable de la aparición de lo beatnik fue que eclipsó un movimiento disidente que tenía el potencial de crear un cambio real.

Por ese tiempo se generalizó la tendencia entre los estudiantes de Estados Unidos a adoptar como moda el estereotipo beatnik, generalizándose entre los varones el uso de la barbita "chiva", boina, remera a rayas horizontales, anteojos negros, suéteres de cuello alto, enrollar sus propios cigarrillos y tocar el bongó.

Para las mujeres la moda era mallas negras, calzas o pantalones ajustados hasta media pierna, anteojos negros, camisa anudada al pecho o amplios suéteres, calzado sin tacón o simplemente descalzas y pelo largo, sin arreglos ni adornos, en muestra de rebeldía contra los estándares de la clase media que establecían que la mujer debía tratar su pelo para tenerlo permanentemente arreglado ("la permanente").

La moda beatnik generó también una jerga especial, caracterizada por el uso de términos y expresiones desenfadadas, muchas de las cuales han persistido, como "cool man" (traducible como "buena onda, tío"), "daddy-o" (traducible insuficientemente como papi o papito), para dirigirse a otros, "rad" (genial), etc. El hombre beatnik era referido como un "beatnik cat", un "gato".

La moda beatnik también fue reflejada en los medios de comunicación. En la película "Me enamoré de una bruja" (Bell, Book and Candle, 1958), la protagonista (Kim Novak) era una bruja beatnik.28 El famoso personaje de historieta Archie fue caracterizado como un beatnik en la década del 60.29 30 El musical y la película "Grease" (1978), esta última protagonizada por John Travolta y Olivia Newton-John, también están ambientados en el momento de la moda beatnik.31 Finalmente, en Los Simpson los padres de Ned Flanders son retratados como beatniks.32

Beatniks en Iberoamérica

En Iberoamérica los términos "beat" y "beatnik" llegaron como sinónimos, sin que se percibiera la significación política peyorativa que el segundo poseía en Estados Unidos. Tampoco se difundió el estereotipo comercial ni la moda asociada al movimiento. Al menos cuatro bandas de rock iberoamericanas (Argentina,33 Brasil,34 Chile,35 México36 ) adoptaron como nombre Los Beatniks y un grupo de escritores, se formó bajo su influencia.

En Argentina, en 1962, se formó el Grupo Opium, integrado por poetas y escritores jóvenes insertos claramente en una corriente de rechazo. El Grupo Opium estaba integrado entre otros por Mariani, Ruy Rodríguez y Sergio Mulet, se reunía en el bar Moderno de Buenos Aires (Maipú 918) y se vinculó con músicos de jazz y sobre todo de rock que darían lugar al llamado «rock nacional» argentino.

La revista Eco (Miguel Grinberg) los definió entonces como «los beatniks argentinos», en tanto que el periodista Héctor Zimmerman de la revista Claudia, rechazaba la viabilidad de una corriente beat en un país del Tercer Mundo:
¿Beatniks en Argentina? Eso está bien para los países en que todo funciona perfectamente. Pero acá, lo único que cabe es patalear contra el caos. Nuestro beatnikismo es un ikebana del escándalo.

En México el movimiento beatnik fue llamado "la onda", incluyendo escritores como José Agustín y Jorge Garcia Robles, en una primera etapa y en una segunda, Armando Vega Gil, con su alter ego Armiados Gueva Vil.

Beatniks mods en Inglaterra y beatnik ye-ye en España

Desde finales de la década del 50 los jóvenes ingleses se dividieron en dos grandes tendencias: los "beatniks" y los "teddy boys" o "teds". Mientras los beatniks ingleses adoptaban una actitud pasiva y el gusto por el modern jazz, los teds manifestaban su preferencia por el rock and roll estadounidense y un activismo racista contrario a los británicos provenientes de las colonias caribeñas. Para comienzos de la década del 60, ambos grupos se habían diluido para dar origen, respectivamente, a dos tribus enfrentadas: los "mods" y los "rockers".

Los beatniks, ya devenidos en mods (nombre tomado de "modern jazz") fueron la primera generación de trabajadores ingleses que recibió como iguales a los migrantes británicos provenientes de las colonias. Adoptaron el scooter como forma de movilidad barata, y se guiaron por el lema de «Vida limpia bajo circunstancias difíciles», creado por Pete Meaden, uno de sus grandes referentes. Los mods terminaron diluyéndose a finales de la década del 60.

En España, el boom turístico de los años 60 impulsó la aparición de una versión española de los mods ingleses, que se llamó "ye-ye", a veces también mencionados como "beatnik ye-yes". De esta corriente surgieron bandas como Los Salvajes o Los Sirex en Barcelona.39
Epílogo
Tanto la cultura beat como la moda y el estereotipo beatnik, se extendió durante la primera mitad de la década del 60 para casi desaparecer en la segunda mitad, en gran medida reemplazados por el movimiento hippie y la etapa contracultural del rock inaugurada por Bob Dylan y Los Beatles, también objeto de estereotipos y simplificaciones en los medios de comunicación y una moda específica.

http://es.wikipedia.org/wiki/Beatnik

Generación Beat y Jack Kerouac: Influencia directa a Jim Morrison.

Generación beat

El término Generación Beat (en inglés: Beat Generation) se refiere a un grupo de escritores estadounidenses de la década de los cincuenta, así como al fenómeno cultural sobre el cual escribieron. Algunos elementos definitorios son el rechazo a los valores estadounidenses clásicos, el uso de drogas, una gran libertad sexual y el estudio de la filosofía oriental. Esta nueva forma de ver las cosas dejó su principal influencia y legado en la posterior contracultura o movimiento hippie.

Sus principales obras literarias son Howl de Allen Ginsberg (1956), En el camino de Jack Kerouac (1957) y El almuerzo desnudo de William S. Burroughs (1959).1
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Historia

El término surge durante una conversación entre Jack Kerouac y John Clellon Holmes en 1948.[cita requerida] La intención de sus miembros no era la de nombrarla, sino la de "desnombrarla". A la difusión del término también contribuyó que a finales de 1952 apareciera en el New York Times Magazine un artículo de John Clellon Holmes titulado "This is the Beat Generation".

El término comenzó a utilizarse de tal manera, que en 1959 Kerouac consideró necesario sugerir un sentido de la palabra beat, indicando sus relaciones con "beatitud" y "beatífico". Según el autor, el movimiento estaba atraído por la naturaleza de la conciencia orientada a la comprensión del pensamiento oriental, prácticas de meditación, etc.

Como reacción y con la intención de parodiar y desprestigiar el movimiento beat, en 1958 apareció el término "beatnik", producto de la fusión de las palabras "beat" y "Sputnik", sugiriendo una condición antiestadounidense y comunista del movimiento beat.
Allen Ginsberg, uno de sus integrantes más famosos, observaba en el prólogo al libro The Beat Book, editado por Anne Waldman y Andrew Schelling, otro posible significado: "acabado", "completo", en la noche oscura del alma o en la nube del no saber. E incluso "abierto", en el sentido whitmaniano de "apertura a la humildad".

Pero, independientemente del significado que quiera dársele, el uso de Beat Generation pasa a designar un movimiento literario formado por un grupo de amigos que desde mediados de los años cuarenta habían trabajado juntos escribiendo poesía y prosa, y que compartían una idea de cultura y aficiones o fuentes de inspiración similares, tales como el jazz.

El grupo inicial estaba formado por Jack Kerouac, Neal Cassady, William Burroughs, John Clellon Holmes y Allen Ginsberg. Giselle Hernandez y Paola Giachero son mencionadas muy poco en la historia, ya que eran estudiantes internacionales, pertenecían a la élite dominicana, refugiándose en Nueva York de la dictadura trujillista. Emigraron a los Estados Unidas en 1935, integrándose al poco tiempo en el grupo tras iniciar Giselle una relación con Allen Ginsberg. Por su parte, Giachero rápidamente se convirtió en una obsesión para Kerouac, quien habla de ella en su obra "On the Road", presentándola como una diosa mística proveniente del Caribe que vino a tergiversar sus ideas.

En 1947 Hernandez y Giachero murieron en un trágico accidente ocurrido en un ascensor de su penthouse en la Quinta Avenida. Kerouac y sus amigos comenzaron a utilizar drogas para tratar de recrearlas en la mente bajo los efectos de los alucinógenos. En 1948 se unieron Carl Salomon y Philip Lamantia, en 1950 Gregory Corso y en 1954 Lawrence Ferlinghetti y Peter Orlovsky.

Influencia cultural

Su estética fue absorbida por la cultura de masas y por la clase media hacia finales de los años cincuenta y principios de los sesenta. En el camino, por ejemplo, se convirtió en una obra de culto de la juventud.
Su canto a la liberación espiritual derivó hacia una liberación sexual que hizo de catalizador en los movimientos de liberación de la mujer y de los negros, el ascenso de la contracultura hippie e indirectamente a la liberación de los homosexuales.
También influyó a un gran número de personajes de la cultura americana, en especial a músicos como Bob Dylan, Tuli Kupferberg, Jim Morrison, Arthur Lee, Janis Joplin y Patti Smith.

http://es.wikipedia.org/wiki/Generaci%C3%B3n_beat


Generación Beat

Era la década del 50 y en Nueva York las cosas no estaban muy bien. La depresión económica, la segunda guerra mundial y la amenaza de la bomba atómica no hacían otra cosa que desesperar a la gente. Un grupo de amigos escritores que compartian su amor por la prosa y la poesía, una interesante visión de la cultura y varias ideas nada convencionales, entre los cuales figuraban Jack Kerouac y John Holmes (ambos con ideas revolucionarias y con grandes críticas con respecto al sistema americano), comenzaron a generar un nuevo movimiento literario que revoluciono la escena bohemia norteamericana de fines de los 50 y principio de los 60, caracterizado por su visión cruda y ácida de la terrible realidad que los rodeaba por aquel entonces.

Jack Kerouac y John Holmes inventaron un título para los tipos de su edad que vivían también la misma situación y se dieron cuenta que toda la sociedad estaba hundida del mismo modo, ocurría entonces nombrar no a un par de pobres diablos sino a toda una generación abatida y derrotada. La llamaron “The Beat Generation” (”La generación Beat”) en referencia al termino “beaten down” que en español es algo así como “derrotado” en clara alusión a lo que se vivía por aquel entonces.

Los “Beatniks”, como solían llamarse los miembros de este fenómeno cultural, no creían en las falsas moralidades impuestas por la sociedad e iban en contra de los valores puritanos y tradicionales que Estados Unidos promovía como así también los valores comerciales, criticaban duramente el “American way of life” y rechazaban todo tipo de postura política.

Cabe decir que la utilización de todo tipo de drogas y alcohol fue una gran constante durante este periodo, siendo este también un modo de protesta para demostrar su desacuerdo con los valores preestablecidos de la sociedad capitalista. “On the Road” de Jack Kerouac, “Howl” de Allen Ginsberg y “Naked Lunch” de William S. Burroughs son consideradas los tres libros más importantes del movimiento “beat”.

http://feederico.com/la-generacion-beat-poesia-jazz-drogas-y-critica-social/

Conociendo a JACK KEROUAC

Nacionalidad: Franco-Americano

Lugar de Nacimiento: Lowell, Massachussetts

Fecha de Nacimiento: Marzo 12, 1922

Educacion: Lowell High School; Horace Mann School ; Columbia College (1940-1942); New School for Social Research (1948-1949); Liberal arts, sin titulo(1936-1949). Recibio una A de Mark van Doren en curso de Shakespeare. Hechado de Columbia por reprobar Quimica. Promedio de 92 en Horace Mann School. Jugo al Baseball y fue gran estrella de futbol americano.

Durante su periodo en Horace Mann y Columbia, Jack tuvo que trabajar mas de lo esperado.Tenia que leer la Iliada, la Odisea, Platon y Horace en pocas semanas. Tenia pocas horas para practicar futbol y mantener su beca. Casi no tenia tiempo para trabajar en la cafeteria y los viajes de brookling a Columbia eran demasiado largos. Muy pocas veces recibio buena atencion de la gente de Columbia ya que Jack era un franco-americano de clase media baja. No tenia una buena relacion con el entrenador de futbol americano y en el primer partido de temporada, recien entro en la segunda mitad. Segun Leo, padre de jack, el entrenador no lo incluia porque no era italiano. Al poco tiempo, recibio un fuerte golpe durante un partido contra los Rutgers y no pudo seguir jugando por varias semanas. Pero no le molesto demasiado debido a que ahora tenia mas tiempo libre para leer sus libros favoritos y pasear por Time Square. Ese invierno, con lagrimas en los ojos, escuchaba todas las noches a Glenn miller y frank sinatra. Años mas tarde recordaria a su mayoria de amigos de esa epoca como ' un monton de boludos'.

Al poco tiempo, jack estaba listo para volver a jugar. En ese momento toda la familia Kerouac estaba muy feliz, debido al gran momento que Jack estaba atravesando. Pero habia un problema, Jack debia aprobar quimica para no perder su beca y lamentablemente ese verano jack hizo de todo menos estudiar quimica. Realizo varios viajes en barco y ayudo a construir el pentagono y ahorro algo de plata, unos 470$. Su futuro en Columbia era incierto y sus ganas de convertirse en escritor crecian mas y mas. Sus viejos amigos de Lowell ya casi no lo conocian. Jack habia cambiado, habia perdido interes por el futbol y sus prioridades en general tambien habian cambiado. Se habia convertido en un gran tomador de cerveza y whiskey (comparado a lo que tomaba antes) y salia ocasionalmente con prostitutas del Harlem (que antes era inusual verlo rodeado de mujeres y menos pagas). En pocas palabras, New York le saco la cabeza. Jack era feliz en New York y podia hacer todo lo que no habia podido hacer en Lowell.

((( Jack Kerouac es la persona mas impresionante, pura, honesta, sensible, unica, poetica, libre, dueña de si misma, que JAMAS haya existido. Es digno de admiracion y de glorificacion. Jack vivio una constante busqueda de si mismo. Paso por todos los estados como el mismisimo Budha. Murio solo y destruido por la falta de comprension e ignorancia de la mayoria de las personas. Nada ha cambiado, absolutamente todo ha cambiado. (lamentablemente algunas cosas nunca van a cambiar y creo que saben a lo que me refiero). ))).

Como decia, sus amigos de lowell estaban horrorizados por su nuevo comportamiento, y le decian que deje de actuar como lo estaba haciendo. Jack simplemente decia: " un escritor debe experimentar la vida en todas sus fases".

Jack tenia su ultima oportunidad para demostrar que podia seguir jugando al futbol y no habia nada mejor para ello que demostrarlo contra el equipo de la armada. Jack queria jugar todo el partido para cobrar venganza contra un jugador del equipo contrario. Su nombre era Henry Mazur y varios años atras, en un partido que Jack jugaba para el equipo de Lowell, Henry, de 18 años, habia golpeado a Jack de 15. Pero Jack permanecio sentado todo el partido preguntando: "Now, coach? " mientras el entrenador miraba a los costados o respondia: " Perdiste demasiado peso en tu viajes en barco".

El dia siguiente en vez de ir a entrenamiento Jack permanecio en su habitacion escuchando la quinta sinfonia de beethoven. Al poco tiempo comenzo a salir con una chica llamada Edie. Mientras la abuela sorda de Edie dormia en su sillon, Jack y Edie hacian el amor en el living y luego se iban al West End Bar a tomar unos tragos. Esa misma noche Jack tomo un tren hacia Lowell.

Era Diciembre de 1942 y Jack se habia enlistado en la marina. Pero al poco tiempo no encontro nada interesante en hacer ejercicios o tener que decir " yes, sir " cada dos segundos. Jack no queria ser parte de esa mierda y habia elaborado un plan que consistia en reportar dolores de cabeza todos los dias seguidos de comportamientos idiotas. Al poco tiempo fue revisado por un grupo de psiquiatra, pero tenian serias dudas acerca de su comportamiento debido a que Jack tenia el mas alto IQ en la historia de Newport Naval base. Le hicieron varias preguntas y Jack siempre respondia lo mismo : " yo solamente creo en la libertad personal en todo momento y no es que no voy aceptar disciplina sino que no puedo aceptarla, no soy un guerrero , soy un escolar ". Finalmente dictaminaron que Jack no estaba loco, pero que tenia personalidad esquizoide y tendencias angelicales y lo dejaron ir. Inmediatemente tomo un omnibus a New York para ver a Edie. A los pocos meses comenzaron a vivir juntos.

Jack se pasaba todas las tardes escuchando a beethoven, Bach y Debussy, pero sobre todo era el Jazz lo que reinaba la mayoria del tiempo en su pequeño apartamento. Cuando no escuchaba musica, se dedicaba a escribir historias y cuentos.

La revolucion Bebop estaba por comenzar.Y a Jack le encantaba ir a 'Three Deuces" en la 52 donde siempre tocaban Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Pero en ese momento su favorito era Slam Stewart. Cuando escuchaba los solos de Slam, Jack se volvia loco y comenzaba a saltar y a imitar cada movimiento de Slam. Algunas veces llevaba a Edie a ver al pianista Art Tatum, que tocaba una gran variacion de acordes a una velocidad impresionante. Otras veces iban a ver peliculas francesas ( jack amaba escuchar su idioma materno).

En los ultimos meses del 43, Edie comenzo a ver a Lucien Carr mientras Jack estaba en Long Island con sus padres. Cuando Jack volvio , inmediatamente sintio intriga por este estudiante rubio adinerado. Lucien se convirtio en el primer heroe de Jack. Gracias a Lucien, Jack conocio a otro estudiante llamado Allen Ginsberg. Lucien le habia hablado a Allen acerca de Jack como un "romantico hombre de mar escritor de poemas ". Inmediatamente Jack se dio cuenta de que Allen era homosexual pero no le dio mayor importancia ya que lo unico que le importaba era que Allen era honesto y hablaba con la verdad ( Allen era 4 años menor que Jack). Al poco tiempo Allen se enamoro de Jack, pero nunca llegaron las cosas a ponerse demasiado serias. En cambio, Lucien no tuvo la misma suerte. Cuando tenia 14 años , su instructor de educacion fisica se habia enamorado de el, su nombre era David Krammerer. A los 19, David habia abandonado su trabajo para dedicarse a pleno a tratar de conquistar al joven Lucien. Para tratar de escapar de el, Lucien cambiaba de colegios todos los años.

Pero en la madrugada de Agosto de 1944, Lucien desperto a Jack y Edie diciendoles que finalmente se habia librado de David. Lucien les dijo que se vio forzado a matar a David, que este lo habia tratado de violar y que no pudo hacer otra cosa que clavarle un cuchillo en el estomago, y que luego tiro el cuerpo en el rio Hudson. Jack no sabia que decirle y decidieron ir al Museo de Arte Moderno para ver que hacer. Despues de varias horas Jack decidio volver a su apartamento, pero la policia ya lo estaba esperando. A jack lo arrestaron por ser testigo de un homicidio o algo por el estilo.

Durante el periodo de interrogatorios, Allen aprovecho la situacion para promocionar sus poemas, Lucien habia quedado como un heroe : " estudiante de Columbia se ve acosado por homosexual " y a su vez recibia un trato especial por parte de la policia ya que era hijo de un millonario , y a Jack lo trataban como a un pobre infeliz. La cosa no fue a mayores, lo unico que tenia que hacer Jack para quedar libre era pagar la fianza de 100$. Pero Leo no la iba a pagar. Asique Edie hablo con sus padres y acordaron en pagar la fianza pero si Jack y Edie contraian matrimonio. Jack acepto.

Por medio de Lucien, Jack conocio tambien a Bill Burroughs. Bill se acerco a Jack para pedirle informacion acerca de sus viajes en barco. A Jack ya le habian hablado de este sujeto y era conocido en el circulo de Columbia como un explorador del bajo mundo y amante de las drogas. Bill habia estudiado Arqueologia y Etnologia en la prestigiosa Universidad de Harvard y Medicina en la Universidad de Viena. Segun Jack, Bill era la persona mas rara e inteligente que conocio.

Casi todas las noches se juntaban en el apartamento de Bill a recitar poemas, y escuchar Jazz. De Rimbaud adquirieron el concepto de "sesiones". Tenian el habito de hablar de las personas y situaciones en terminos literarios. Hasta Jack comenzo a llamar a Edie " Nastassya", debido a la novela "el idiota" de dostoyievsky. La mayoria eran homosexuales escepto Lucien y Jack. Pero Jack le confeso a Lucien que habia tenido un encuentro homosexual en su primer viaje en barco, pero que no habia duda que preferia a las mujeres sobre todas las cosas y que estaba feliz en tener a Edie como su esposa.

http://www.generacionbeat.5u.com/generacion.htm

Historia del Rock años 50, 60, 70

Años 50

Historia del Rock: El ritmo rebelde cumple que ya cumplió medio siglo
El 5 de julio de 1954, un chofer de camioneta de 19 años de edad cambiaría el curso de la música y de la historia al entrar a un pequeño estudio de grabación en Memphis a realizar tres canciones. Entre esos tres temas que grabó un tal Elvis Aaron Presley se encontraba uno de nombre That's All Right, el cual marcaría el nacimiento no sólo de un nuevo género musical sino el de una forma de expresión artística, social y cultural, además de un estilo de vida: el rock and roll.

Por Carlos Vega - Quién iba a pensar que aquella música que fusionaba el sonido country de los blancos y el rhythm and blues de los negros, seguiría vigente 50 años después –cuando en sus inicios no le daban más allá de cinco años de vida-, y que aquél joven nacido en Tupelo, Mississippi un 8 de enero de 1935, se convertiría nada menos que en el Rey del rock, además de en la figura más importante e influyente de la música popular en el Siglo XX.

A lo largo de estos 50 años, el rock ha sido dado por muerto y se ha levantado de las cenizas en varias ocasiones, pero al parecer las palabras dichas algún día por el Rey se convirtieron en una profesía: "No creo que (el rock and roll) muera alguna vez por completo, porque van a tener que hacer algo extraordinariamente bueno para que tome su lugar".


Rebeldes con causa. Los años 50.

A pesar de que "oficialmente" se marca el nacimiento del rock and roll con la grabación That's all right, de Elvis Presley, históricamente tanto la música como el nombre surgieron poco tiempo antes. Para muchos historiadores, el amanecer del género se dio con la canción Rock around the clock, de Bill Haley and his comets, que fue grabada el 12 de abril de 1954 -tres meses antes que el Rey hiciera historia.


En tanto, el término "rock and roll" (expresión del slang de los negros para referirse al acto sexual) lo empezó a utilizar el locutor de radio Alan Freed en 1952 para definir algunas canciones que tocaba en su programa, como Rock the joint, precisamente de Bill Haley, y también en los festivales que empezaba a realizar donde presentaba grupos que interpretaban R&B.

Sin embargo, el hecho de considerar a Elvis como el creador, principal promotor y Rey del rock, tiene mucho que ver con su personalidad, con su voz, con su carisma y con lo que desde un inicio representó no sólo para la música sino para la cultura popular de entonces, rompiendo esquemas y trasgrediendo tradiciones morales y de conducta.

Pero no todo en la década de los 50 giró en torno a Elvis, pues el rock and roll vio nacer otras figuras importantes y trascendentales a los que les tocaría escribir capítulos muy importantes en el génesis de su historia.

Dentro de esa lista, que podría ser muy larga, destacan personajes básicos como Chuck Berry, Little Richard, Bo Didley, Buddy Holly, Jerry Lee Lewis, Fats Domino, Roy Orbison, Edie Cochran y The Everly Brothers, entre muchos otros.

El auge de esta primera generación del rock and roll se dio hacia 1956-57, y sería el mismo Elvis el que marcaría su decadencia cuando en 1958 se enroló en el ejército de los Estados Unidos, donde permanecería hasta 1960. Si bien a su regreso su popularidad seguía por los cielos, su música dejó de tener esa carga de rebeldía y frescura con la que se identificaron años antes los jóvenes. El rock estaba listo para sufrir su primera metamorfosis.

http://www.noticiasdot.com/publicaciones/2005/0105/1301/noticias130105/historia-rock/historia-rock-01.htm

Años 60

Luego de la decadencia de los primeros ídolos del rock and roll a finales de los años 50, la estafeta la tomaron los artistas de color, quienes a principios de los 60 pusieron a bailar a todo mundo con su sonido Motown, una celebración de R&B, soul y funk.

De esa oleada de artistas se recuerdan, entre muchos otros a The Supremes, The Marvelletes, The Shirelles, Marvin Gaye, Stevie Wonder y el padrino del funk, James Brown, que le dieron un nuevo sentido a la música pop con su frescura y alegría.

Pero bastaría con que la década dejara pasar cuatro años para que un nuevo movimiento, con dimensiones y repercusiones tan grandes como las del nacimiento del género, se presentara. Con la llamada "invasión inglesa" la música británica se hacía presente y, como ocurriría de ahí en adelante, demostraría que a partir de ahí irían siempre un paso adelante a lo que se creara en Estados Unidos.

Entonces el mundo entero vibró a ritmo de The Kinks, The Animals, The Who, The Zombies, The Shadows, The Hollies y, por supuesto, con The Beatles y The Rolling Stones, las dos bandas más importantes e influyentes en la historia del rock.

La ola británica:

The Animals, The Beatles, The Kinks, The Rolling Stones, The Who.

En tanto, en Estados Unidos la respuesta llegaría unos años después, cuando pasada la mitad de la década el rock ácido y la psicodelia se apoderaría de la escena y traería un nuevo movimiento al rock, quizá el más trascendente y de gran repercusión social y cultural.

Luego de que Bob Dylan decidiera dejar un poco el folk y electrificar su música, una gran generación de bandas estadounidenses empezaron a crear un movimiento que años más tarde, en 1969, desembocaría en la llamada “nación Woodstock”, un festival de tres días de duración que convocó a cerca de medio millón de personas.

De esa generación destacan Jimi Hendrix (considerado como el mejor guitarrista de rock de todos los tiempos), Janis Joplin, The Doors, The Jefferson Airplane, The Greateful Dead, The Byrds, Country Joe & The Fish, y una serie de grupos provenientes principalmente de la Costa Oeste de los Estados Unidos.

Con el Festival de Woodstock, realizado en Woodstock, Nueva York en 1969, esa generación del "peace and love" vivió su momento utópico, su punto álgido, pero a la vez marcó el inicio del fin, que ocurrió meses más tarde con el concierto gratuito que The Rolling Stones ofrecieron en Altamount, California, en donde un joven de raza negra fue cruelmente acribillado y asesinado por la pandilla de los Hell's Angels, paradójicamente contratados por los Stones para encargarse de la seguridad. El sueño había terminado.

La ola Psicodélica


The Greateful Dead, Janis Joplin, Jimi Hendrix, The Doors, The Jefferson Airplane



http://www.noticiasdot.com/publicaciones/2005/0105/1301/noticias130105/historia-rock/historia-rock-02.htm


Años 70


"El sueño ha terminado". Con esta frase que se incluye en la canción God, de John Lennon, da inicio la década de los años 70 en el rock. Luego del festín experimentado en el decenio anterior, el nuevo no pintaba nada bien y desde el mismo amanecer se daban muestras de ello.

Jimi Hendrix y Janis Joplin, dos símbolos de la generación de los 60, mueren en 1970 a causa de una sobredosis. En ese mismo años, Paul McCartney anuncia oficialmente la separación de The Beatles, el grupo que, como alguna vez dijera Lennon, era casi tan popular como Jesucristo. Un año más tarde, en 1971, Jim Morrison, cantante de The Doors y uno de los principales iconos visuales y sex symbols de la historia del rock, muere también de sobredosis.



Led Zeppelin

Con esos malos augurios, la primera mitad de la década el rock experimenta su masificación y el establecimiento de la parafernalia visual en grandes escalas en los conciertos. Led Zeppelin reinará a lo largo de la década, y de tras de ellos vendrán The Rolling Stones y Pink Floyd, con espectáculos realmente impresionantes.



El heavy metal, el hard rock y el glam rock se apoderan del gusto de las masas a lo largo de la primera mitad de la década, por lo que grupos como Deep Purple, Black Sabbath, Queen, Kiss, Bad Company viven sus momentos de gloria.



Del heavy al Glam:

Deep Purple
Black Sabbath Kiss Queen

Sin embargo, toda esa masificación, glamour, parafernalia visual y, en el caso del rock progresivo, virtuosismo, aleja al rock de sus raíces callejeras y de rebeldía, por lo que los jóvenes ya no encuentran una identificación y una bandera en él. Es entonces que en los suburbios neoyorquinos surge el punk, derivado del rock que retoma esa rebeldía, acompañada con una dosis de anarquismo, hedonismo y politización, que lo convierten en otro de los momentos trascendentales en la historia del género.

El punk nace en Nueva York engendrado por los ahora míticos The Ramones, pero los ingleses The Sex Pistols lo llevan al extremo. Otras bandas de notoria trascendencia son The Clash, The Damn, Generation X, The Misfits y Black Flag. Así, mientras el rock estaba en una abismo y la música disco reinaba en las listas de popularidad, el último gran movimiento del género se hacía presente.

http://www.noticiasdot.com/publicaciones/2005/0105/1301/noticias130105/historia-rock/historia-rock-03.htm

Entrevista a Robbie Krieger

Entrevista a Robby Krieger:

Esta es una entrevista a robby krieger (guitarrista de la mitica banda the doors)
realizada en los años 1989,90 y 91 entre Robby Krieger y Rainer, director del club de Fans de The Doors.(The Doors Quarterly, en internet). La primera parte esta centrada en Robby, pero comienzan a hablar de jim Morrison y The Doors cuando comienzan a hablar de España.

Robby Krieger ........R

Rainer Moddemann.....RM

R.¿Esto funciona?(señala a la grabadora y la video camara).Tengo una igual (se refiere a la grabadora)

RM.Por lo menos la grabadora funciona.Bueno Robby, tu nuevo album- ¿que tipo de musica habra en este?¿Algo como "Versiones"?

R.Si, tipo "Versiones (Versions)". Hay algunas de mi propia composicion más algunas viejas como en "Versions".

RM. ¿versiones de portada? (cover versions?)

R.Si. Hay una de Elvis Presley.

RM. oh,¿cual?

R. Bueno, Linda esta extasiada por esa (Linda, su manager, sonrie).Sera "I want you, I need you, I love you".

RM. Ah, esa "....with all my heart".

R.Si. Y tambien " Lonely Teardrops"

RM. ¿no es acaso una cancion de Roy Orbinson?

R. No. Jackie Wilson. Y algunas pequeñas sorpresas.

RM. Tu deberias hacer una version de portada (cover version) de Robert Johnson, Robby, yo se que es uno de tus favoritos, y tambien lo es mio.

R. Si lo pudiera hacer igual de bien que el lo haria. (se rie).

RM. Los Rolling Stones hicieron su "Love in Vain" sin mencionar que era de Robert J.

R. ¿en serio? ¿y pudieron salir de esa?

RM. Creo que si.Por lo que se, nadie se quejo.

R. Es gracioso. En la actualidad "Crossroads" esta bien en el modo en el que Cream lo hizo. Me gusto, pero yo prefiero la version de Robert Jonhson, es mejor, creo. Es increible que la minoria de la gente que escucho la de Cream ha escuchado la de Robert tambien.

RM. El es el genio de la guitarra slide.

R. ¡oh, definitivamente!

RM. ¿es el primero que te inspiro a usar el bottleneck? (creo que consiste en soplar en el cuello de la botella, que hace un sonido que se uso en algunas canciones).

R. No el primero, pero uno de los primeros.

RM. El grabo como unas 35 canciones en la habitacion de un hotel...

R. Si, no tantas. Alguna gente me enseño material pirata (bootleg) que pretendia ser de Robert Jonhson. Es dificil decirlo. Quiza sea. Es de muy mala calidad, tu lo sabes, quien lo sabe.

RM. Oi que saldra pronto un CD de Robert Jonhson, con todas sus canciones conocidas, más material que nunca antes se habia visto.

R. ¿si? Debo de comprarlo cuando lo haya.

RM. Tu "Half speed Master Lp y CD" llamado "Robby Krieger", contuvo material sorpresa para mi. Me gusto especialmente la cancion "Costa Brava".

R. ¡Bien!

RM. ¿has estado alguna vez en "Costa Brava" en ESPAÑA?

R. Si. Actualmente condugimos a lo largo de la costa , permanecimos en un castillo alli arriba, no me acuerdo del nombre, pero..¡era un lugar maravilloso!. si, me gusto. Y fuimos a Barcelona y a Madrid, vimos Flamenco, y visitamos la tienda Ramirez donde compre una guitarra. Tengo tres guitarras Ramirez. Tengo una 63, el mismo modelo que que usa Sabecca. Fue gracioso- No sabia que el usaba ese modelo y yo tenia el mio desde hacia 20 años, y lo vi recientemente, mire dentro de su guitarra....¡una 63! ¡como la mia!

RM. ¿de donde sacaste la idea de escribir "Spanish Caravan"?

R. oh, de unas cosillas de flamenco que habia aprendido.Una cancion llamada "Granadinas", que es algo que todo el mundo aprende, que es la mas clasica.

RM. Por lo tanto ¿"Spanish Caravan" es como una cover version o una española tradicional?

R.Si, en realidad nos demandaron por ello.La gente que se adueña de cualquier cancion que venga de eso,nos intentaron denunciar, pero no sacaron mucho de eso, porque es como una extensamente cosa conocida (canta el solo de "Spanish Caravan"), pero ellos clamaban que esa pijadilla era suya.

RM. ¿cuanto les tuvisteis que pagar?

R. Bah, no mucho. Creo que les dimos la publicidad que ganamos en Francia o algo asi, porque era de donde eran.

RM. pero desgraciadamente "Spanish Caravan" fue cortada...

R. si.(sonrie)

RM. ¿donde esta esa parte perdida?

R. ¡ ha, ya me gustaria saberlo!

RM. ¡es una pena! Creo que trabajaste mucho tiempo en ello.

R. Eran un par de minutos que fueron cortados de la version del album. Gaste un dia entero en el estudio para eso, pero los productores al final lo cortaron. Puedo hacerlo todavia, pero hace mucho que no lo hago. He decidido grabarla, sabes, volver a grabarla.

RM- ¿porque cortaron ese trozo?

R. Bueno, es que era muy largo, dijeron. Quiza la querrian para un single, pero no se porque la cortaron, si te digo la verdad.

RM. ¿que guitarra usaste para "spanish caravan?

R. Para esa parte use la actual guitarra Ramirez, y creo que por eso no lo utilizaron, no...bueno, usamos esa guitarra para la primera parte de "Spanish Caravan" y fuimos despues con una electrica....

RM. ¿cuales son los guitarristas flamencos que te gustan?

R.si, Sabioas y Juan Serrano.

RM.¿ puedo tomar otra Coors? Lei en un libro que Morrison tomaba algunas de esas.

R. ¿Coors? No, no le gustaban demasiado. Bebia Miller. A mi me gusta.

RM. Hablemos un poco que The Doors sacaron. primero, "Dance on Fire"- ¿estas de acuerdo con el concepto visual? ¿trabajasteis bien en ello?

R. ¿en "Dance on Fire"? Yo no tuve mucho que hacer en eso, Ray es el hombre del Video y tu sabes que adora hacer eso tipo de cosas, no creo que tuvieramos mucho material para hacer el video , sabes, pero supongo que los fans de The Doors tienen todo lo que nosotros tenemos, sabes,todo lo posible, por lo tanto....

RM. Visite una chica hace poco aqui en Los Angeles que es miembro de mi club de fans y tenia tres videos de "people are strange" de "Murray The K show"...

R. ¿tres versiones??

RM. Si.en una Jim se olvido de empezar a cantar.

R.¿ah si?(rie)¿donde lo consiguio?

RM.No lo se. probablemente alguna cosa pirata. un buen titulo para ello seria "the making of people are strange"(como se hizo people are strange),sabes,como si fuera una cosa completa , con todas las tomas.

R.¿si? recuerdo. ¿donde lo consiguio?

RM. no lo se,¡pero era gracioso!

R.¿donde estabamos puestos? ¿en una fuente o algo asi?

RM. si, en una fuente.

R. (rie) bien, realmente no me acuerdo.

RM. ¿donde fue grabado?

R. En Nueva York debajo de "....." (down by the bowering)

RM. ¿te gusto el video que Ray grabo para" L.A Woman" en el video " Dance on Fire"?

R. si, ¡no es malo!

RM. La linea "Mr Mojo Risin,"-¿ la cogio Jim de la cancion "I got my Mojo working"?

R. yo creo que hizo algo con ello, si, lo utilizamos para hacer canciones a veces, pero sabes que es el anagrama de su nombre. Si, pienso que lo cogio de la cancion de "Mojo", y se figuro que era el anagrama de su nombre.

RM. recuerda el Super-8 film de New Heaven-redada en el "roadhouse blues"...¿de donde lo sacasteis?

R.No me acuerdo quien vino con ello.Alguien estaba alli. Linda y los chicos lo trajeron de un chico que habia en la audiencia.

RM. y tu sabes que habia reporteros del "Life Magazine" y captaron mucho sobre ello.

RM.el "unknown soldier" clip de promocion....¿quien lo confecciono?¿quien fue el camara?

R.Jim lo confecciono.Peter Abrahamson, el que hizo el video de "Break on through", sabes, el primer video de promocion de The Doors,ese lo grabo.oh, Mark Abrahamson, ese es el.

RM. ¿y esas escenas de jubilo celebrando el fin de la segunda guerra mundial y los clips de Vietnam?

R. ¿de quien fue la idea? oh, lo olvide.

RM. ¿planearon The Doors grabar el concierto de Hollywood Bowl para luego editarlo en una pelicula o en un album en vivo?

R. Si, lo hicimos. Tu sabes que teniamos esa grabacion, esas tres camaras más las 8 pistas de sonido, si , intentamos hacer eso. No sabiamos exactamente que hacer con ello en el futuro. Tu sabes que nosotros estabamos haciendo una pelicula a la vez llamada "Feast of Friends", por lo tanto pensamos usarlo. Finalmente añadimos "The End" a la pelicula, y luego lo olvidamos todo.

RM. ¿recuerdas que "Cristal Ship" fue grabada para "American Bandstand"? Parece un video muy temprano.

R. Si, muy temprano en el 67,recuerdo. Estabamos conociendo a Dick Clark. Es gracioso porque Dick Clark era...oh, tu sabes, tenia una imgen a lo "goody-two-shoes"(el bueno-dos-zapatos).(se rie) y para conseguir quitarse esa imagen fue a nuestro camerino y empezo a hablar tal como "como va jodidos yanquies (junks)"(se rie). ¡Hey, sacar este perro de aqui! (Robby salta y trata de echar a su perro Teddy fuera de la habitacion) ¡Teddy, venga!

RM. (despues de un descanso) ¿sabes que encontre el video perdido de The Doors, "hello I love you" de Frankfurt, West Germany?

R. ¿oh si, lo hiciste? ¿del show de Frankfurt? ¡eso es genial! tenemos que verlo un dia de estos para ver si lo podemos usar.

RM.Y ahora estoy buscando la cancion de dos conciertos-indoor que fueron grabados en el hall.

R.¿eran esos de Amsterdam?

RM. No, tambien Frankfurt.

R.¿la grabacion indoor era el "soldier"-show?

RM. si. Hicisteis esa cancion alli, tambien.

R. Estaba realmente oscuro alli.

RM. Bien, espero que le podamos usar. Pero volviendo a "Dance on fire": el "Adagio"- ¿cuando fue grabado? y, ¿de hecho, usais la orquesta de cuerdas durante la grabacion?

R. Bueno, no una orquesta, sino una seleccion , creo que veinte tios, y fue lo mismo que en "soft parade", tuvimos toda esa seleccion y cuernos(horns) y cosas, por lo tanto lo grabamos bien con ellos. Olvide de quien fue la idea, pero a todos nos gusto esa cancion durante mucho tiempo, sabes.Me gusta mucho esta pieza de musica, tambien, sabes.Especialmente a Jim le gustaba ese "European schmalz", como el soloia hablar de ese tipo de musica.

RM. Lo usasteis tambien en "Feast of Friends"...

R.Si, es buena cancion. es popular en Europa,¿no?

RM.si, seguro. y esto llego a ser uno de los instrumentos raros de The Doors, y tambien uno de las cosas piratas, "Rock is Dead". recuerdo tro instrumento que hicisteis en el Matrix, Gerswhin's "summertime".

R. si,eso es.

RM.pero, de todos modos, ¿que opinas de los bootlegs (piratas), te mande algunos,creo, con canciones raras del Matrix.

R. si, hmmm...

RM .¿recuerdas esos conciertos?

R. oh si, recuerdo el Matrix.

RM. solo un tio sentado y aplaudiendo....

R. Creo que era una prueba de sonido, porque el sitio estaba lleno cuando tocamos, asi que supongo que seria una prueba de sonido si solo habia uno aplaudiendo.

RM. "rock is dead"- ¿te gusta esta?

R- (rie) no, nunca me gusto esta, estaba muy ida a ninguna parte, sabes que estabamos muy bebidos, sabes, como tios raros buscando algo alrededor, espero que no salga en nigun bootleg.

RM. Creo que la grabacion fue robada de Rothchild...

R. si, esa es la historia, alguien lo robo de su escritorio.

RM. ¿cuando fue grabado?- ¿fue antes o despues del juicio de Miami?

R. debe ser..ah...antes.

RM- ¿antes?- esto es interesante?

R- ¿Por?¿por que lo preguntas?

RM. bien..antes... las letras parecen como un comentario del juicio.

R-Hmm, bien, pudo ser...bien..veamos: Fue durante la grabacion de "The soft parade" tambien, como yo recuerdo. o pudo ser "Morrison hotel", miami fue...fue "Morrison Hotel" despues de Miami? no recuerdo.

RM- si, si fue.

R. entonces fue despues de lo de Miami.

RM- ¿querras hacer la banda sonora del venidero cuarto video de The Doors?

R-¡ Seguro! bien...

RM- Ray lleva hablando de el por años....

R. (rie) Si, lo se.. Puede ocurrir ahora. ellos tienen que venir con dinero realmente pronto para que la cosa siga, sabes. La gente que tiene los derechos,Bill Graham y ese otro tio,sabes, son los supuestos encargados de encontrar un escritor que escriba el guion y todo eso. De todos modos tenemos tres guiones y han sido terribles (se rie), por lo tanto, tengo miedo de que esto nunca ocurra, sabes. pero nunca lo sabes, he visto el cuarto guion y pienso que podra ser una buena pelicula.

RM. Dave Brock de "Wild Child" podria ser un buen actor para la parte de Jim, creo.

R.Si, el puede ser genial, el sera muy bueno...

RM.....para el temprano "Morrison"...

R. ¡si! (rie) Hay muchos por aqui que podrian hacer el Morrison de despues (rie)...

RM.volvamos a los primeros dias...tu primera banda se llamaba "Psychedelic Rangers". ¿De que iba la banda?

R.(rie) unos amigos mios

RM. ¿alguna grabacion perdida?

R.No, creo que no. De hecho John estaba en la banda, tambien. Nuestro solo y unico demo se llamo "Paranoia" (canta) "Paranoo-i-a". Es como "love", como los antiguos "love" , como los coros "Hey Joe".Esta bien. Teniamos aquel gran piano-player, un amigo mio llamado Grant Johnson, que vive hacia el norte, podia tocar Jazz en esos años,sabes, y yo y John y el otro guitarrista, un amigo mio llamado David Wolfe, que era mi profesor de guitarra, que todavia vive en los Angeles y toca en una banda de Jazz llamada "Citizen", hicimos la banda sonora de una pelicula, ah- he olvidado el nombre,para los Psychedelic Rangers. Pero, sabes, David y yo, los dos copiamos un flamenco terrible llamado "Dos Flamencos", y tenia esos dos tios tocando flamenco juntos , y me enseño como tocar la guitarra. Estabamos encerrados en una habitacion de la escuela como 3 horas al dia, para practicar con nuestras guitarras,sabes.Eso era por lo que yo siempre tenia mi guitarra conmigo. Tambien empece a leer un libro de Mickey Baker, pero nunca pase de la segunda hoja. Cuando vi al terrible Chuck Berry en un concierto en el Santa Monica Civic Auditorium, me converti al Rock'n'roll y me compre mi primera electrica, una Gibson SG, la que me robaron. Primero habia tocado con acusticas y tenia un soporte de harpas.Antes que The Doors yo solia tocar en las cafeterias y tocaba canciones de Bob Dylan. Tambien toque con una extraña banda llamada "The Back bay Chamberpot Terriers". Cuando estube interesado en la musica india conoci a John Densmore en un seminario de meditacion Maharishi, que estaba tocando con The Doors al mismo tiempo. Unos dias despues vino a mi casa con Jim Morrison y tocamos y cantamos un par de horas.Eso fue un impulso para mi. Necesitaban un guitarrista y me dijeron que si me unia.Estaba un poco esceptico al principio pero despues de unas sesiones y pruebas pense que The Doors podrian hacerlo.

RM. ¿tocaste alguna vez con "Rick and the ravens"?

R.no, nunca. John toco con ellos.

RM. el primer demo que se grabo de The Doors...no tocaste tu ¿verdad?

R.No. No toque en el primer demo. No estaba en el grupo de aquella.

RM.¿cuales fueron las primeras canciones que grabasteis para el primer disco de The Doors?

R.Aehm,¿para el primer album? Creo que la primera de todas fue "Indian Summer".

RM. ¡sorpresa, sorpresa! ¿"Indian Summer"?

R. si."Indian Summer " fue la cancion que salio en el quinto album "Morrison Hotel". Pero fue de hecho la primera cancion que grabamos.

RM. ¿usiasteis la misma grabacion para "Morrison hotel"? Siempre me sorprendio el sonidode esa cancion, parece diferente al otro material del disco.

R.Si, es la misma.sabes, la animamos un poco. La segunda que grabamos fue "Moonlight Drive".sabes, no la version que oyes en el album de "Strange Days". Pero de todos modos se perdio tontamente, fue una buena version que podriamos sacar, pero ¡alguien la perdio!

RM. "light my fire" es tu cancion...

R.¡si!

RM. ... pero aun asi Jim te ayudo con algunas letras.

R. correcto.

RM. ¿cualas?

R. (sonrie) esa sobre "funeral pyre" (pira funeraria)

RM. ah esa...

R. si, ese verso es de Jim.

RM.¿ pero es definitivamente tu cancion?

R.Eso es.

RM. ¿que otras canciones escribistes para el album? Los creditos decian siempre The Doors.

R. las canciones del primer album fueron escritas por todos nosotros.. Ray escribio la introduccion de "light my fire", pero las letras de la mayoria de las canciones eran de Jim. La musica la haciamos entre todos. Pero para las letras jim era un fenomeno. Venia a nuestras sesiones con una pieza de papel en la que escribia unas letras. El tarareaba la musica y nosotros comenzabamos a trabajar en las melodias. Especialmente en el ritmo y los solos.

RM. recuerdo la trempana version de "Light my fire" del Matrix. Ray no toco el intro que fue grabada en la grabacion anterior...

R. Tocamos en muchas actuaciones en ese tiempo y teniamos que improvisar. quiero decir, muchas eran desarrolladas en escena y las trabajabamos en nuestros conciertos.

RM. ¿que es el blue bus en The End? ¿es simplemente la linea de Santa Monica a UCLA que se escribio en uno de los Quarterlies? (revista del club de fans de Rainer Moddemann, llamada Doors quarterly)

R.posiblemente. Yo lei el articulo tambien.Si, habia un autobus azul alli- oh, es gracioso: mi esposa Lynn esta esperando con Jim y otra gente, y solo estaban haciendo una excursion dificil no se en donde, y de repente ese autobus azul llego y les recogio, este extraño hippie estaba conduciendo con un perro extraño, los llevo por toda la ciudad, donde quisieran ir, nunca dijo una palabra, se bajaron y nunca le volvieron a ver.ellos se extrañaron, porque Jim habia escrito sobre el autobus azul antes.

RM. empezasteis a usar sintetizadores en el segundo lp, cambiando la voz the Jim. ¿Tambien cambiasteis el sonido de tu guitarra con un sintetizador?

R.no, realmente no. No la guitarra. En ese tiempo teniamos un Moog, sabes, y le usamos en los teclados y en las voces y la guitarra acustica...

RM. ¿recuerdas que instrumento toco Ray Manzarek en "love me two times"? ¿era un clavicordio?

R. si, era realmente un clavicordio.

RM. y en "unhappy girl" era un piano backwards. (la traduccion literal seria un piano hacia atras, al reves)

R.si, de hecho era un organo y un piano tocado hacia atras.

RM. Hay una linea en "i can't see your face in my mind" de "Strange Days" que dice -carnival dogs consumes the line"(los perro de carnaval devoran los rasgos, la linea)- ¿que significa?

R. puede ser que la linea sea la linea del mundo ,sabes, con la imagen de los perros significa,sabes, que no todo es lo que parace

RM. ¿recuerdas la grabacion de "When the music's over"?

R. ¡seguro!

RM.Alguien dijo que primero se grabo la musica y luego la voz de Jim. ¿es verdad? suena perfecto...

R.(rie) si, es verdad.Cuando lo hicimos no sabiamos como el iba a cantar, por lo tanto: lo hicimos de ese modo. El supuesto dia que lo ibamos a grabar el estaba en unos de sus viajes de acido de no se donde y nunca se le veia por el estudio.Por eso grabamos la musica antes, y cuando por fin vino solo necesitabamos una grabacion de voz, y todo estaba perfecto.

RM.De todos modos- ¿hay alguna cancion de The Doors que no te guste?

R.¿una cancion de The Doors que no me guste? aehm, creo que "My Wild love" es una de las ultimas favoritas.

RM.Una cancion extraña, inusual para The Doors, sin instrumentos.

R.Si, si.

RM. ¿porque la grabasteis?

R. necesitabamos una cancion extra o algo asi (rie)...y todo el mundo que estaba en el estudio se unio. Miramos en los libros de poesia de Jim y,sabes, aqui esta una, hagamos una cancion de ella. Jim estaba tarareando la melodia como una simple cancion de niños, y nosotros le seguimos.

RM. hay una cosa interesante que me fije en vuestros discos. Vuestros directos siempre estan en A menor o en B menor. Pero los del estudio son medio tono mas bajo.

R. ¿que cancion?

RM. Light my fire

R. ¿en "light my fire" el tono es la mitad de bajo?

RM. ¡si lo esta!

R. ¡eso es fuerte! Quiza...mmm..

RM. bueno, el primer lp tiene medio tono mas bajo, como los directos, pero en 7" es un A menor.

R. Espera. ¿en el lp original es un A bemol o algo asi?

RM. si

R.es extraño, debimos...ah...creo que lo bajamos. Siempre pense que sonaba bajo (rie). ¡Imposible! ¿estas seguro?

RM.si (rie)

R.es estraño. Tendre que revisarlo (rie)

RM.¿porque no utilizasteis la version del estudio de "Celebration of the Lizard"? Es diferente a la del "Absoluty live"

R.no te creas, no es muy diferente, pero...

RM.en "No one here gets out alive" lei que duraba 25 mn...

R.bueno, usamos algunas partes, si, partes del directo eran improvisadas, sabes, por lo que no es lo mismo.

RM.espero que lo publiqueis algun dia.

R. no recuerdo porque no lo usamos,sabes, creo que usamos la buena parte de ello, sabes, la otras creimos que no eran tan buenas.

RM ¿esta la cinta original en vuestros archivos?

R. no lo se, debo de mirarlo.

RM. ¿es "not to touch the earth"de "Waiting for the sun" una extraccion de la cancion del estudio, o una cancio extra que fue grabada?

R. bien, se grabaron separadamente. Pero fue pensada para ese disco. pero se grabo en una pieza.

RM. ¿"wintertime love","spanish caravan" y "yes, the river knows" fueron escritas por ti?

R.si

RM. una de mis favoritas es "yes, the river knows",un sonido melancolico.

R. si ¡gracias!

RM.¿de donde te vino la inspiracion?

R. ah...en ese tiempo yo...fue una de las primeras canciones que escribi. estaba tratando de...sabes...de aprender de Jim, sabes, guardando los sujetos y eso, en light my fire: fuego,aire,tierra y agu;agua, por eso "yes,the river knows".

RM. Las sesiones de "waiting for the sun" fueron largas, ¿pero cuando fue grabada la cancion que le da nombre al disco?

R. oh, fue grabada antes- ¿o despues? las dos cosas: antes y despues. de hecho salio en Morrison Hotel. por supuesto era para el tercer album, pero no se porque no la pusimos.

RM. siempre es una sorpresa para los fans que no usais un bajo en vuestros conciertos.

R. estabamos bien sin ningun bajo en la pista, eso es todo. En el negocio Ray tenia el control de todo. para las sesiones de grabacion siempre usabamos el bajo, pero era Ray el que decia a los chicos que podiamos usarlo.

RM. ¿de quien fue la idea de usar cuernos y cuerdas y todo eso en "the soft parade"?

R. Rotchild. para el album era como un George Martin para nosotros.(rie). creo que era estupido que porque los Beatles lo hicieran, tuvieramos que hacerlo nosotros. ese album era nuestro "Sergeant pepper", pero era una idiotez, porque los Beatles lo hicieron mejor.

RM. ¿conocistes a los Beatles?

R. no, solo a George.

RM. lei en un libro que JIm Morrison estaba en el estudio con ellos mientras grababan el "White album", y canto con ellos "Hapiness is a Warm gun".

R. hmmm...es posible..pero..el conocio algunos en Londres creo, cuando yo no estaba por ahi. yo solo conoci a George.

RM. tu cantas el coro de "Runnin' blue". ¿viene el pincipio de la cancion de "leadbelly" lamada "poor Howard"?

R. Eso es, sabes, Jim hizo esa parte de la cancion, asi que no me puedo llevar los creditos de eso. pero leadbelly no la escribio tampoco, es algo tradicional, un viejo cowboy cantando canciones de los viejos esclavos. sabes, "Wild child" es lo mismo, sabes (canta Wild child, full of grace...) es una vieja cancion de las cadenas...

RM.¿como era el trabajo con Paul Rotchild en el estudio?

R. el trabajo en muchas canciones, especialmente en "Soft Parade" y "strange days". el fue uno de los que desarrollo el sonido de "The Doors". la mayoria de las otras canciones , las grabamos como soliamos hacerlas en directo. hace un tiempo escuchamos las grabaciones de The Soft parade y deseabamos sacar el disco otra vez sin cuerdas ni cuernos ni nada de eso, seria una cosa facil.

RM.al final de Touch me se oye la frase "stronger than dirt". ¿eso es del Ajax?

R.(rie)¡Si! no me acuerdo de quien fue la idea pero estaba ese coro (canta) "da da da dap", y alguien dijo -Hey, suena como el Ajax, y lo empezamos a decir, sabes.

RM.¿por que no estaba Who scared you en el Soft Parade?

R.Creo que a Rotchild no le gustaba.

RM. ¿es verdad que Jim no queria grabar "Tell all the people"?

R. si, tenia miedo de la clasificacion politica.

RM ¿no queria que la gente le siguiera?

R. no, era solo que el pensaba que era politica, y si cantaba eso la gente pensaria que el lo escribio. no lo se.

RM. ¿por que escribistes esas lineas?

R. de hecho era una cancion- acuerdate de la frase "Follow me down"- que era de una cancion de Leadbelly llamada "Fanton Street Blues", por eso era una idea mas bien de blues que politica.

RM. ¿Leadbelly es uno de tus favoritos, no?

R. si, como Robert Johnson.

RM. ¿recuerdas el estudio donde fue grabado "Morrison Hotel"?

R. si, fue grabada en Elektra, no en sunset, de donde era el primer y segundo disco, y era bueno, pero no estaba a la ultima. Paul queria crear efectos electronicamente.

RM. ¿me puedes decir quien es la "Ashen Lady" en Roadhouse blues?

R. bien, no se que querria decir con esto. no creo que fuera una persona real.

RM ¿que es peace frog?

R. bien..¿que es peace frog?

RM ¿es algo militar o que?

R. bueno, es posible. Nunca le pregunte a Jim. Creo que es por el sonido de la guitarra (canta) de-de-dep..., que suena como el croar de una rana "quak-quak". nunca le pregunte a Jim que era lo que significaba, porque nunca me contestaria, sabes.

RM.Siempre pense que Jim y tu erais buenos amigos ¿no?

R. si, eso creo. Escribimos mucho juntos y estuvo en mi casa, sabes, juntos. No era un loco cuando yo lo conoci, sabes, pero la primera vez que tocamos juntos se le veia un poco fuera de si, sabes, porque despues de la sesion recuerdo que el y ese otro tio comenzaron una gran lucha por ¡nada! creo que seria esa droga de hecho (rie), esa droga acida.

RM.¿tomaste alguna parte en la produccion de "Absolutely live"? fue cortada y puesta toda junta de cachos y piezas y canciones y conciertos.

RM.si, nos sentamos semanas y semanas y escuchamo todoa pequeña cosa: este verso de este concierto, esa version de...Rotchild es famoso por eso, sabes (rie9. Como el primer disco de Paul Butterfield. Suena como un album en directo, pero todo el estudio fue llenado con piezas y cintas colgadas (rie), una piza detras de otra.

RM ¿hay mas directos que se puedan usar?

R. no, no muchos.

RM. ¿siempre tocabas con tu Gibson SG en tus conciertos?

R. si, la roja. la negra era una slide, era un Les Paul.

RM. ¿eran las mismas guitarras que las del estudio?

R. oh, si.

RM. ¿que tipo de cuerda utilizais?

R. esos dias utilizamos "Super Slinkies", del 9 al 36, y luego me movi a las de 10. pero en The Doors siempre use una 9, las mas ligeras , porque nunca punteaba en esos dias.

RM. ¿ estas diseñando tu gibson ahora?

R.si, me estan haciendo una Gibson ahora, es como una sg en cuanto a la forma, pero tiene un bronceado, sabes, buena madera, una buena pieza de madera, ellos no usan ya madera, pero para esta estan usando buena madera. y tiene un mastil especial, de grafito, porque el cuello de la SG tiene que aguantar, sabes, porque va unido un cuello largo,no es muy fuerte, por eso tiene ese mastil de grafito.bien,sabes, llevo esperando por esto dos años a que lo acaben, estara echa este año.

RM. ¿alguien te pregunto para hacerla asi o diste tu ayuda?

R. bien, tienen un nuevo tio llamado Bob Gibson, el presidente, que fue un fan de The doors, vino de Harvard y no me acuerdo como se llamaba, pero siempre use una gibson, asi que...

RM. si, he visto unas gibson en tu estudio. Hablando de LA Woman. Era como un directo en el estudio. ¿estaban todas las canciones grabadas en directo?

R.¿LA woman? la mayoria, Jim hizo algunas (overdubs) pero queria transmitir ese sentimiento del directo. Ademas el album no estaba producido por Rotchild, y fuimos libres de hacer lo que queriamos. Lo hicimos en una habitacion de ensayo. ¿fuiste alguna vez?

RM. seguro, esta enfrente del Alta Cienaga Motel.

R. ¡si! (rie)

RM. El lugar cambio mogollon

R.no lo habia visto desde hacia mucho tiempo. estoy asustado de lo que hicieron alli.

RM. esta pintado de gris, y es un centro anti-sida.

R. ¿Estuviste dentro?

RM. No. estaba cerrado. volviendo a LA Woman. en "car hiss by my window" jim imita a una guitarra. ¿no habia ninguna guitarra por ahi?

R.(rie) no, habia un arpa, una harmonica, eso era lo que estaba haciendo. el no podia tocar un arpa bien. algunagente creia que era un arpa de verdad.

RM.¡ en un material pirata sale Jim tocando el arpa horriblemente!

R. no digas eso cuando Jim esta alrededor. (rie)

RM. ¿me puedes decir que significan esas misteriosas lineas de Hyacinth House? sabes, "...I see bathroom is clear, I think somebody is near"(veo que el baño esta libre, creo que alguien esta cerca), cosas asi.

R.La Hyacinth house era mi casa. Nosotros estabamos escribiendo unas canciones y yo tenia jacintos en el patio trasero, por lo tanto no era el hotel Hyatt como algunas personas pensaban y que nosotros soliamos llamar el hotel Riot (disturbio). Pero tu sabes que en la misma cancion en donde salen lois versos acerca del baño,veras, nosotros estabamos sentados escribiendo esa cancion y Jim tuvo que ir al baño (rie) y el estaba esperando a que alguien saliera. por lo tanto no tiene un doble significado. ¿recuerdas los lions (leones) de la cancion? estos eran mis gatos a traves de los jacintos, de hecho yo tenia un leon, un bobcat, un gran gato, sabes, que estaba en el patio trasero mientras estabamos escribiendo.

RM. vamos a cambiar al album "Other voices". Yo siempre pense que era un buen album, pero no tiene el sonido doors.Especialmente la musica, y tu y Ray cantando...

R. (rie) yo nunca me considere un cantante pero como Jim no estaba...

RM.Ray estaba fingiendo ser tu siendo "Golden throat Krieger" en el tour del '72. el siempre bromeaba cuando anunciaba el Mosquito, con tu español de instituto.

R.lo se, esta era una introduccion estandar para el Mosquito.

RM.¿escribiste tu la cancion?

R. si, cogi la idea de un grupo mejicano que hacia canciones tradicionales y yo escribi un equivalente.

RM. alguien dijo que esta era una cancion tradicional.

R. si bastante. sabes que esta fue una de nuestras mayores canciones aparte de las cosas que hicimos con Jim.

RM. mucha gente lo piensa asi...

R.si bastante. yo tambien escuche una version alemana de ella, bastante extraña.

RM. fue un tio llamado Gary Winn quien canto la version alemana. en "ship with sails", una cancion que John escribio, Ray Neopolitan toco el bajo; fue una de esas canciones que tu planeaste para Jim para hacer de vocal despues que volviese de Paris ¿o fue que fue una sobra del Morrison Hotel? porque Ray tambien tocaba el bajo en este album.

R.no no, nosotros escribimos esta cancion despues de que Jim murio. "Tightrope Ride" fue una de las que eran para Jim, sabes que Jim estuvo en Paris mucho tiempo antes de morir, y nosotros habiamos trabajodo en mogollon de cosas que habiamos planeado hacer con Jim como una especie de sexta pieza para la banda, y el nunca volvio. De hecho, Jim nunca dejo The Doors, como el hubiera podido hacer, el se moriria de aburrimiento depues de algunos meses. yo pienso que el hubiera vuelto con el grupo.

RM.¿fue el album Other voices exitoso en USA? ¿conseguiste un disco de oro por el?

R. no me acuerdo. pero creo que no, solo vendio 1/4 de millon o asi. ¿Como le fue en Europa, mejor que aqui?

RM. si, esta todavia en venta...los bajistas que tocaron contigo a mi me gusta porque lo toco yo, ¿se les dijo siempre como tocar los acordes o podian idear sus acordes ellos tambien?

R. ellos tenian que tocar normalmente lo que Ray tocaba con su piano-bajo (toca el bajo de Light my fire) como en el instante de light my fire que aparecen unos acordes sobre impresos despues, como Ray hacia.

RM. ¿no era el bajo del teclado en esa cancion?¿era un bajista?

R. si, era un bajista.un bajo Fender. y algunas de las canciones Doug Lubahn venia con algo de su cosecha, como el instante de "Waiting for the sun" el aporto alguna cosa, y love me two times le dije como debia hacerlo.

RM. ¿tocaste tu la armonica en "Down on the farm"?

R. si, lo hice (rie)

RM. ahi esta bonita cancion que tu tocaste con Jim en el "Norman Mailer-benefity" llamada Far Arden blues...¿fue la unica cancion que tocaste o hiciste mas cosas?

R,si hubo algunas cosas mas, pero un poco cutres, sabes.

RM.¿que es Far Arden en tu opinion? la gente cree que Jim queria decir el jardin de Eden

R. far arden es un lugar en inglaterra llamado arden que es mencionado por los poetasingleses.

RM. adoro la guitarra en esa cancion pero desafotunadamente el poema esta por encima, me gustaria escucharla sin el poema.

R. (rie)

RM. ¿cuando empezaste a grabar full circle? ¿despues de la gira del '72?

R. si, correcto.

RM.¿te enteraste de que podria ser el ultimo disco de The Doors?

R. no, es gracioso el que lo llamasemos de ese modo. Cuando fuimos a Europa para encontrar un cantante aun tocabamos com The Doors, despues del Full circle.

RM. Estuviste haciendo pruebas a unos cuantos cantantes, a ver: Jess Roden, Howard Werth - ¿quien mas?¿Iggy Pop?

R. No, actualmente no .

RM. Pero el siempre estuvo interesado ¿no es verdad?

R. Si, pero nosotros nunca estuvimos juntos lo suficiente por diferentes razones.En la actualidad nunca ensayamos con Howard Werth; solo hable con el un dia. Oh, aqui viene mi hijo Waylon. Sabes que fue llamado despues de un vino aleman , Whelener Sonnenberg, es un mosto, y es uno de los mejores del Rio Saar, yo creo, un autentico vino dulce. Yo solia ser bastante aficionado al vino aleman.

RM. jim pensaba lo mismo, yo creo. Lei que pidio 100 botellas de un vino aleman llamado Goldener Oktober.

R. Es gracioso, no lo sabia.

RM. " The Peking King and the New York Queen" ( El rey de Pekin y la reina de Nueva York) fue una de las caniones de Ray, pienso. Hay un Este y un Oeste que hablan en ella. El Oeste es Ray, pero ¿quien es el Este? ¿Tu?

R. Creo que Ray era las dos.

RM. John me dijo ayer que un "Verdilac" es un vampiro. ¿estas de acuerdo?

R. Si. ¿No sabias eso? Creo que es una expresion austriaca para vampiro, de una pelicula antigua.

RM. Hablando del "American Prayer" ¿ no fue una clase de trabjao extraño el hacer el album con la voz de Jim en una cinta?

R. Si , pero fue divertido tambien. Y fue duro. Nosotros teniamos que usar frases y palabras, cortarlas aqui y alli, pero valio la pena hacerlo.

RM. ¿ Tocas la guitarra solo en este album, quiero decir, que si solo tocas la guitarra?

R. No, tambien toco otros instrumentos, pero la mayoria de las veces la guitarra.

RM. ¿ Que hizo el coro de "Gloria" en " Alive she cried"?

R. Oh, lo hicimos todo

RM. Pero fue sobreimpreso despues, me temo...

R. Si pero no se lo digas ...

RM. Bueno, este es un secreto que todo el mundo sabe.

R. !!!!!!!!!

RM. ¿ Fue "Gloria" en "Alive she cried" la toma completa?

R. No. La toma completa, sin cortes, es mas sucia, definitivamente, y mucho más larga. Alguien todavia tiene el original, quizas salga a la luz algun día.

RM. La guitarra tambien estuvo algo esteril - ¿fue tambien sobreimpresa?

R. No, no lo fue. ¡ Por eso sonaba asi! (risas). No, la razon de esto fue que era una prueba de sonido, que no habia audiencia alli , quizas por eso no parecia estar alli.

RM. ¿ Fue una prueba de sonido para la grabación del " Absolutely Live"?

R. Si , bien, para los conciertos Aquarius, en los que hubo mucho del "Absolutely Live".

RM. Tu sobreimpresionaste "Texas Radio and the Big Beat" bien, pero esta sin doblaje en "Dance on fire" y sigue siendo magnifico.

R. Si, si, , yo hice la superposicion. Pero estas en lo cierto; estaba bien sin doblar.

RM. La television danesa ha completado recientemente el show. Adoro la cancion sin la sobreimpresion de "Alive she cried". ¿ recuerdas la grabación de "Little Red Rooster" con John Sebastian en el arpa?

R. Eso fue de un show wn Detroit , creo, y el toco en un par de cosas.


RM. ¿ Por que no hay ningun directo de los Doors despues de la muerte de Jim, de The Butts Band o algo así?

R. Veras , hay alguna grabacion en directo con The Butts Band en Boston, pero no tengo ni idea que fue lo que paso con ella.

RM. ¿ De quien fue la idea de The Butts Band?

R. Bueno, veras, nosotros estabamos en Inglaterra buscando un nuevo cantante para los Doors y John y yo decidimos, que bueno , que que ibamos a hacer.Permanecimos alli y vimos que podiamos conseguir , por lo que hicimos ese grupo junto a Jess Roden, Phil Chen y Roy Davis y lo llamamos The Butts Band. Este era el nombre del grupo que Jess Roden habia tenido antes, y nos gusto. Era un buen grupo.

RM. si, definitivamente. Tu tambien tocaste un directo con Blue öyster Cult ...

R. Si, "Roadhouse Blues". Fue fuera, en el Country Club en el valle. Ellos me llamaron un dia y dijeron que iban a tocar ,que si podia ir. Toque muchissimo en algunas de sus cosas y los productores a veces lo usan y otras no. Algunas veces no lo pueden usar porque hay impedimentos legales o algo asi; toque algunas cosas verdaderamente buenas en su nuevo album de hecho, el album que acaban de sacar pero que grabaron hace años. Si, toque bastante la guitarra, y la gente penso que quien la tocaba era realmente un tio del öyster.

RM Siempre quise saber porque esa pequeña y bonita canciona que es "Treetrunk" no esta en el "Full circle".

R. Bueno, pienso que suena demasiado comercial para el album. Otro podria cantarla pero ¡es gracioso que te acuerdes de esa!

RM. John esta pensando en que los Doors hagan la banda sonora para la pelicula sobre Jim.

R. Si, probablemente lo hagamos. Quiero decir, ¿quien mas podria hacerlo?

RM. Pero ¿vosotros no actuareis en la pelicula?

R. No, no lo creo.

RM. ¿ hay alguna cancion no publicada de los Doors?

R. ¿canciones no publicadas? No demasiado buenas. Hay una version de " Whiskey, Mystics and men" que es bastante buena. Todas las que podian usarse han sido usadas.

RM. Ray una vez hablo de una cancion llamada "Happy For a Night an a Day" ...

R. ¿Lo hizo? No la recuerdo.

RM. ¿ por que no teneis cuidado de como se reproducen las letras de las canciones en todos los libros oficiales? Por ejemplo en "Unknown Soldier" el libro de caniones dice "... practice where the news is read.." en vez del correcto "breakfast".

R. Creo que somos demasiado vagos para leerlos (risas). Es graciso: "Practice"!

RM. ¿Recuerdas el 3 de Julio de 1981, cuando Pere Lachaise estaba lleno de fans?

R. Si , estuvo bien. Uno piensa, sabes, que es increible cuanta gente habia alli, pero tambien pense que estaban estropeando con pintadas todos los demas monumentos y cosas. Nosotros arreglamos el busto, bien, pero antes del busto estuviera alli le dimos a Pamela el derecho de hacerlo, le dabamos un monton de dinero, pero ella nunca hizo nada. Sus padres iban a ponerla a ella en la mima tumba. No se si lo harian. Sus padres estaban verdaderamente comprometidos con Jim, sabes. El asesor esta todavia en contacto. Ellos son muy irrazonables. La poesia deberia ser publicada, y ellos no lo hacen, y la pelicula, sabes, una cantidad de problemas legales. Nos demanda, demanda esto, demanda aquello. Es demasiado estupido, sabes, porque Jim nunca hubiera querido que sus cosas fueran a esa gente.

RM. Siempre quise saber que diria el si supiera que otras personas que no eran Pamela tuvieran control de su poesia y otras coasa. ¿Has leido alguna vez un poema no publicado de su "127 FASCINATION BOX"?

R. Si, algo, No era tan bueno. Tu sabes que eran cosas de Jim y no queria que salieran a la luz. Mucho de esto fue escrito antes de que se fuera a Paris. Hay otras cosas que el escribio alli y que son bastante buenas. Ellos deberian sacarlas a la luz. Hay otras muchas mas cosas que son bastante buenas, pero Jim en su interior no pensaba que fueran los suficiente buenas como para usarlas. Por eso no las usamos. Por eso no pienso que deban usarse ahora. De todas maneras es un lio legal tambien. Los abogados que tienen posesion de ello piensan que es suyo, Corky piensa que es suyo tambien, y bla,bla,bla.

RM. ¿Habeis pensado alguna vez en liberar "HWY"?

R. Si, nos gustaria. Bueno, no es realmente una pelicula, y esta sin terminar, ya sabes. la posee el Estado, y no hacen nada con ella. Me gustaria que hicieran algo, porque es una cosa interesante. Me gustaria que lo pusieran junto con "Feast of Friends" quizas, y otras coasa. Se podria hacer un buen video.

RM. ¿ Cuales son tus planes para el futuro?

R. Musica ¿que si no?

http://lorenamorrison.blogspot.com/search/label/ENTREVISTA%20COMPLETA%20A%20ROBBY%20KRIEGER